leonardo da vinci Cuadro

Un artista que pinta como el ojo ve, sin la participación de la mente, se parece a un espejo que refleja cualquier objeto que se le pone delante, sin saberlo.

leonardo da vinci

Primera obra fechada (1473, Uffizi) - pequeño boceto de un valle fluvial pequeño boceto del valle del río , visible desde el desfiladero; por un lado hay un castillo, por el otro, una ladera boscosa.

leonardo da vinci Paisaje del valle del río Arno. 5 de agosto de 1473. La inscripción del cuadro: "El Día de la Santísima Virgen de las Nieves". Dibujo realizado para Santa Maria Della Nev

Cuando Leonardo regresó a Florencia en 1503, los florentinos estaban en guerra con la recalcitrante Pisa; Aguas abajo del Arno, Pisa controlaba las salidas de este río al mar. En el otoño de 1503, Leonardo aconsejó los trabajos de remoción del Arno de Pisa. Fueron iniciados por los florentinos, tratando de privar de agua a la ciudad sitiada. El trabajo se llevó a cabo durante dos meses y se abandonó; muchos previeron su fracaso de antemano. Unos años más tarde, Leonardo, en una de sus notas, condenaba el método de acción "total" que se adoptaba durante estas obras: "El río que debe girar de un lugar a otro debe ser tentado, y no endurecido violentamente... ". Los pensamientos del propio Leonardo se dirigieron a algo completamente diferente: no desviar el agua de la recalcitrante Pisa, sino regular el curso del Arno en toda su longitud. Si en Milán, en las tierras bajas de Lombardía en la cuenca del río Po, los constructores de canales se enfrentaron principalmente a la tarea de expandir la red de rutas comerciales, entonces en Toscana, en la cuenca del río Arno, la tarea principal fue regular su flujo - para combatir inundaciones o, por el contrario, para abajar el río, en diferentes épocas del año. Las palabras en las páginas del Código Atlántico son muy expresivas: “Asientan a Arno arriba y abajo. Cualquiera que lo desee recibirá un tesoro de todos los rincones de la tierra Zubov V.P., Leonardo da Vinci, Editorial de la Academia de Ciencias de la URSS, M.-L., 1962

Este boceto, realizado con rápidos trazos de pluma, atestigua el interés constante del artista por los fenómenos atmosféricos, sobre los que Da Vinci escribió extensamente más tarde en sus notas. El paisaje, representado desde un punto alto con vistas a la llanura aluvial, fue un recurso común para el arte florentino de la década de 1460 (aunque siempre sirvió solo como fondo para las pinturas). Un dibujo a lápiz de plata de un antiguo guerrero de perfil (mediados de la década de 1470, Museo Británico) muestra la plena madurez de Leonardo como dibujante; combina hábilmente líneas débiles, lentas y tensas, elásticas y la atención a las superficies modeladas gradualmente por la luz y la sombra, creando una imagen viva y temblorosa.

Combinando el desarrollo de nuevos medios de lenguaje artístico con generalizaciones teóricas, Leonardo da Vinci creó una imagen de una persona que cumple con los ideales humanísticos del Alto Renacimiento.

Registrando los resultados de innumerables observaciones en bocetos, bocetos y estudios naturales (lápiz italiano, lápiz plateado, sanguina, pluma y otras técnicas), Leonardo logra una rara nitidez en la transferencia de expresiones faciales (a veces recurriendo a lo grotesco y caricaturesco), y la estructura y los movimientos del cuerpo humano conducen en perfecta armonía con la dramaturgia de la composición.

Por 1514 - 1515 se refiere a la creación de la obra maestra del gran maestro - pinturas Mona Lisa . Hasta hace poco, se pensaba que este retrato fue escrito mucho antes, en Florencia, alrededor de 1503. Creyeron la historia de Vasari, quien escribió: “Leonardo se comprometió a completar para Francesco del Gioconde un retrato de Monna Lisa, su esposa, y después trabajando en él durante cuatro años, lo dejó incompleto. Este trabajo está ahora con el rey francés en Fontainebleau. Por cierto, Leonardo recurrió al siguiente truco: como Madonna Lisa era muy hermosa, mientras escribía un retrato, mantenía a la gente que jugaba la lira o cantaba, y aquí constantemente había bufones que la mantenían alegre y le quitaban la melancolía que la pintura suele impartir a los retratos.

