La asombrosa época del Renacimiento dio la historia de muchos escultores y artistas brillantes. Es de destacar que las personas talentosas de esa época poseían precisamente un don versátil: pintura, escultura, gráfico y, a veces, incluso arquitectura. El genio de Raphael es más […]
.En la imagen, se puede ver claramente cómo Rafael fue influenciado por el trabajo de otro artista, Miguel Ángel. Un grupo sagrado está representado en el centro del lienzo: los cuatro evangelistas están representados por cuatro bestias. En el centro no está vestido Dios Padre. Su cuerpo […]
La obra fue escrita en 1502-1503 para el retablo de Oddi. un hecho interesante al crear este lienzo, el artista no determinó de forma independiente los componentes principales de la imagen. Al mismo tiempo, su tema religioso favorito a principios de […]
Rafael Santi es creador de obras maestras, muchas de las cuales se han convertido en activos invaluables de la cultura mundial y la pintura de altar. El artista creó en su propio estilo único, combinando lo terrenal y lo divino en imágenes inspiradoras e inmortales. En la tumba [...]
La pintura está realizada en la técnica de pintura al óleo sobre madera, su autor es el famoso artista italiano, representante de la escuela de Umbría, Rafael Santi. La creación del lienzo se remonta a 1506, en este momento se conserva en el florentino […]
La obra retratística de Rafael Santi, por razones obvias, se perdió en gran parte, sin embargo, sobre todo ejemplares valiosos, como un retrato hombre joven continúan estando bajo la estricta supervisión de la comunidad artística mundial, ya que representan […]
Creó su primera Madonna pintoresca a la edad de 17 años, y su pintura más famosa, también la imagen de la Virgen y el Niño, la gran "Madonna Sixtina", se conserva en la Galería de Dresde.
discipulado
Dicen de gente como Rafael Santi: vivió una vida corta pero muy brillante. Sí, irse a los 37 significa privar al mundo de muchas, muchas más de sus obras maestras. Por ejemplo, Miguel Ángel siguió creando hasta su muerte en la vejez. En los ojos tristes de Rafael en el "Autorretrato" replicado es como si uno adivinara el final trágicamente inminente de su existencia terrenal.
Los padres de Raphael tampoco eran longevos. El padre murió cuando el niño tenía solo 11 años (pero él, el artista, logró transmitir los conceptos básicos de habilidad al heredero), y la madre del futuro genio del Renacimiento sobrevivió a su esposo por 7 años.
Ahora nada lo retenía en su Urbino natal. Y Raffaello se convierte en uno de los alumnos del maestro Perugino en Perugia. Allí conoció a otro talento de la escuela de Umbría - Pinturicchio, los artistas realizan varios trabajos juntos.
Primeras obras maestras
En 1504 (el pintor tenía solo 21 años), nació la obra maestra "Tres Gracias". Santi se aleja poco a poco de la imitación del maestro y adquiere un estilo propio. La miniatura Conestabile Madonna también pertenece al mismo período. Esta es una de las dos pinturas del maestro que se conservan en Rusia (en la colección del Hermitage). El segundo es “Virgen con un José imberbe” (otro nombre es “Sagrada Familia”).
El conocimiento de los "pilares" del Renacimiento: Miguel Ángel Buonarotti y Leonardo da Vinci enriquecieron enormemente el "equipaje" del pintor novato. Ocurrió en la entonces casi "capital del arte italiano" Florencia. La influencia de Leonardo se deja sentir en el retrato de la Dama del Unicornio. Es asombroso ver a un pequeño animal de un solo cuerno (más familiares a la vista son los elegantes caballos cinematográficos de melena blanca con un cuerno en la frente), sentado tranquilamente en el regazo de una niña rubia (precisamente niñas, según la leyenda, unicornios se volvió manso sólo con las vírgenes). El período florentino está marcado por la creación de dos docenas de Madonnas. Probablemente, el tema del amor materno estaba muy cerca de Rafael; después de todo, perdió esta bendición temprano.
La mejor obra de Rafael.
Una de las obras más famosas de Raphael Santi fue creada en Roma, donde el pintor se mudó en 1508. El fresco "La Escuela de Atenas" (adorna el Palacio Apostólico Vaticano) es una composición muy compleja (más de 50 héroes están representados en el lienzo). En el centro están los sabios Platón y Aristóteles, el primero proclama la primacía de lo espiritual (levantando la mano hacia el cielo), el segundo es partidario de lo terrenal (señala el suelo). En los rostros de algunos personajes se adivinan los rasgos de los amigos del autor (Platón da Vinci, Heráclito-Miguel Ángel) y él mismo aparece en forma de Ptolomeo.
Entre las docenas de Madonnas romanas de Rafael, la más conmovedora y famosa de todas las imágenes existentes de la Madre de Dios es la Madonna Sixtina. “Un pedazo de cielo, un puente de nubes, y Madonna viene contigo contigo. Ella apretó a su hijo contra sí misma con tanto amor, protegiéndolo de los enemigos ... ". La figura principal del lienzo, por supuesto, es María. Ella, que lleva un niño inusualmente serio, es recibida por Santa Bárbara y el Papa Sixto II con el nombre "encriptado" en su mano derecha (observe más de cerca, tiene 6 dedos). Abajo, un par de ángeles regordetes y flemáticos admiraban a la madre y al niño. Es imposible escapar de sus ojos ansiosos.
amor de toda la vida
Bajo la apariencia del personaje principal de la "Madonna Sixtina", puedes reconocer el amor de la vida de la gran creadora italiana: pasó a la historia con el sobrenombre de "Fornarina". La traducción literal de la palabra es “panadería”. La bella Margherita Lute realmente creció en una familia de panaderos. Como modelo y amado Raffaello, la niña se quedó largos años hasta la muerte del artista.
Sus hermosos rasgos se pueden admirar en el "Retrato de una mujer joven" (también llamado "Fornarina"), fechado en 1519. Ya tras la muerte del maestro (ocurrida un año después), uno de los alumnos más célebres de Rafael, Giulio Romano, pintó sobre una mujer sobre lienzo una pulsera con el nombre del autor. Otra representación famosa de la musa es "Donna Velato" ("La dama velada"). Al ver a Margherita, de 17 años, Rafael se enamoró de ella sin memoria y se la compró a su padre. Muchos representantes de la bohemia de entonces eran homosexuales (el Renacimiento se caracterizó generalmente por el triunfo desenfrenado de la carne), pero Santi fue una excepción.
