Leonardo Da Vinci. Målning

En konstnär som målar som ögat ser, utan sinnets deltagande, liknar en spegel som reflekterar vilket föremål som helst framför sig, utan att veta om det.

Leonardo Da Vinci

Första daterade verk (1473, Uffizi) - liten skiss av en floddal liten skiss över älvdalen , synlig från ravinen; på ena sidan är ett slott, på den andra - en skogbevuxen sluttning.

Leonardo Da Vinci. Landskap av Arno floddalen. 5 augusti 1473. Inskriften på bilden: "Snöns heliga jungfrus dag". Teckning gjord för Santa Maria Della Nev

När Leonardo återvände till Florens 1503, var florentinerna i krig med det motsträviga Pisa; nedströms Arno kontrollerade Pisa denna flods utlopp till havet. Hösten 1503 gav Leonardo råd om arbetet med att avlägsna Arno från Pisa. De startades av florentinerna och försökte beröva den belägrade staden vatten. Arbetet utfördes i två månader och övergavs - många förutsåg deras misslyckande på förhand. Några år senare fördömde Leonardo, i en av sina anteckningar, den "rakt genomgående" handlingsmetoden som antogs under dessa arbeten: "Floden som måste vända från en plats till en annan måste lockas och inte våldsamt härdas .. .”. Tankarna hos Leonardo själv var riktade mot något helt annat: inte att avleda vatten från det motsträviga Pisa, utan att reglera Arnos lopp i hela dess längd. Om kanalbyggarna i Milano, på det Lombardiska låglandet i Po-flodbassängen, i första hand ställdes inför uppgiften att utöka nätverket av handelsvägar, så var huvuduppgiften i Toscana, i Arno-floden, att reglera dess flöde - för att bekämpa översvämningar eller, omvänt, att stimma floden vid olika tider på året. Orden på sidorna i Atlantic Code är mycket uttrycksfulla: ”Sätt Arno över och under. Alla som önskar kommer att få en skatt från alla delar av jorden Zubov V.P., Leonardo da Vinci, Publishing House of the USSR Academy of Sciences, M.-L., 1962

Denna skiss, gjord med snabba penndrag, vittnar om konstnärens ständiga intresse för atmosfäriska fenomen, om vilka da Vinci senare skrev utförligt i sina anteckningar. Landskapet avbildat från en hög utsiktspunkt med utsikt över översvämningsslätten var en vanlig anordning för florentinsk konst på 1460-talet (även om det alltid bara fungerade som bakgrund för målningar). En blyertsteckning i silver av en forntida krigare i profil (mitten av 1470-talet, British Museum) visar Leonardos fulla mognad som tecknare; den kombinerar skickligt svaga, slappa och spända, elastiska linjer och uppmärksamhet på ytor som gradvis modelleras av ljus och skugga, vilket skapar en livlig, darrande bild.

Genom att kombinera utvecklingen av nya sätt för konstnärligt språk med teoretiska generaliseringar skapade Leonardo da Vinci en bild av en person som möter högrenässansens humanistiska ideal.

Genom att registrera resultaten av otaliga observationer i skisser, skisser och naturliga studior (italiensk penna, silverpenna, sangvin, penna och andra tekniker), uppnår Leonardo sällsynt skärpa i överföringen av ansiktsuttryck (ibland tillgripande av grotesk och karikatyr), och strukturen och människokroppens rörelser leder i perfekt harmoni med kompositionens dramaturgi.

1514-1515 hänvisar till skapandet av den store mästarens mästerverk - målningar Mona Lisa . Tills nyligen trodde man att detta porträtt skrevs mycket tidigare, i Florens, omkring 1503. De trodde på historien om Vasari, som skrev: ”Leonardo åtog sig att färdigställa för Francesco del Gioconde ett porträtt av Monna Lisa, hans fru, och efter arbetade på det i fyra år, lämnade det ofullständigt. Detta arbete är nu hos den franske kungen i Fontainebleau. Förresten, Leonardo tillgrep följande knep: eftersom Madonna Lisa var mycket vacker, medan han skrev ett porträtt, behöll han människor som spelade lyran eller sjöng, och här fanns ständigt gycklare som höll henne glad och tog bort den melankoli som måleriet brukar skänka porträtt.

Hela den här historien är fel från början till slut. Enligt Venturi, "Monna Lisa, senare Gioconda, var skapandet av fantasin hos romanförfattaren, Aretin-biografen, George Vasari." Venturi 1925 föreslog att "La Gioconda" är ett porträtt av hertiginnan av Costanza d "Avalos, änkan efter Federigo del Balzo, sjöng i en kort dikt av Eneo Irpino, som också nämner hennes porträtt målat av Leonardo da Vinci. Costanza var älskarinna till Giuliano Medici, som efter äktenskapet med Philibert av Savojen gav tillbaka porträttet till Leonardo.