Toda esta historia está mal de principio a fin. Según Venturi, "Monna Lisa, más tarde Gioconda, fue la creación de la imaginación del novelista, biógrafo de Aretin, George Vasari". Venturi en 1925 sugirió que "La Gioconda" es un retrato de la duquesa de Costanza d'Avalos, la viuda de Federigo del Balzo, cantado en un breve poema de Eneo Irpino, que también menciona su retrato pintado por Leonardo da Vinci. Costanza fue la amante de Giuliano Medici, quien después de casarse con Filiberto de Saboya devolvió el retrato a Leonardo.

Más recientemente, Pedretti presentó una nueva hipótesis: el retrato del Louvre representa a la viuda de Giovanni Antonio Brandano llamada Pacifica, quien también fue la amante de Giuliano de' Medici y dio a luz a su hijo Ippolito en 1511.

Sea como fuere, la versión de Vasarius es dudosa porque no explica en modo alguno por qué el retrato de la mujer de Francesco del Giocondo permaneció en manos de Leonardo y fue llevado por él a Francia.

leonardo da vinci Mona Lisa (La Gioconda). 1514 - 1515

En esta imagen, Leonardo logró tal armonía no solo a través de una composición más completa, sino también a través de medios pictóricos, gracias a los cuales todo es visible como a través de una ligera neblina que cubre pequeños detalles, suaviza los contornos y crea transiciones imperceptibles entre formas y colores. Así, dejó mucho a nuestra imaginación y es por eso que la Mona Lisa nos impacta, mirando al espectador como si estuviera viva. Lo mismo ocurre con el paisaje, donde Leonardo nos muestra cómo la tierra "crece" a partir de las rocas y el agua, y con el rostro de la Mona Lisa con su sonrisa misteriosa. ¿Qué está pensando la Mona Lisa? En la práctica, depende de lo que nosotros mismos pensemos al mirar su imagen. Tal vez el propio Leonardo era un poco como ella: la gente siempre lo veía como equilibrado y amigable, pero nadie sabía exactamente lo que tenía en mente.

La imagen femenina está como tejida por la luz que la envuelve, fluye a su alrededor, la penetra. Penetrando desde las profundidades, la luz se suaviza gradualmente en el velo transparente, luego vuelve a espesarse en los pliegues de la ropa, entre los mechones de cabello, y finalmente se esparce por el rostro y las manos, dejando sentir la corriente caliente de la sangre latiendo bajo el velo transparente. piel. Es en vano preguntarse qué significa la misteriosa sonrisa de una mujer, qué sentimientos acechan en su alma. Este no es un sentimiento específico, sino un sentimiento de alegría de un ser de pleno derecho en el equilibrio perfecto del mundo natural derramado en la cara. Así, Leonardo supera el eterno dilema entre la idea y su realización; Reflexionando sobre la pintura, que le parece un medio tanto de expresión como de visualización, encuentra poco a poco un lenguaje pictórico adecuado para plasmar su concepto del mundo. “La imagen creada por la mano del artista debe pasar primero por un largo proceso de llevarla con el espíritu” (Marinoni). Es justo concluir que en Mona Lisa Leonardo finalmente encarnó la prioridad del intelecto y el arte. En la armonía lograda de esta manera radica la grandeza y el significado de la imagen.

Detalle de un cuadro. leonardo da vinci Mona Lisa (La Gioconda)

Las manos conmovedoras de Mona Lisa son tan hermosas como la leve sonrisa en su rostro y el paisaje rocoso primitivo en la brumosa distancia. Gioconda es conocida como la imagen de una mujer misteriosa, incluso fatal, pero esta interpretación pertenece al siglo XIX. Es más probable que para Leonardo esta pintura fuera el ejercicio más difícil y exitoso en el uso del sfumato, y el trasfondo de la pintura es el resultado de sus investigaciones en el campo de la geología. Independientemente de si el tema era secular o religioso, el paisaje, exponiendo los "huesos de la tierra", se encuentra constantemente en la obra de Leonardo. Enciclopedia "El mundo que nos rodea"

Cuando Andrea del Verrocchio escribió en un árbol una imagen con una imagen S t. Juan bautizando a Cristo , Leonardo hizo un ángel con ropa sobre él, y, aunque aún era joven, lo ejecutó de tal manera que el ángel de da Vinci resultó ser mucho mejor que las figuras de Verrocchio, y esta fue la razón por la que Andrea nunca más quiso tocar pinturas, ofendido porque algún chico lo había superado en habilidad.