Dos versiones de la muerte
Una de las leyendas sobre su muerte dice que la muerte sorprendió al artista en la cama de Fornarina. El mismo chisme malvado afirma: la niña no fue fiel a su amante. Y después de su partida anticipada, habiendo recibido una fortuna considerable, ella, sin embargo, continuó con su naturaleza viciosa y se convirtió en una de las famosas cortesanas de Roma.
Pero los admiradores del talento del pintor se adhieren a otra versión: una fiebre lo llevó a la tumba. Y el amor de la pareja Rafael-Fornarina podría ser envidiado por muchos. Después de la muerte de su esposo soltero, tomó la tonsura y sobrevivió brevemente al maestro, considerándose su viuda.
El talento de Raffaello fue multifacético. Se mostró como arquitecto, como poeta. Y uno de sus dibujos salió de la subasta de Sotheby's a finales de 2012 por un precio récord de 29.721.250 libras esterlinas.
Madera, aceite. 43 x 34 cm Accademia Carrara, Bérgamo
En esta foto, una elegante pose al estilo Perugino y la brumosa transparencia del color, característica de Francesco Franchi, se combinan de tal manera que crean el estilo original del propio Raphael. A partir de este trabajo, comienza a manifestarse su capacidad para crear formas claras y equilibradas, así como la capacidad para traducir discreta y armónicamente los elementos formales de otros pintores en una visión clara y tranquila, la principal característica de su temperamento artístico. .
Rafael. San Sebastián, 1501-1502
San Sebastián sostiene una flecha en este cuadro de Rafael, que recuerda los detalles de su martirio. El dedo meñique del santo está graciosamente levantado. Sebastian está vestido con una magnífica capa roja y una camisa bordada en oro, su cabello está elegantemente peinado. No hay nada en su figura que recuerde los tormentos que soportó este santo. Se trata de una típica obra temprana, unánimemente asociada a Rafael. Con su belleza decorativa y talante elegíaco, esta pintura recuerda mucho a la obra de Perugino.
Rafael. San Sebastián, 1501-1502. Detalle
Rafael. Retablo de Baronci, 1500-1501
Dios Padre y la Virgen María. Fragmento del retablo de Baronci
Madera, óleo 112 x 75 cm (Dios), 51 x 41 (Virgen María). Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles
La estancia de Rafael en Citta di Castello, un pequeño pueblo cerca de Urbino, en los primeros años del siglo XVI fue muy fructífera. Allí creó tres lujosos altares para varias iglesias. El primer pedido documentado de Rafael, fechado el 10 de diciembre de 1500, se realizó para el altar de la capilla Andrea Baronci de la iglesia de Sant'Agostino en Citta di Castello. El altar estaba dedicado a la coronación de Nicolás de Tolentinsky, un ermitaño agustino del siglo XIII que no fue canonizado hasta 1446, aunque su culto se popularizó muy pronto.
Rafael. Dios Padre y la Virgen María. Fragmento del retablo de Baronci, 1500-1502
El altar sufrió graves daños durante un terremoto en 1789. La pintura de Rafael, que sufrió graves daños, fue retirada de su lugar original y vendida Papa Pío VI, quien ordenó cortar los paneles en varios pedazos. Dos de ellos se muestran en la figura anterior. Desde 1849, las secciones sobrevivientes del retablo de Baronci se han conservado en varias colecciones.
Ángel (1). Fragmento del retablo de Baronci, 1500-1501
Según estudios de las pinturas de Rafael realizados por los científicos del Museo de Bellas Artes de Lille, esta figura de ángel se encontraba en el ángulo inferior izquierdo del altar, junto a San Nicolás de Tolentino. El gran modelado de la cabeza de un ángel y la expresión de éxtasis de su rostro, con la mirada dirigida hacia arriba, son característicos de varias de las primeras obras de Rafael.
Ángel (2). Fragmento del retablo de Baronci, 1500-1501
En esta parte del retablo de Baronci se representa un solo ángel, pero una copia parcial del altar realizada en el siglo XVIII en Citta di Castello, así como una descripción de 1789, muestran que un par de ángeles se encontraban a ambos lados del figura principal
Este ángel estaba ubicado a la derecha y no miraba al santo en el centro, sino a alguna figura del borde de la imagen.
Rafael. Ángel. Fragmento del retablo de Baronci, 1500-1501
Rafael. crucifixión. Altar en Città di Castello. 1502-1503
Madera, aceite. 281 x 165 cm National Gallery, Londres
La presencia de los motivos de Perugino sigue siendo bastante evidente en la Crucifixión de Rafael, 1502-1503, que ahora se encuentra en la National Gallery de Londres. La pintura representa a Cristo crucificado con la Virgen María, San Jerónimo, María Magdalena y Juan Evangelista. La "Crucifixión" era la parte central del altar realizado para la iglesia de San Domenico en Citta di Castello. Esta es la primera obra firmada por Rafael. La firma "dibujada por Rafael de Urbino" confirma plenamente su autoría.
Rafael. crucifixión. Altar en Città di Castello. 1502-1503
La composición de la Crucifixión se acerca a otros paneles sobre el mismo tema de Perugino, como el imponente Retablo Chigi para Sant'Agostino en Siena. Pero el estricto equilibrio de los gestos, que distingue las figuras de los cuadros de Rafael de las poses sentimentales y sencillas de Perugino, separa claramente al joven estudiante de su maestro. Los rostros están tratados con un ligero claroscuro y, como resultado, son más gráciles que los de Perugino. Así, Rafael, aunque todavía no está dispuesto y tal vez incapaz de superar la influencia de Perugino, muestra en la pintura "La Crucifixión" su propio almacén espiritual. Tiene un extraordinario sentido de la proporción y agudeza de percepción visual. Esto se hace aún más evidente en las dos partes de la predela, enmarcadas por relatos de la vida de San Jerónimo. Uno de ellos se conserva en la Cook Collection (Richmond), y el otro en la Galería de Lisboa.
Rafael. Altar de Oddi, 1502-1503
El pedido de Maddalena Oddi para la pintura "La Coronación de Nuestra Señora", originalmente destinado a la iglesia de San Francisco en la Montaña en Perugia, fue recibido por primera vez por Perugino. Pero se lo pasó a su alumno, Raphael.
Rafael. Coronación de la Madre de Dios. Altar de Oddi, 1502-1503
El altar combina dos escenas comunes en la iconografía del Quattrocento: la coronación de la Madre de Dios (que ocupa la parte superior del cuadro) y la Entrega del Fajín de la Virgen a Santo Tomás (la parte inferior), episodio tradicionalmente asociado con la Dormición. Según la leyenda, en la Asunción de la Madre de Dios, entre los apóstoles que se reunieron en Jerusalén para su sepultura, no estaba Tomás. Lamentó amargamente no haber tenido el honor de estar en los últimos minutos de la vida terrena de la Purísima Virgen y no haber recibido su bendición. Al tercer día después de la Asunción, la Madre de Dios se apareció a Tomás y, como consuelo, le entregó Su Cinturón. Fue entregado a dos piadosas viudas de Jerusalén y se mantuvo en Palestina de generación en generación.