Senast lade Pedretti fram en ny hypotes: Louvrens porträtt föreställer änkan efter Giovanni Antonio Brandano vid namn Pacifica, som också var Giuliano de' Medicis älskarinna och födde sin son Ippolito 1511.

Hur det än må vara så är Vasarius-versionen tveksam eftersom den inte på något sätt förklarar varför porträttet av Francesco del Giocondos hustru förblev i Leonardos händer och togs av honom till Frankrike.

Leonardo Da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda). 1514 - 1515

I den här bilden uppnådde Leonardo en sådan harmoni inte bara genom en mer grundlig komposition, utan också genom bildliga medel, tack vare vilka allt är synligt som genom ett lätt dis som täcker små detaljer, mjukar upp konturerna och skapar omärkliga övergångar mellan former och färger. Därför lämnade han mycket till vår fantasi och detta är anledningen till att Mona Lisa slår oss och tittar på betraktaren som om den lever. Detsamma gäller för landskapet, där Leonardo visar oss hur jorden "växer" från stenar och vatten, och för Mona Lisas ansikte med sitt mystiska leende. Vad tänker Mona Lisa? I praktiken beror det på vad vi själva tycker, tittar på hennes bild. Kanske Leonardo själv var lite lik henne: folk såg honom alltid som balanserad och vänlig, men ingen visste exakt vad han tänkte på.

Kvinnobilden är liksom vävd av ljuset som omsluter den, strömmar runt den, tränger igenom den. Genom att penetrera från djupet mjuknar ljuset gradvis i den genomskinliga slöjan, förtjockas sedan igen i klädvecken, mellan hårstrån och sprider sig slutligen över ansiktet och händerna, så att du kan känna den heta blodströmmen slå under den genomskinliga hud. Det är förgäves att undra vad en kvinnas mystiska leende betyder, vilka känslor som lurar i hennes själ. Detta är inte någon specifik känsla, utan en känsla av glädje hos en fullfjädrad varelse i den perfekta balansen av den naturliga världen som spills på ansiktet. Därmed övervinner Leonardo det eviga dilemmat mellan idén och dess genomförande; när han reflekterar över måleriet, som för honom tycks vara ett medel för både uttryck och visualisering, finner han gradvis ett adekvat bildspråk för att förkroppsliga sin världsuppfattning. "Bilden skapad av konstnärens hand måste först genomgå en lång process för att bära den med anden" (Marinoni). Det är rimligt att dra slutsatsen att Leonardo i Mona äntligen förkroppsligade prioriteringen av intellekt och konst. I den harmoni som uppnås på detta sätt ligger bildens storhet och betydelse.

Detalj av en målning. Leonardo Da Vinci. Mona Lisa (La Gioconda)

Mona Lisas själfulla händer är lika vackra som det lätta leendet på hennes läppar och det urtidsklippiga landskapet i dimmigt avstånd. Gioconda är känd som bilden av en mystisk, till och med dödlig kvinna, men denna tolkning hör till 1800-talet. Det är mer troligt att för Leonardo var denna målning den svåraste och mest framgångsrika övningen i användningen av sfumato, och bakgrunden till målningen är resultatet av hans forskning inom geologiområdet. Oavsett om ämnet var sekulärt eller religiöst, finns landskapet, som exponerar "jordens ben", ständigt i Leonardos verk. Encyclopedia "Världen omkring oss"

När Andrea del Verrocchio skrev på ett träd en bild med en bild St. Johannes döper Kristus Leonardo gjorde en ängel som höll kläder på honom, och trots att han fortfarande var ung, utförde han den på ett sådant sätt att da Vincis ängel visade sig vara mycket bättre än Verrocchios figurer, och detta var anledningen till att Andrea aldrig mer ville göra det. touch paints, kränkt av att någon pojke hade överträffat honom i skicklighet.

Andrea del Verrocchio (Verrocchio), Leonardo da Vinci. Kristi dop. 1473-1475

Även om Verrocchio kan ha litat på den unge Leonardo att rita några mindre detaljer i hans tidigare verk, var det mest troligt i The Baptism of Christ som han först lät honom rita en komplett figur. Den lilla blåklädda ängeln informerade i huvudsak Florence om att ett nytt geni hade anlänt. Verrocchio, enligt Vasari, var chockad, eftersom han personligen stötte på ett fenomen som kom från en okänd framtid. Leonardo tillkännagav dock inte bara sig själv som en ängel - han gjorde detta också med hjälp av bilden av dopets bakgrund, där ett dimmigt, mystiskt djup förutser det fantastiska som kommer att skapas av honom i Mona Lisa och i Madonnan och barnet med St. Anne". Robert Wallace. "The World of Leonardo"

Leonardo da Vinci utvecklades som konstnär och förmodligen i stor utsträckning som vetenskapsman i Verrocchios verkstad. De tidiga teckningarna och målningarna av Leonardo visar tydligt vilken underbar skola för realistisk konst renässansverkstaden var. Här gjordes allt för att från tidig ålder lära sig att rita rätt och hjälpa till att bemästra den realistiska metoden. Relationerna mellan Leonardo och Verrocchio var tydligen hjärtliga, även om Leonardo aldrig nämnde något för sin lärare i sina anteckningsböcker. Han bodde i Verrocchios hus och fortsatte att bo där efter att han 1472 vid tjugo års ålder antogs i Saint Luke-gillet. Som lärling hos Leonardo da Vinci, efter den vanliga rutinen, var han först engagerad i att gnida färger och annat snålt arbete. Gradvis, allt eftersom erfarenheten ackumulerades och skickligheten ökade, började de lita på honom med den enklaste delen av arbetet som Verrocchio fick order för.