Andrea del Verrocchio (Verrocchio), Leonardo da Vinci. Bautismo de Cristo. 1473-1475

Aunque Verrocchio pudo haber confiado en el joven Leonardo para dibujar algunos detalles menores en sus obras anteriores, lo más probable es que en El bautismo de Cristo le permitiera dibujar una figura completa por primera vez. El angelito vestido de azul esencialmente informó a Florencia que había llegado un nuevo genio. Verrocchio, según Vasari, quedó atónito, ya que se encontró personalmente con un fenómeno que venía de un futuro desconocido. Sin embargo, Leonardo no solo se anunció a sí mismo como un ángel, sino que también lo hizo con la ayuda de la imagen del fondo del Bautismo, en el que una brumosa y misteriosa profundidad anticipa lo asombroso que él creará en la Mona Lisa y en la Virgen y el Niño con Santa Ana". Roberto Wallace. "El mundo de Leonardo"

Leonardo da Vinci se desarrolló como artista y, probablemente, en gran medida como científico en el taller de Verrocchio. Los primeros dibujos y pinturas de Leonardo muestran claramente qué maravillosa escuela de arte realista fue el taller del Renacimiento. Aquí todo se hizo para enseñar desde temprana edad a dibujar correctamente y ayudar a dominar el método realista. Las relaciones entre Leonardo y Verrocchio fueron aparentemente cordiales, aunque Leonardo nunca mencionó nada a su maestro en sus cuadernos. Vivió en la casa de Verrocchio y continuó viviendo allí después de ser admitido en el Gremio de San Lucas en 1472 a la edad de veinte años. Como aprendiz de Leonardo da Vinci, siguiendo la rutina habitual, al principio se dedicó a frotar pinturas y otros trabajos domésticos. Poco a poco, a medida que se acumulaba la experiencia y aumentaba la habilidad, empezaron a confiarle la parte más sencilla del trabajo para el que Verrocchio recibía encargos.

Adoración de los Magos 1472-1477. La pintura fue encargada por Leonardo da Vinci en 1481 y estaba destinada a decorar el altar de la iglesia de San Donato Scopento, ubicada cerca de Florencia desde el lado de Porta a San Piero Gattolino (ahora Porta Romana). El artista, sin embargo, no terminó esta obra, dejándola en Florencia cuando partió hacia Milán en 1482. La Virgen y el Niño están rodeados en semicírculo por una multitud que se ha acercado a la Sagrada Familia para inclinarse ante él. Hay muchos tipos fisonómicos de personas de todas las edades representadas aquí; entre ellos hay jóvenes jinetes. Incluso los animales, como Leonardo vería más tarde, parecen compartir los sentimientos humanos. En el fondo del cuadro, de las ruinas del palazzo, cuya escalera vacía da la impresión de surrealista, irrumpe una caravana de viajeros y jinetes. El lado derecho de la composición representa una batalla ecuestre, cuyo significado no está claro. Dos árboles en el centro -una palmera y una encina- sirven como ejes alrededor de los cuales se tuerce la espiral de toda la composición, como insertada a la izquierda -entre la figura de un anciano, sumido en sus pensamientos, y en el derecha - la figura de un hombre joven (señala a la Virgen y el Niño). En la imagen, también vemos caballos deambulando sin jinetes, lo que, quizás, simboliza la naturaleza, aún no dominada por el hombre. Y en las profundidades de la imagen, aparecen los picos de las altas montañas, habituales en las composiciones de Leonardo da Vinci, delineados solo en bocetos, que causan una impresión majestuosa.

leonardo da vinci Adoración de los Magos. 1472-1477

Por la multitud de actores, por la fuerza del movimiento dramático representado en gestos, poses y por la variada variedad de expresiones faciales, la obra es una de las obras más notables de toda la pintura italiana del siglo XV. Es imposible imaginar un estudio más preciso de los fenómenos paralelos de la vida interior y exterior. A una edad tan temprana, de unos treinta años, Leonardo da Vinci conocía y recordaba el complejo trabajo de los músculos en una amplia variedad de estados mentales. Esta es una serie de ilustraciones sobre el tema psicológico de la sorpresa. vinci.ru

Ese fue el primer período florentino de la vida y obra de Leonardo: 1464 - 1482.