Rafael. Coronación de la Madre de Dios. Altar de Oddi. Parte superior composiciones 1502-1503
Las escenas de la Coronación y la Entrega del Cinturón a Tomás permanecen separadas en la pintura de Rafael, quizás debido a la incertidumbre del joven Rafael sobre su capacidad para crear una gran composición completa. Sin embargo, las formas pictóricas de Rafael aparecen aquí ya muy maduras, y algunas innovaciones en la perspectiva -por ejemplo, la representación diagonal de la tumba de Nuestra Señora- van en contra de las técnicas compositivas tradicionales del Quattrocento.
Rafael. Coronación de la Madre de Dios. Altar de Oddi. La parte inferior de la composición. 1502-1503
La composición del altar Oddi se divide horizontalmente en las esferas celestial y terrenal. La parte superior representa a Cristo coronando a su madre, que Rafael colocó sobre su sarcófago vacío. El contraste entre su desaparición y la aparición de flores milagrosas en lugar del cuerpo de la Madre de Dios sorprende a los apóstoles reunidos alrededor del enorme ataúd de piedra en el fondo del panel.
Rafael. Anunciación. Altar de Oddi. Predela. 1502-1503
Los bocetos que nos han llegado muestran el tremendo trabajo realizado por Raphael durante la creación de este panel. Algunos de los detalles, en particular los rostros muy individualizados de los apóstoles y el paisaje sereno del fondo, están pintados con gran maestría.
Rafael. Adoración de los Magos. Altar de Oddi. Predela. 1502-1503
Pero las más significativas son las escenas de la predela, que consta de tres cuadros de 27 × 50 cm: un amplio espacio que se abre bajo las columnatas de la Anunciación (lado izquierdo de la predela); la sentida Adoración de los Reyes Magos (centro); libre traspaso de matices de la atmósfera en la escena de la Entrada al Templo (lado derecho). Todo esto presagia la extraordinaria intuición espacial de las futuras composiciones vaticanas de Rafael.
Rafael. Introducción al Templo. Altar de Oddi. Predela. 1502-1503
Rafael. Esponsales de la Virgen María. 1504
Tablero, aceite. 170 x 117 cm Brera Pinacoteca. Milán
Los esponsales de la Virgen María es una de las pinturas más famosas y veneradas de Rafael. Marca su transición del aprendizaje con Perugino al rango de uno de los maestros más destacados del Renacimiento italiano. "Los esponsales de la Virgen María" fue escrito justo antes del viaje de Rafael a Florencia.
La pintura "El matrimonio de la Virgen María" fue encargada por la familia Albizzini para la capilla de San José en la iglesia minorita de San Francesco en Citta di Castello. Durante la época de la revolución guerras napoleónicas Cambió de dueño más de una vez hasta que terminó en la famosa Brera Pinacoteca de Milán.
Rafael. Los esponsales de la Virgen María. 1504
Al escribir estos "Desposorios de la Virgen María", Rafael se inspiró en dos composiciones de Perugino: el famoso cuadro "Cristo entrega las llaves del paraíso a San Pedro" del ciclo de frescos de la Capilla Sixtina y el panel "Las bodas de la Virgen María". En el friso del templo, representado en la profundidad de la imagen, está la firma de Rafael y la fecha -1504.
En primer plano, José el prometido pone solemnemente un anillo en el dedo de la Virgen y sostiene un símbolo de su elección: un bastón de madera que ha florecido, mientras que los otros novios lo han dejado seco.
Rafael. Los esponsales de la Virgen María. María. 1504
templo de estilo poligonal Bramante crea una perspectiva en retroceso en esta pintura de Raphael. Es el centro de un sistema radial formado por gradas, un pórtico, contrafuertes, un tambor - y prolongado por un pavimento. Un grupo de invitados a la boda repite este ritmo circular. Las tres figuras principales se sitúan en primer plano, y el resto en profundidad, alejándose progresivamente del eje central, indicado por el anillo que José pone en el dedo de la Virgen.
Rafael. Los esponsales de la Virgen María. Templo. 1504
La planta del cuadro de Rafael se asemeja claramente a las dos obras de Perugino mencionadas anteriormente. Pero el espacio de Raphael es abiertamente más fuerte y la perspectiva se muestra mucho mejor que la de su maestro.
Rafael. Tres Gracias. 1504-1505
Tablero, aceite. 17 x 17 cm Museo Condé, Chantilly
El crecimiento del poder pictórico de las pinturas de Rafael después de su llegada a Florencia es claramente visible en las pinturas El sueño del caballero y Las tres gracias. Estos dos paneles pueden haber formado un solo díptico presentado por Scipione di Tommaso Borghese. El tema de la imagen podría tomarse del poema "Punica" del poeta Silius Italic. En el primer panel, el caballero durmiente Escipión debe elegir entre Venus (placer) y Minerva (virtud). En el segundo, las Gracias recompensan su elección de virtud con las manzanas de oro de las Hespérides. El origen clásico de este tema refleja la influencia en Rafael del medio humanista florentino.
Rafael. Tres Gracias. 1504-1505
En este cuadro, un joven caballero duerme bajo un árbol de laurel, lo que divide el cuadro en dos partes iguales. En cada una de las dos mitades, Rafael representó a una mujer joven. La izquierda personifica la virtud y sostiene un libro y una espada sobre el caballero dormido. El de la derecha le ofrece una flor al caballero durmiente, un símbolo de placer sensual. Una posible interpretación de Rafael de la alegoría representada en la imagen: la tarea de un joven es equilibrar armoniosamente ambos lados de la vida.
Rafael. Alegoría (Sueño de un caballero). ESTÁ BIEN. 1504
Rafael. San Jorge y el dragón. 1505-1506
Madera, aceite. 28,5 x 21,5. Galería Nacional de Arte, Washington
Las pinturas de Rafael sobre el tema de las batallas de San Miguel y San Jorge con el dragón están conectadas entre sí por temas y elementos estilísticos. En ellos, la influencia en Rafael de los grandes maestros florentinos de la generación anterior es claramente perceptible, especialmente Leonardo da Vinci, cuyo lienzo "Batalla de Anghiari" (1505), que no nos llegó en el original, dio un brillante ejemplo de arte sobre un tema militar. Pero la conexión de estas pinturas de Rafael con la pintura flamenca es clara, especialmente con jerónimo bosco(luz brillante y monstruos humanoides en la escena de "San Miguel").
Rafael. San Jorge y el dragón. 1505-1506
Rafael. San Miguel y el dragón. 1503-1505
Madera, aceite. 31 x 27 cm Museo del Louvre, París
En este cuadro de Rafael, San Miguel, de pie en medio de un paisaje lúgubre con una ciudad en llamas a lo lejos, está a punto de matar al diablo derribado en el suelo con un golpe de espada. Los monstruos que se arrastran por todos lados recuerdan los dibujos de Hieronymus Bosch, y las figuras en la parte central del cuadro resucitan las escenas del Infierno de Divina Comedia Dante. A la izquierda, Rafael pintó hipócritas con túnicas de plomo, condenados a seguir su doloroso camino, ya la derecha, ladrones atormentados por serpientes.
Rafael. San Miguel y el dragón. 1503-1505
La imaginación de Rafael es rica en los detalles de esta pintura, pero mucho más equilibrada en la figura misma de San Miguel Arcángel, centro de toda la composición. El sentido del equilibrio y la armonía espiritual inherente a Rafael se desarrolló en otros dos paneles relacionados con la lucha del dragón de San Jorge. Allí, un paisaje suave, ejecutado al estilo de la escuela umbría familiar al primer Rafael, transmite serenidad al personaje principal, contrastando con el dramatismo general del tema.
Rafael. San Jorge matando al dragón (Pequeño San Jorge). 1503-1505
Madera, aceite. 29 x 25 cm Museo del Louvre, París
Para obtener más detalles, consulte un artículo separado de Raphael "Saint George"
Habiendo recibido en 1504 la Orden de la Jarretera de Rey Enrique VII de Inglaterra, el duque de Urbino Guido da Montefeltro, como regalo para el monarca británico, encargó a Rafael una pintura sobre el tema de la hazaña de San Jorge. Fue encargado de entregarlo a Inglaterra por Baldassare Castiglione, el autor del famoso tratado “Sobre el cortesano” en esos días.
San Jorge es uno de los santos cristianos más populares y el santo patrón de Inglaterra. Según una antigua leyenda piadosa, un dragón se asentó en un pantano fuera de las murallas de una ciudad, matando a los transeúntes con un aliento de fuego. Para apaciguar al dragón, la ciudad le enviaba varias ovejas al día. Cuando no hubo más ovejas, los hijos e hijas de los ciudadanos locales fueron enviados al monstruo. El guerrero cristiano San Jorge, que pasaba, vio a la niña llorando, se encomendó a Dios y atravesó al dragón con una lanza. La lanza se rompió, pero el valiente caballero siguió luchando con la espada del dragón. Lo mató y salvó a la niña de la muerte.
Rafael. San Jorge matando al dragón (Pequeño San Jorge). 1503-1505
El cuadro de Rafael "San Jorge matando al dragón" se exhibió junto con su propio "San Miguel". Ambas pinturas eran del mismo tamaño y estilo similar. Esto llevó a la idea de que Rafael los escribiera como un solo díptico.
Rafael. Bendición de Cristo. 1505-1506
Tablero, aceite. 32 x 25 cm Pinacoteca Tosio Martinengo, Brescia
En la pintura de Rafael "Bendición de Cristo" se siente muy fuertemente la influencia de Leonardo da Vinci. Aquí se representa a Cristo saliendo de la tumba. A diferencia de los paneles de los siglos XIV y XV del mismo tema, lo principal en esta imagen no es un sentimiento de compasión, sino el triunfo de Cristo Resucitado. Todavía lleva los símbolos de la Pasión: la Corona de Espinas y las marcas de los clavos con los que sus manos y pies fueron clavados en la cruz.
Rafael. Bendición de Cristo. 1505-1506
La influencia sobre Rafael Perugino casi se está desvaneciendo. La figura de Cristo es la suavidad de las superficies y el suave modelado de luces y sombras, en las que Rafael supera claramente a su maestro.
Rafael. Santa Catalina de Alejandría. 1508
Madera, aceite. 71,1 x 54,6 cm National Gallery, Londres
Mitad pintura para el culto personal, mitad obra de coleccionista, "Catalina de Alejandría" probablemente fue pintada justo antes de la partida de Rafael hacia Roma. Está dominada por la influencia no de Perugino, sino de Leonardo da Vinci, quien perfeccionó la llamada postura "serpentina", con las curvas del cuerpo alrededor de sus propios ejes. Da movimiento, gracia y tridimensionalidad incluso a las figuras estáticas. Para hacer natural esta posición antinatural, Rafael representa a Santa Catalina con la cabeza hacia arriba y hacia la izquierda, en comunión extática con los finos rayos dorados de la luz divina que desciende del cielo.
Rafael. Santa Catalina de Alejandría. 1508
La mano izquierda de Catalina de Alejandría descansa sobre el atributo de su martirio: la rueda. Mano derecha presionado contra el pecho. El santo mira hacia el cielo lleno de luz. La composición es rica en movimiento armonioso, su combinación de colores es completa y variada.
El paisaje de esta pintura de Raphael fue escrito con mucho cuidado. Su claroscuro también apunta a la influencia de Leonardo, aunque las montañas irregulares características de los paisajes de da Vinci están ausentes. El exquisito modelado de la figura de Catalina de Alejandría, la ligera torsión de su cuerpo en el momento en que se apoya en la rueda de su martirio (en la que las púas se sustituyen por protuberancias redondeadas para suavizar el elemento de crueldad) reflejan bien el equilibrio naturaleza del arte de Rafael. "Catalina de Alejandría" atestigua claramente la búsqueda incansable de la forma que subyace en la creatividad figurativa de Rafael. Siempre se abstiene de despertar emociones que considera demasiado fuertes, suavizando los tonos y elementos del tema de las pinturas en busca de la perfecta armonía de equilibrio entre figura, color, postura y expresión sensual, así como entre elementos principales y decorativos.
Rafael Santi (28 de marzo de 1483, Urbino - 6 de abril de 1520, Roma) fue un gran pintor, grafista y arquitecto italiano, representante de la escuela de Umbría.
Entre las primeras obras se encuentran "El pendón con la imagen de la Santísima Trinidad" (hacia 1499-1500) y el retablo "Coronación de S. Nicolás de Tolentino" (1500-1501) para la iglesia de Sant'Agostino en Citta di Castello.
En 1501, Rafael llegó al taller de Pietro Perugino en Perugia, por lo que las primeras obras se realizaron al estilo de Perugino.