El mismo período incluye pinturas del artista como "Retrato de Ginevra de Benci","Madonna con una flor" ("Madonna Benois"), "Madonna Litta", "San Jerónimo", "San Sebastián".

Retrato de Ginebra de Benci

Madonna con una flor (Madonna Benois)

madonna litta

San Jerónimo

Entonces comienza el primer período de vida y creatividad de Milán: 1483 - 1499. Leonardo da Vinci fue invitado a la corte de Lodovico Sforza y ​​se alistó en el colegio de ingenieros ducales. Actúa en Milán como ingeniero militar, arquitecto, ingeniero hidráulico, escultor, pintor. Pero es característico que en los documentos de este período, Leonardo se llame primero "ingeniero" y luego "artista".

"Madonna en la Gruta" - la primera obra completamente madura de Leonardo - afirma el triunfo del nuevo arte y da una imagen completa de la habilidad excepcional de da Vinci. El icono fue encargado por los monjes de la iglesia que lleva el nombre de St. Francisco en 1483. Perfecta coherencia de todas las partes, creando un todo herméticamente soldado. Este conjunto, es decir, la totalidad de las cuatro figuras representadas, cuyos contornos están maravillosamente suavizados por el claroscuro, forma una esbelta pirámide, suave y suavemente, en completa libertad, que crece frente a nosotros. Todas las figuras están inextricablemente unidas por sus puntos de vista y posición, y esta asociación está llena de encantadora armonía, porque incluso la mirada de un ángel, dirigida no a otras figuras, sino al espectador, por así decirlo, realza el único acorde musical de la composición de la imagen. Esta mirada y sonrisa, que iluminan levemente el rostro de un ángel, están llenas de un significado profundo y misterioso. La luz y las sombras crean un cierto estado de ánimo único en la imagen. Nuestra mirada se sumerge en sus profundidades, en los seductores huecos entre las rocas oscuras, bajo cuya sombra se cobijaban las figuras creadas por Leonardo. Y el secreto de Leonard se ve en sus rostros, y en las grietas azuladas, y en el crepúsculo de las rocas que sobresalen. Todos los diversos elementos de la imagen, aparentemente contradictorios, se fusionan, creando una impresión holística y fuerte. "Madonna in the Grotto" muestra el dominio del artista de la habilidad realista que tanto impresionó a sus contemporáneos. La pintura estaba destinada a decorar el altar (el marco de la pintura era un altar de madera tallada) en la Capilla Immacolata de la Iglesia de San Francesco Grande en Milán.

leonardo da vinci Madonna en la gruta. 1483-1486

"La Madre de Dios, entre las rocas, en una cueva, abrazando al niño Juan Bautista con la mano derecha, hace sombra al Hijo con la izquierda, como queriendo unir a ambos -hombre y Dios- en un solo amor. Juan, doblando sus manos con reverencia, se arrodilló ante Jesús, quien lo bendice Por la forma en que el Salvador-bebé, desnudo en el suelo desnudo, se sienta, doblando una pierna regordeta con hoyuelos debajo de la otra, apoyándose en un brazo grueso, con los dedos abiertos, es claro que todavía no sabe caminar, solo gatea. Su rostro ya es sabiduría perfecta, que es al mismo tiempo simplicidad infantil. El ángel arrodillado, sosteniendo al Señor con una mano, señalando al Precursor con la otra, gira su rostro lleno de triste presentimiento al espectador con una sonrisa suave y extraña. En la distancia, entre las rocas, el sol húmedo brilla a través de la bruma de la lluvia sobre montañas neblinosas azules, delgadas y afiladas, de una apariencia extraordinaria, sobrenatural, similar a estalactitas recuerda al fondo seco del océano. Y en la cueva, una sombra profunda, como bajo el agua. El ojo apenas puede distinguir un manantial subterráneo, hojas palmadas redondas de plantas acuáticas, copas débiles de lirios pálidos. Parece que se puede oír cómo caen lentas gotas de humedad desde arriba, desde el arco sobresaliente de rocas negras de dolomita en capas, succionando entre las raíces de hierbas trepadoras, colas de caballo y musgos. Sólo el rostro de la Virgen, mitad infantil, mitad niña, resplandece en la oscuridad, como un fino alabastro con fuego dentro. La Reina del Cielo se aparece a la gente por primera vez en el crepúsculo más íntimo, en una cueva subterránea, quizás el refugio del antiguo Pan y las ninfas, en el corazón mismo de la naturaleza, como el secreto de todos los misterios, la Madre del Dios. -Hombre en las entrañas de la Madre Tierra.
Fue la creación de un gran artista y un gran científico juntos. La fusión de la sombra y la luz, las leyes de la vida vegetal, la estructura del cuerpo humano, la estructura de la tierra, la mecánica de los pliegues, la mecánica de los rizos femeninos que se enroscan como chorros de remolinos, de modo que el ángulo de incidencia es igual al ángulo de reflexión - todo lo que el científico investigó con "obstinada severidad", torturó y midió con impasible precisión, lo cortó como un cadáver sin vida, - el artista volvió a unir en un todo divino, convertido en encanto viviente, en música muda, en un himno misterioso a la Virgen Purísima, Madre de la Existencia. Con igual amor y conocimiento, representó las finas venas en los pétalos de un iris, un hoyuelo en la frente regordeta de un bebé, una arruga milenaria en un acantilado de dolomita y la emoción de las aguas profundas en una fuente subterránea. , y la luz de la profunda tristeza en la sonrisa de un ángel. Sabía todo y amaba todo, porque el gran amor es hijo del gran conocimiento". Dmitry Merezhkovsky "Los dioses resucitados. leonardo da vinci"