En este momento, a menudo deja Perugia para su casa en Urbino, en Citta di Castello, junto con Pinturicchio visita Siena, realiza una serie de obras por encargo de Citta di Castello y Perugia.
En 1502, aparece la primera Madonna de Raphael: "Madonna Solly", Madonna Raphael escribirá toda su vida.
Las primeras pinturas no religiosas son El sueño del caballero y Las tres gracias (ambas alrededor de 1504).
Poco a poco, Rafael desarrolla su propio estilo y crea las primeras obras maestras: "Los esponsales de la Virgen María con José" (1504), "La coronación de María" (alrededor de 1504) para el altar de Oddi.
Además de grandes pinturas de altar, pinta pequeños cuadros: Madonna Conestabile (1502-1504), San Jorge matando al dragón (hacia 1504-1505) y retratos - Retrato de Pietro Bembo (1504-1506).
En 1504, en Urbino, conoció a Baldassar Castiglione.
A finales de 1504 se trasladó a Florencia. Aquí conoció a Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Bartolomeo della Porta y muchos otros maestros florentinos. Estudia cuidadosamente la técnica pictórica de Leonardo da Vinci, Miguel Ángel. Un dibujo de Rafael del cuadro perdido de Leonardo da Vinci "Leda y el cisne" y un dibujo de "St. Mateo" Miguel Ángel. "... las técnicas que vio en las obras de Leonardo y Miguel Ángel lo hicieron trabajar aún más duro para obtener de ellas beneficios sin precedentes para su arte y su forma".
El primer pedido en Florencia proviene de Agnolo Doni para retratos de él y su esposa, este último fue escrito por Rafael bajo la clara impresión de la Mona Lisa. Fue para Agnolo Doni que Michela Angelo Buonarroti creó el tondo Madonna Doni en ese momento.
Rafael pinta los retablos "Madonna Enthroned with John the Baptist and Nicholas of Bari" (circa 1505), "The Entombment" (1507) y retratos - "Dama con un Unicornio" (circa 1506-1507).
La popularidad de Rafael está en constante crecimiento, recibe muchos pedidos de imágenes de santos: "La Sagrada Familia con St. Isabel y Juan el Bautista" (circa 1506-1507). "Sagrada Familia (Madonna con un José imberbe)" (1505-1507), "St. Catalina de Alejandría" (circa 1507-1508).
En Florencia, Rafael creó unas 20 Vírgenes. Aunque las tramas son estándar: la Virgen sostiene al Niño en sus brazos o juega junto a Juan Bautista, todas las Virgenes son individuales y tienen un encanto maternal especial (aparentemente, la temprana muerte de la madre dejó una profunda huella en el corazón de Rafael). alma).
La creciente fama de Rafael conduce a un aumento en los pedidos de Madonnas, crea la Granduk Madonna (1505), la Madonna con claveles (circa 1506), la Madonna con dosel (1506-1508). Para las mejores obras Este período incluye "Madonna Terranuova" (1504-1505), "Madonna with a Goldfinch" (1506), "Madonna with Child and John the Baptist ("Beautiful Gardener") (1507-1508).
En la segunda mitad de 1508, Rafael se trasladó a Roma (donde pasaría el resto de su vida) y, con la ayuda de Bramante, se convirtió en el artista oficial de la corte papal. Se le encargó pintar al fresco la Stanza della Senyatura. Para esta estrofa, Rafael pinta frescos que reflejan cuatro tipos de actividad intelectual humana: teología, jurisprudencia, poesía y filosofía: "Disputa" (1508-1509), "Justicia" (1511) y el más destacado "Parnaso" (1509-1510 ) y "Escuela de Atenas" (1510-1511).
El Parnaso representa a Apolo con nueve musas, rodeado de dieciocho famosos poetas antiguos griegos, romanos e italianos. “Entonces, en la pared que da al Belvedere, donde están el Parnaso y el manantial de Helikon, escribió en la cima y las laderas de la montaña un sombreado bosque de laureles, en cuyo verdor se siente, por así decirlo, el aleteo. de hojas meciéndose bajo la más suave brisa de las brisas, mientras en el aire - sin fin muchos cupidos desnudos, con la expresión más encantadora en sus rostros, arrancan ramas de laurel, trenzándolas en coronas, esparcidas por ellos por toda la colina, donde todo se avienta con un aliento verdaderamente divino -tanto la belleza de las figuras, como la nobleza de la pintura misma, mirando a la que cualquiera que esté en la forma más atenta de ella considera, se da el asombro de cómo el genio humano, con toda la imperfección de una simple pintura, consigue que, gracias a la perfección del dibujo, la imagen pictórica parezca viva.
La "Escuela de Atenas" es una composición de múltiples figuras (alrededor de 50 caracteres) brillantemente ejecutada, que presenta a los filósofos antiguos, muchos de los cuales Rafael les dio las características de sus contemporáneos, por ejemplo, Platón está escrito en la imagen de Leonardo da Vinci, Heráclito en la imagen de Miguel Ángel, y de pie en el borde derecho, Ptolomeo es muy similar al autor del fresco. “Muestra a los sabios de todo el mundo, discutiendo entre sí en todos los sentidos... Entre ellos está Diógenes con su cuenco, recostado en los escalones, figura muy pensativa en su desapego y digna de elogio por la belleza y por el vestido. tan adecuado para ella ... La belleza, pero la de los astrólogos y geómetras mencionados anteriormente, que dibujan todo tipo de figuras y signos en las tablas con un compás, es verdaderamente inexpresable.
Al papa Julio II le gustó mucho la obra de Rafael, incluso cuando aún no estaba terminada, y el papa ordenó al pintor que pintara tres estrofas más, y los artistas que ya habían comenzado a pintar allí, incluidos Perugino y Signorelli, fueron retirados del trabajo. Teniendo en cuenta la enorme cantidad de trabajo a realizar, Rafael reclutó alumnos que, según sus bocetos, completaron la mayoría orden, la cuarta estrofa de Konstantin - completamente pintada por los estudiantes.
En la Estrofa Eliodoro se crearon "La Expulsión de Eliodor del Templo" (1511-1512), "Misa en Bolsena" (1512), "Atila bajo los muros de Roma" (1513-1514), pero la de mayor éxito fue la fresco "La liberación del apóstol Pedro de la mazmorra" (1513-1514). “No menos arte y talento demuestra el artista en la escena donde St. Pedro, liberado de sus cadenas, sale de la cárcel acompañado de un ángel... Y como esta historia la representa Rafael encima de la ventana, toda la pared resulta más oscura, ya que la luz ciega al espectador que mira el fresco. . La luz natural que cae de la ventana contrasta tan bien con las fuentes de luz nocturna representadas que parece como si realmente vieras, contra el fondo de la oscuridad de la noche, tanto la llama humeante de la antorcha como el resplandor del ángel, transmitidos con tanta naturalidad y tanta veracidad que nunca se puede decir que esto es solo pintura, tal es la persuasión con la que el artista encarnó el plan más difícil. De hecho, en la armadura se pueden distinguir las propias sombras, los reflejos y el calor humeante de la llama, que se destacan sobre el fondo de una sombra tan profunda, que uno puede considerar verdaderamente a Rafael como el maestro de todos los demás artistas. quien logró en la imagen de la noche tal similitud que nunca antes había alcanzado la pintura. .