El 25 de abril de 1483, miembros de la Hermandad de la Santa Concepción encargaron pinturas (la composición central es la Virgen con el Niño, las composiciones laterales son Ángeles Musicales) a Leonardo da Vinci, a quien se le encomendó la ejecución de la parte más importante de el altar, así como los hermanos Ambrogio y Evangelista de Predis. Actualmente, los historiadores del arte opinan que ambas pinturas sobre un mismo tema, de las cuales una se conserva en el Louvre y la otra en la National Gallery de Londres, son variantes de una pintura realizada con el mismo fin. Una Madonna on the Rocks de París (Louvre) de la firma originalmente adornaba el retablo de la Iglesia de San Francesco Grande; quizás fue entregado por el propio Leonardo da Vinci al rey francés Luis XII como muestra de agradecimiento por mediar en el conflicto entre clientes y artistas por el pago de las pinturas. Fue reemplazada en el altar por una composición ahora en Londres. Por primera vez, Leonardo pudo resolver el problema de la fusión de las figuras humanas con el paisaje, que poco a poco ocupó un lugar destacado en su programa artístico.

Del testimonio de Ammoreti, se debe concluir que la imagen Última cena se completó en 1497. Desafortunadamente, Leonardo da Vinci lo pintó con pinturas, algunas de las cuales resultaron ser muy frágiles. Ya cincuenta años después del final, la imagen, según Vasari, estaba en el estado más miserable. Sin embargo, si en aquella época se hubiera podido cumplir el deseo del rey Francisco I, expresado dieciséis años después de la finalización del cuadro, y tras derribar el muro, trasladar el cuadro a Francia, entonces quizás se hubiera conservado. . Pero esto no se pudo hacer. En 1500, el agua que inundó la comida destruyó por completo la muralla. Además, en 1652 se rompió una puerta en el muro bajo el rostro del Salvador, que destrozó las piernas de esta figura. La pintura fue restaurada varias veces sin éxito.En 1796, después de que los franceses cruzaran los Alpes, Napoleón dio una orden estricta de evitar la comida, pero los generales que lo siguieron, ignorando su orden, convirtieron este lugar en un establo, y más tarde en un lugar de almacenamiento de heno.

leonardo da vinci La última cena

1488-1490, se pintaron "La dama del armiño" y "Retrato de un músico".

dama con armiño

retrato, de, un, músico

Segundo período florentino 1500-1506.

Preparación y trabajo en el fresco. "Batalla en Anjaria (en Anghiari)" . La verdadera batalla de Anghiari en 1440, en la que los florentinos derrotaron a los milaneses, fue insignificante: una persona murió durante toda la campaña militar. Sin embargo, un episodio de esta batalla conmovió profundamente a Leonardo: una lucha entre varios jinetes que se desarrolló alrededor del estandarte de batalla.