León X, que reemplazó a Julio II en 1513, también valoraba mucho a Rafael.
En los años 1513-1516, Rafael, por orden del Papa, se dedicó a la fabricación de escenas de cartón de la Biblia para diez tapices, que estaban destinados a la Capilla Sixtina. La cartulina de mayor éxito es “Wonderful Catch” (hasta nuestros días han llegado un total de siete cartulinas).
Otro pedido del Papa fue la logia que da al patio interior del Vaticano. Según el proyecto de Rafael, se erigieron en 1513-1518 en forma de 13 arcadas, en las que, según los bocetos de Rafael, los estudiantes pintaron 52 frescos sobre temas bíblicos.
En 1514, murió Bramante y Rafael se convirtió en el principal arquitecto de la Catedral de San Pedro, que se estaba construyendo en ese momento. En 1515, también recibió el cargo de curador jefe de antigüedades.
En 1515, Durero llegó a Roma e inspeccionó las estrofas. Raphael le da su dibujo, en respuesta, el artista alemán le envió a Raphael su autorretrato, cuyo destino posterior se desconoce.
A pesar de estar ocupado con el trabajo en el Vaticano, Rafael cumple con los pedidos de las iglesias para crear retablos: "Santa Cecilia" (1514-1515), "Cargando la cruz" (1516-1517), "Visión de Ezequiel" (alrededor de 1518).
La última obra maestra del maestro es la majestuosa "Transfiguración" (1518-1520), una imagen en la que se ven rasgos barrocos. En la parte superior, Rafael, de acuerdo con el Evangelio del Monte Tabor, representa el milagro de la transfiguración de Cristo ante Pedro, Santiago y Juan. La parte inferior del cuadro, con los apóstoles y el joven endemoniado, fue realizada por Giulio Romano a partir de bocetos de Rafael.
Raphael Santi es un hombre con un destino increíble, el pintor más secreto y bello del Renacimiento. Los gobernantes de Italia envidiaban el talento y la mente del brillante pintor, los representantes del sexo débil lo adoraban por su disposición alegre y su atractivo angelical, y por su amabilidad y generosidad, los amigos llamaban al artista el mensajero del paraíso. Sin embargo, los Contemporáneos no sospecharon que el generoso Rafael temió hasta el final de sus días que su mente cayera en el abismo de la locura.
La historia siempre tiene un comienzo y una continuación. Así, el 6 de abril de 1483, en la pequeña ciudad del Reino de Italia de Urbino, en casa del pintor de la corte de los duques de Urbino y del poeta Giovanni Santi, el gran rafael santi.
Giovanni Santi dirigió el taller de arte más famoso de Urbino. La tragedia en la que perdió a su amada esposa y madre ocurrió de noche en su casa. Mientras el artista estaba en Roma, donde pintó un retrato del Papa Juan II, su hermano Niccolo, en un ataque de locura, mató a su anciana madre e hirió gravemente a la embarazada Maggia, la esposa del artista. Los guardias que llegaron al lugar del crimen detuvieron al delincuente, pero este logró escapar. Presa de un miedo insano, Niccolò se arrojó desde el puente al río helado. Los soldados se pararon en la orilla e intentaron sacar el cuerpo, cuando el Maggia santi ya había dado a luz a un bebé y murió a causa de sus heridas. Giovanni se enteró del problema por los comerciantes ambulantes. Dejó todo y corrió a casa. Pero, amigos y vecinos ya han bautizado al niño. Rafael enterró a su esposa y a su madre.
La infancia del gran artista fue muy feliz y despreocupada. Giovanni Santi, habiendo experimentado una terrible tragedia, puso toda su fuerza en Raphael, protegiéndolo de preocupaciones y problemas. mundo real, advirtió posibles errores y corrigió los ya cometidos. Raphael desde niño estudió solo con los mejores maestros, su padre tenía muchas esperanzas puestas en él, inculcándole el gusto por la pintura. los primeros juguetes Rafael había pinturas y pinceles del taller de mi padre. Y a la edad de siete rafael santi expresó sus fantasías mágicas dotadas en el taller del pintor de la corte, en el taller de su padre. Pronto Giovanni se volvió a casar con Bernardine Parte, la hija de un orfebre. Del segundo matrimonio nació una hija, Elisabetta.
Cada día el niño traía más y más alegría. Giovanni observó cómo su hijo piensa y actúa en su mundo imaginario, y cómo estas manos débiles y todavía torpes expresan todo en el lienzo. Entendió que el talento y las habilidades sobrenaturales Rafael mucho más digno de los suyos, por lo que entregó al niño a estudiar con su amigo, el artista Timoteo Viti.
Durante diez años de estudio Rafael Por primera vez, se apartó de los cánones del retrato clásico italiano del Renacimiento y dominó ese juego único de colores y colores, que hoy es un misterio para artistas e historiadores del arte de todo el mundo.
En 1494 de infarto de miocardio muere el padre del pequeño genio, y por decisión del magistrado de la ciudad, el niño queda al cuidado de la familia de Bartolomé, comerciante de telas. Él era hermano más joven el artista Giovanni, y a diferencia del loco Niccolo, era sociable, tenía una disposición cariñosa, alegre y amable, no permanecía indiferente y siempre estaba dispuesto a ayudar a quien lo necesitaba. Este comerciante bondadoso adoraba a su sobrino, huérfano, y no gastaba dinero en su formación en pintura.
Ya a la edad de diecisiete años, creó fácilmente obras brillantes y talentosas que aún deleitan a sus contemporáneos. En noviembre de 1500, un joven de diecisiete años dejó su pequeña ciudad provincial de Urbino y se mudó a la bulliciosa ciudad portuaria de Perugio. Allí ingresó al estudio del famoso pintor Pietro Vanucci, conocido como Perugino. Después de ver la primera exámenes su nuevo alumno, el canoso maestro exclamó: “¡Hoy es mi día de alegría, porque descubrí un genio para el mundo!”.
Durante el Renacimiento, el taller de Perugino fue un laboratorio creativo en el que se formaron personalidades brillantes. El profundo lirismo de Perugino, su ternura, serenidad y suavidad encontraron eco en el alma Rafael. Rafael es receptivo. Aprende rápidamente el estilo de pintura de su maestro, estudia el trabajo de los frescos bajo su guía, se familiariza con la técnica y el sistema figurativo de la pintura monumental.
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Álamo, aceite. 17,1 × 17,3 |
Lienzo (traducido de madera), témpera. 17,5×18 |
Hacia 1504. Óleo sobre tabla de álamo. 17×17 |
Durante algún tiempo, Rafael todavía estaba bajo la poderosa influencia de Perugino. Sólo tímidamente, como un chapoteo instantáneo, surge de repente una solución compositiva inesperada, inusual para Perugino. De repente, los colores de los lienzos empiezan a sonar peculiares. Y, a pesar de que sus obras maestras de este período son imitativas, uno no puede hacerse a un lado y no darse cuenta de lo que estaba haciendo su maestro inmortal. En primer lugar, es "", "", "". Todo esto completa el lienzo monumental creado "" en la ciudad de Civita - Castellane.
Es como su última reverencia al maestro. Rafael va a una gran vida.
En 1504 llegó a Florencia, donde se concentraba el centro del arte italiano, donde nació y creció el Alto Renacimiento.
Lo primero que vio el joven Rafael, habiendo pisado la tierra de Florencia, se encontraba una majestuosa estatua del héroe bíblico David en la Piazza della Signoria. Esta escultura de Miguel Ángel no podía sino aturdir a Rafael, no podía sino dejar una huella en su imaginación impresionable.
En esta época, el gran Leonardo también trabajaba en Florencia. En ese momento, toda Florencia, con gran expectación, vio el duelo de los titanes: Leonardo y Miguel Ángel. Trabajaron en composiciones de batalla para el Salón del Consejo del Palacio de la Signoria. Se suponía que la pintura de Leonardo representaba la batalla de los florentinos con los milaneses en Anghiari en 1440. Y Miguel Ángel pintó la batalla de los florentinos con los pisanos en 1364.
Ya en 1505, los florentinos tuvieron la oportunidad de evaluar los dos cartones expuestos juntos.
¡Leonardo poético, majestuoso y rebelde, con una pasión deslumbrante por pintar a Miguel Ángel! Una verdadera batalla titánica de los elementos. joven Rafael necesitas salir del fuego de esta batalla sin quemarte, siendo tú mismo.
En Florencia, Raphael domina toda la cantidad de conocimientos que un artista necesita para estar al nivel de estos titanes.
Estudia anatomía, perspectiva, matemáticas, geometría. Cada vez más claramente viene a través de su búsqueda de la belleza en el Hombre, su culto al Hombre, desarrolla el estilo de un muralista, su habilidad se vuelve virtuosa.
En cuatro años, pasó de ser un tímido pintor provinciano a un verdadero maestro, poseyendo con confianza todos los secretos de la escuela que necesitaba para trabajar.
En 1508, veinticinco años santi llega por invitación del Papa Julio II a Roma. Se le encomienda la pintura en el Vaticano. En primer lugar, fue necesario realizar frescos en la Sala de la Firma, que Julio II destinó a biblioteca y estudio. Se suponía que las pinturas reflejaban varios aspectos de la actividad espiritual humana: en ciencia, filosofía, teología, arte.
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Aquí está ante nosotros no sólo un pintor, sino un artista-filósofo que se atrevió a elevarse a enormes generalizaciones.
Signature Hall - Stanza della Senyatura - reunió las ideas de la época sobre el poder de la mente humana, el poder de la poesía, el estado de derecho y la humanidad. En escenas en vivo, el artista empujó ideas filosóficas.
En grupos histórico - alegóricos santi revive las imágenes de Platón, Aristóteles, Diógenes, Sócrates, Euclides, Ptolomeo. Las obras monumentales requerían del maestro el conocimiento de la técnica de pintura más compleja: frescos, cálculos matemáticos y una mano de acero. ¡Fue realmente un trabajo titánico!
En sus estaciones (salas) Rafael logró encontrar una síntesis sin precedentes de pintura y arquitectura. El hecho es que los interiores del Vaticano tenían un diseño muy complejo. El artista se enfrentó a problemas de composición casi imposibles. Pero Santi salió triunfador de esta prueba.
Las estrofas son obras maestras no sólo en cuanto a la solución plástica de las figuras, las características de las imágenes y el colorido. En estos frescos, el espectador queda impresionado por la grandeza de los conjuntos arquitectónicos creados por el pincel del pintor, creado por su sueño de belleza.
En uno de los frescos del Salón de la Firma, entre los filósofos e ilustradores, como si fuera un participante en esta gran disputa, él mismo está rafael santi. Un joven pensativo nos está mirando. Ojos grandes y hermosos, mirada profunda. Lo vio todo: tanto la alegría como la tristeza, y mejor que otros sintió la Belleza que dejó a la gente.
Rafael fue el mayor retratista de todos los tiempos y pueblos. Imágenes de sus contemporáneos Papa Julio II, Baltasar Castiglione, retratos de cardenales dibújanos gente orgullosa, sabia y decidida del Renacimiento. La plasticidad, el colorido, la nitidez de las características de las imágenes en estos lienzos son sorprendentes.
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En general, durante su corta vida de treinta y siete años, el maestro creó muchas pinturas únicas e insuperables. Pero aún así, las más importantes son las Madonnas inspiradas, que se distinguen por una belleza misteriosa especial. La belleza, la bondad y la verdad están entrelazadas en ellos.
Pintura " Sagrada Familia. Madonna con José imberbe” o “”, escrito a la edad de veintitrés años, es una especie de “ejercicio” creativo del artista, que resolvió el problema de construir una composición idealmente coordinada en todas sus partes.
Su centro está indicado por la figura del Niño. Resaltada por un haz de luz dirigido directamente hacia ella, ella, el punto más brillante de la imagen, atrae inmediatamente la atención del espectador. Verdaderamente notable es la perseverancia y determinación con la que santi consistentemente logra la impresión de una relación interna entre los personajes y su entorno espacial. El bebé se sienta en el regazo de María, pero sus ojos están vueltos hacia José, lo habitual para Rafael una técnica de composición, con la ayuda de la cual es posible fortalecer la conexión entre sí de las figuras ubicadas una al lado de la otra, no solo visualmente, sino también emocionalmente. Las técnicas puramente pictóricas sirven al mismo propósito. Así, las suaves líneas parabólicas trazadas en los contornos de la manga de la Virgen María encuentran eco tanto en el contorno de la figura del Niño como en el movimiento de los pliegues del manto de José.