Los bocetos de Leonardo da Vinci para una gran pintura mural muestran que pretendía dar un panorama general de la batalla, en el centro de la cual tuvo lugar la batalla por el estandarte. Si una frase (que, por desgracia, es lamentablemente monótona en nuestra narración) describe el destino posterior de la imagen, entonces digamos: el lienzo de Leonardo está perdido. Da Vinci terminó el cartón (también perdido) y pintó un cuadro en la pared. Los colores se derritieron lentamente (durante un período de unos sesenta años) hasta que desaparecieron por completo. Como en el caso de La última cena, Leonardo experimentó, y el experimento terminó con la pérdida de la pintura, que poco a poco se desmoronó del boceto para la escultura. Los caballos encabritados hacen eco de los que nos asombran en el cuadro temprano de Leonardo La adoración de los magos, pero en este caso no expresan alegría, sino rabia: mientras los guerreros del cuadro se abalanzan con odio, los animales muerden y patean. El cuadro puede verse como una expresión de la actitud de Leonardo da Vinci ante la guerra, a la que denominó "pazzia bestialissima" -"la locura más brutal"- y cuya imagen, sin duda, estaba demasiado fresca en su memoria, que mantuvo las impresiones de las campañas militares de Cesare Borgia. Consideraba su pintura una acusación. Agreguemos: no menos relevante para nuestro tiempo. No hay escenografía en la imagen, y los fantásticos trajes de los guerreros no están relacionados con ningún período en particular. Para hacer su generalización aún más impresionante, Leonardo dirigió todas las líneas de su composición: espadas, rostros de personas, cuerpos de caballos, el movimiento de las patas de los caballos, hacia adentro. Nada aparta la vista del centro de esta horrenda "prueba material" como si estuviera tendido solo sobre una mesa desnuda frente al fiscal.

Batalla de Anghiari (copia de Rubens de un fresco de Leonardo da Vinci). 1503-1505

Leonardo puso mucho trabajo en la creación de un mural para el Gran Salón del Consejo en el Palazzo Vecchio, el edificio del gobierno de la República Florentina. Se le encargó representar la Batalla de Anghiari, que tuvo lugar en junio de 1440 y terminó con la victoria de los florentinos sobre los milaneses. Las notas de Leonardo, que luego se incluyeron en el Tratado de pintura, aparentemente están relacionadas con este trabajo.
Hablan de cómo representar una batalla: cómo representar el humo de las piezas de artillería mezclado en el aire con el polvo, cómo hacer las figuras de los combates, los cuerpos de los caballos, cómo transmitir la iluminación de estas figuras, etc. Leonardo comenzó a trabajar en cartón en el llamado salón Papa en la Iglesia de Santa Maria Novella el 24 de octubre de 1503 El autor de una biografía anónima informa que el cartón representaba la Batalla de Anghiari en el momento en que los florentinos corren hacia Nicolo Poccinino, capitán del duque de Milán Filippo. En febrero de 1505, Leonardo comenzó a trabajar en el fresco. Pero, cuenta Vasari, “pensando en pintar en la pared con pinturas al óleo, compuso una mezcla de una composición tan tosca para preparar la pared que cuando se puso a pintar en dicha habitación, se empezó a humedecer, y pronto dejó de trabajar. , al ver que se estaba deteriorando”. Paolo Giovio habla de "las deficiencias de un yeso que se negaba obstinadamente a aceptar pinturas diluidas con aceite de nuez". Según el autor de una biografía anónima, Leonardo obtuvo la receta de Plinio, pero "la entendió mal". Este no es el caso, es mucho más probable que el gran artista experimente por su cuenta. Según el mismo autor anónimo, “antes de pintar el cuadro en la pared, Leonardo avivó un gran fuego en las brasas, que, con su calor, se suponía que sacaría la humedad del material mencionado y lo secaría. Luego se puso a trabajar en su cuadro en el vestíbulo, y abajo, donde llegaba el fuego, la pared estaba seca, pero arriba, donde por la gran distancia no llegaba el calor, la pared estaba húmeda. El experimento de Leonardo terminó en fracaso. Y la interpretación misma de la trama, elegida por él, no pudo satisfacer a los clientes. Como saben, Miguel Ángel resultó ser el ganador, habiendo desarrollado para la otra pared de la misma sala un episodio de la guerra entre Florencia y Pisa, que data de 1364. La glorificación de la trama dada por Miguel Ángel fue más halagadora para el patriotismo estrictamente local de los florentinos. La guerra entre Florencia y Pisa: después de todo, ¡fue precisamente esta lucha la que impidió la implementación de los grandes proyectos hidrotécnicos de Leonardo! ¿Podría haberse inspirado en episodios de la lucha entre Florencia y Milán, Florencia y Pisa? Benvenuto Cellini luego cometió un error, argumentando que ambos artistas tenían que representar cómo los florentinos tomaron Pisa, eligiendo solo diferentes momentos del mismo evento histórico: "el asombroso Leonardo da Vinci" representó "una batalla de caballos con la captura de estandartes". , Miguel Ángel retrató “muchos soldados de infantería que, como era verano, se pusieron a bañarse en el Arno; y en ese momento finge dar la alarma, y ​​estos infantes desnudos corren a las armas. “Estaban estos dos cartones”, concluye Cellini, “uno en el palacio de los Medici, el otro en la sala papal. Mientras estuvieran intactos, eran una escuela para todo el mundo. (La vida de Benvenuto, hijo del maestro Giovanni Cellini, florentino, escrita por él mismo en Florencia. Traducido por M. Lozinsky, M., 1958, libro I, cap. 12, pp. 49-50). Zubov V.P., Leonardo da Vinci, de la Academia de Ciencias de la URSS, M.-L., 1962