Madonna and Child - uno de los leitmotivs en el arte Rafael: en solo cuatro años en Florencia, escribió al menos una docena de pinturas variando esta trama. La Madre de Dios a veces se sienta con el Niño en brazos, a veces juega con él o simplemente piensa en algo, mirando a su hijo. A veces se les añade el pequeño Juan Bautista.
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Entonces, "", escrito por él en 1512 - 1513, recibió el más alto reconocimiento. La madre sostiene al niño en sus brazos y lo lleva a nosotros, a nuestro mundo. El Santo Misterio se ha cumplido: ha nacido un hombre. Ahora tiene la vida por delante. El relato evangélico es sólo un pretexto para resolver la compleja alegoría de una idea eterna. La vida para un ser humano que entra en ella no es sólo alegría, sino también búsquedas, caídas, altibajos, sufrimientos.
Una mujer lleva a su hijo a un mundo frío y terrible lleno de logros y alegrías. Es madre, anticipa el destino de su hijo, todo lo que le está destinado. Ella ve el futuro de él, por lo tanto, en sus ojos: horror, horror a lo inevitable, tristeza y miedo por su bebé.
Y, sin embargo, no se detiene en el umbral terrenal, lo atraviesa.
El rostro del Niño es más llamativo. Mirando a los ojos del Infante, inusualmente brillantes, brillantes, casi asustando al espectador, la impresión no solo es formidable, sino algo salvaje y "obsesionada" con una mirada significativa. Este es Dios y, como Dios, también está iniciado en el secreto de su futuro, también sabe lo que le espera en este mundo en el que se ha abierto el telón. Se aferró a su madre, pero no busca protección de ella, sino que, por así decirlo, se despide de ella, tan pronto como entra en este mundo y acepta toda la carga de las pruebas.
Vuelo ingrávido de la Virgen. Pero otro momento, y ella pondrá un pie en el suelo. Ella le da a la gente lo más preciado: su hijo, una nueva persona. Acéptenlo, gente, él está dispuesto a aceptar tormentos de muerte por ustedes. Esta es la idea principal que el artista expresó en la pintura.
Es esta idea la que despierta buenos sentimientos en el espectador, conecta santi con los primeros nombres, lo eleva como artista a una altura inalcanzable.
A mediados del siglo XVIII, los benedictinos vendieron " Madonna Sixtina» Elector Friedrich - II de agosto, en 1754 estaba en la colección de la Galería Nacional de Dresde. " Madonna Sixtina"se convirtió en el objeto de adoración de toda la humanidad. Comenzó a llamarse la imagen más grande e inmortal del mundo.
La imagen de la belleza pura se puede ver en el retrato "". "" fue pintado por el artista durante su estancia en Florencia. La imagen de una joven hermosa que creó está llena de encanto y pureza virgen. Esta impresión también está asociada con un animal misterioso, que descansa pacíficamente sobre sus rodillas: un unicornio, un símbolo de pureza, pureza femenina y castidad.
Largo tiempo " dama con unicornio"Atribuido a Perugino, luego a Tiziano. Fue solo en la década de 1930 que se descubrió y confirmó la autoría de Rafael. Resultó que inicialmente el artista representó a una dama con un perro, luego apareció una criatura mítica, un unicornio, de rodillas.
Bella desconocida en la foto Rafael, parece ser una "deidad", "santuario". Está en infinita armonía con el mundo que la rodea.
Este trabajo Rafael como si una especie de diálogo del genio del Renacimiento con leonardo da vinci, que acababa de crear su famoso " Mona Lisa”, que logró causar una profunda impresión en el joven artista.
Usando las lecciones de Leonardo, Madonna Master sigue al maestro. Coloca su modelo en el espacio del balcón y contra el fondo del paisaje, dividiendo el plano en diferentes zonas. El retrato de la modelo retratada dialoga con el espectador, creando una nueva imaginería y revelando su otro mundo interior, no ordinario.
La decisión colorística en el retrato también juega un papel muy importante. Una paleta colorida y brillante, construida sobre una gradación de colores claros y puros, le da al paisaje una clara transparencia, imperceptiblemente envuelto en una ligera neblina. Todo esto enfatiza aún más la integridad y pureza del paisaje contra el fondo de la imagen de una dama.
Fresco con témperas sobre madera Transfiguración”, que Rafael comenzó a pintar en 1518 por orden del cardenal Giulio Medici para la catedral de Narbona, puede percibirse como un mandamiento artístico del artista.
El lienzo está dividido en dos partes. En la parte superior está la trama de la Transfiguración. El Salvador con las manos extendidas, con ropas justas que fluyen, se cierne contra el telón de fondo de una neblina iluminada por el brillo de Su propio resplandor. A ambos lados de Él, también flotando en el aire, Moisés y Elías son los ancianos; el primero, como ya se ha dicho, con las tablillas en las manos. En la cima de la montaña, los Apóstoles cegados yacen en varias poses: se cubren el rostro con las manos, incapaces de soportar la luz que emana de Cristo. A la izquierda en la montaña hay dos testigos exteriores del milagro de la Transfiguración, uno de ellos tiene un rosario. Su presencia no encuentra justificación en el relato evangélico y aparentemente fue dictada por algunas consideraciones del artista desconocidas para nosotros.
No hay sensación de milagro y gracia de la luz Tabor en la imagen. Pero hay una sensación de sobresaturación emocional de las personas, que se superpone al propio fenómeno milagroso.
En la mitad inferior de la imagen al pie de la montaña. santi representó dos grupos animados de personas: a la izquierda, los nueve Apóstoles restantes, a la derecha, una multitud de judíos, en los que una mujer arrodillada y un judío son visibles en primer plano, sosteniendo a un niño poseído, cuya fuerte mirada borrosa y retorcida y boca abierta revelan su severo sufrimiento mental y físico. La multitud implora a los Apóstoles que curen a los endemoniados. Los apóstoles lo miran con asombro, incapaces de aliviar su situación; algunos de ellos apuntan a Cristo.
Si miras de cerca el rostro de Cristo, que Rafael escribió en la víspera de su muerte, y compararlo con el "" artista, puede encontrar algunas similitudes.
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rafael santi- El gran Artista de alegre y buena disposición murió inesperadamente una tarde de primavera, en su trigésimo séptimo cumpleaños. Dejó este mundo lleno belleza divina tras una breve enfermedad el 6 de abril de 1520 en su taller. Parecía que el arte moría junto con el Gran y Venerado Artista. Según el testamento de Raphael Santi, fue enterrado entre los grandes de Italia en el Panteón.
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