El segundo período de vida y obra de Milán: verano de 1506 - otoño de 1513.

Trabajo terminado en la pintura. "leda" . Mona Lisa fue creada en un momento en que Leonardo da Vinci estaba tan absorto en el estudio de la estructura del cuerpo femenino, la anatomía y los problemas asociados con el parto que es casi imposible separar sus intereses artísticos y científicos. Durante estos años, dibujó un embrión humano en el útero y creó la última de varias versiones de la pintura "Leda" sobre la trama del antiguo mito del nacimiento de Cástor y Pólux a partir de la unión de la niña mortal Leda y Zeus, que tomó la forma de un cisne. Leonardo estudió anatomía comparada y estaba interesado en las analogías entre todas las formas orgánicas.

leonardo da vinci Leda con un cisne. 1508 - 1515

1508-1512 - trabajo en las pinturas "Santa Ana" y Juan el Bautista.

leonardo da vinci Juan el Bautista. 1512

El dedo índice de su mano derecha vuelto hacia el cielo es otro motivo asociado a la iconografía de este santo que vino al mundo a predicar el arrepentimiento, que “despejaría el camino” para la venida del Mesías. En el rostro, resaltado por la luz, con un óvalo afilado, casi en forma de cervatillo, enmarcado por una cascada de cabello rizado, juega una misteriosa sonrisa intrigante, que no es consistente con la imagen de un profeta asceta que vivía en el desierto y comía. langostas y toda clase de alimentos silvestres. La historia de esta obra, que revela o el manierismo o la búsqueda de un lenguaje de expresión, está rodeada de misterio. No aparece en las fuentes bajo el nombre de Juan Bautista: Vasari habla de un "ángel" de las colecciones de los Mediceos, atribuyéndolo a Leonardo, y en su descripción esta imagen recuerda mucho a Juan Bautista. Se podría pensar que la primera idea del artista fue representar al ángel del evangelio, si esto es consistente con una figura extraña que evoca en el espectador una sensación de vergüenza más que de asombro entusiasta. Tiene el mismo espíritu de ironía que caracteriza a la Gioconda, pero no hay paisaje sobre el que pueda proyectarse esa ironía, reflejo de las conexiones más complejas entre el hombre y la naturaleza. Debido a esto, Juan el Bautista causa una impresión extraña, incluso ambigua, en el espectador. Mientras tanto, el cuadro ciertamente pertenece al círculo de las obras de Leonardo, y en su diseño es uno de los más innovadores, ya que en la figura de San Juan el maestro sintetizó su búsqueda de medios para expresar los sentimientos y la naturaleza humana en su conjunto. Sobrecargada de simbolismos e ilusiones, esta imagen parece existir al borde del misterio y la realidad.

Santa Ana

Periodo romano de vida y obra: 1513-1516.

En Roma, en mayo de 1513, bajo el nombre de León X, el hijo de Lorenzo de' Medici, Giovanni, fue elegido papa.

León X es dueño del dicho: "Gozaremos del papado, si Dios nos lo ha dado". Se rodeó de artistas y poetas. Rafael y Miguel Ángel trabajaron para él, pero el Papa trató a Leonardo da Vinci con desconfianza. El mecenas más cercano de Leonardo en Roma era el hermano del Papa, el duque Giuliano de' Medici.

De acuerdo con la interpretación filosófica de los fenómenos que acompañan a su arte, da Vinci buscó expresar su propio concepto de destrucción cósmica: la igualación, la fusión en la unidad de todos los elementos, inevitablemente coincide con la armonía absoluta. Comienza y termina la historia de la creación. El sistema Leonardiano no podría haber llegado a una conclusión más lógica.

Y el punto final de tal visión de la naturaleza puede ser la imagen de un artista con intelecto y la mirada de un sabio, cuyos rasgos, a la vez claros y severos, Leonardo captó en Auto retrato , - un artista que, más profundo que otros, logró explorar los secretos y las leyes del mundo y los sentimientos humanos y expresarlos en el lenguaje sublime del arte y la pintura.

leonardo da vinci Auto retrato. 1514 - 1516

Y la descripción de Lomazzo al parecer también se refiere a este autorretrato: “Su cabeza estaba cubierta de largos cabellos, sus cejas eran tan pobladas y su barba tan larga que parecía ser una verdadera personificación del saber noble, que el druida Hermes y el el antiguo Prometeo ya lo había sido.”

Los biógrafos antiguos de Leonardo da Vinci describen su apariencia en las características más atractivas:

Según Vasari: "con el brillo de su apariencia, que mostraba la más alta belleza, devolvió la claridad a cada alma entristecida".

En palabras de Anónimo: “era bello en sí mismo, proporcionalmente complejo, agraciado, con un rostro atractivo. Llevaba un manto rojo que le llegaba hasta las rodillas, aunque entonces estaba de moda la ropa larga. Una hermosa barba le caía hasta la mitad del pecho, rizada y bien peinada. Zubov V.P., Leonardo da Vinci, de la Academia de Ciencias de la URSS, M.-L., 1962

Vinci era guapo, de hermosa complexión, tenía una gran fuerza física, era muy versado en las artes de la caballería, la equitación, el baile, la esgrima, etc. BES Brockhaus y Efron

"... era alto, esbelto, hermoso de rostro y de extraordinaria fuerza física, encantador en el trato con la gente, buen orador, alegre y afable. Amaba la belleza en los objetos que lo rodeaban, vestía con gusto la ropa reluciente y apreciaba el refinamiento. placeres". Freud 3., Leonardo da Vinci. recuerdo de la infancia

"Sobre ... el amor de Leonardo por el lujo, casi siempre más allá de sus posibilidades: numerosos sirvientes, caballos de pura sangre, disfraces originales y ligeramente extraños, hablan todos sus biógrafos, así como sobre su apariencia excepcionalmente hermosa y fuerza física. Tradición, bastante antigua y terco, aunque no está respaldado por pruebas documentales, considera que el retrato de Leonardo en los primeros años de su estancia en Florencia es la imagen del Arcángel Miguel en una pintura de un artista desconocido (probablemente Botticini o Verrocchio). La pintura representa un hombre joven de estatura muy alta, con un rostro tranquilo de una belleza excepcional Esta imagen corresponde a las descripciones de los biógrafos y la impresión general de la personalidad de Leonardo, pero si es realmente su retrato, es poco probable que lo sepamos, ya que el yo senil -retrato, que generalmente es reproducido por los biógrafos de Leonardo y representa una cabeza calva inusualmente significativa con una barba larga y suelta, cejas gruesas y una mirada penetrante e inteligente om, no es un retrato indudable de él.Una bella apariencia que destacaba entre la multitud, una fuerza física excepcional, el amor y la capacidad de vestir de una manera original y brillante, una pasión por una vida amplia, finalmente adquirió, aparentemente en estos años jóvenes, un amor por las festividades, actuaciones, mascaradas: estas son las características externas que distinguieron al joven estudiante de Verrocchio. Estos rasgos son esenciales, pero sólo dan un marco decorativo a ese complejo conjunto de propiedades y cualidades internas, que también, sin duda, comenzó a formarse en los primeros años de la vida de Leonardo en Florencia.