Tillbedjan av Magi 1472-1477. Målningen beställdes av Leonardo da Vinci 1481 och var avsedd att dekorera altaret i kyrkan San Donato Scopento, som ligger nära Florens från sidan av Porta a San Piero Gattolino (nu Porta Romana). Konstnären avslutade dock inte detta verk utan lämnade det i Florens när han reste till Milano 1482. Madonnan och barnet är omgivna i en halvcirkel av en folkmassa som har närmat sig den heliga familjen för att buga sig för honom. Det finns många fysiognomiska typer av människor i alla åldrar representerade här; bland dem finns unga ryttare. Även djur, som Leonardo senare ofta skulle se, verkar dela mänskliga känslor. I bakgrunden av bilden, från ruinerna av palatset, vars tomma trappa ger intrycket av surrealistiskt, bryter en kortege av resenärer och ryttare ut. Den högra sidan av kompositionen skildrar en ryttarstrid, vars innebörd förblir oklar. Två träd i mitten - en palm och en stenek - fungerar som yxor runt vilka hela kompositionens spiral vrids, som om den var insatt till vänster - mellan gestalten av en gammal man, nedsänkt i tanken, och på höger - figuren av en ung man (han pekar på Madonnan och barnet). På bilden ser vi också hästar som vandrar utan ryttare, vilket kanske symboliserar naturen, ännu inte dämpad av människan. Och i djupet av bilden dyker höga bergstoppar upp, vanliga för Leonardo da Vincis kompositioner, som bara beskrivs i skisser, de gör ett majestätiskt intryck.

Leonardo Da Vinci. Tillbedjan av Magi. 1472-1477

Genom mångfalden av skådespelare, genom styrkan i den dramatiska rörelsen som skildras i gester, poser och genom den brokiga variationen av ansiktsuttryck, är verket ett av de mest anmärkningsvärda verken av all italiensk målning på 1400-talet. Det är omöjligt att föreställa sig en mer exakt studie av de parallella fenomenen av inre och yttre liv. I en så ung ålder, omkring trettio år gammal, kände och kom Leonardo da Vinci ihåg det komplexa arbetet med muskler i en mängd olika mentala tillstånd. Detta är en serie illustrationer på det psykologiska temat överraskning. vinci.ru

Det var den första florentinska perioden i Leonardos liv och verk: 1464 - 1482.

Samma period inkluderar sådana målningar av konstnären som "Porträtt av Ginevra de Benci","Madonna med en blomma" ("Madonna Benois"), "Madonna Litta", "Saint Hieronymus", "Saint Sebastian".

Porträtt av Ginevra de Benci

Madonna med en blomma (Madonna Benois)

Madonna Litta

Sankt Jerome

Sedan börjar den första Milano-perioden av liv och kreativitet: 1483 - 1499. Leonardo da Vinci blev inbjuden till Lodovico Sforzas hov och tog värvning i kollegiet för hertig ingenjör. Han uppträder i Milano som militäringenjör, arkitekt, vatteningenjör, skulptör, målare. Men det är karakteristiskt att Leonardo i dokumenten från denna period först kallas en "ingenjör" och sedan en "konstnär".

"Madonna i grottan" - Leonardos första fullt mogna verk - bekräftar den nya konstens triumf och ger en komplett bild av da Vincis exceptionella skicklighet. Ikonen beställdes av munkarna i kyrkan uppkallad efter St. Franciskus 1483. Perfekt koherens mellan alla delar, vilket skapar en tätt sammansvetsad helhet. Denna helhet, det vill säga helheten av de fyra avbildade gestalterna, vars konturer är underbart uppmjukade av chiaroscuro, bildar en slank pyramid, som mjukt och försiktigt, i fullständig frihet, växer fram framför oss. Alla figurer är oupplösligt förenade genom sina åsikter och positioner, och denna förening är fylld av charmig harmoni, ty till och med en ängels blick, vänd inte till andra figurer, utan till betraktaren, så att säga, förstärker det enda musikaliska ackordet av bildens sammansättning. Detta utseende och leende, som lyser upp ansiktet på en ängel, är fulla av djup och mystisk mening. Ljus och skuggor skapar en viss unik stämning i bilden. Vår blick förs bort i dess djup, in i de lockande luckorna bland de mörka klipporna, under vars skugga figurerna skapade av Leonardo hittade skydd. Och Leonards hemlighet, se igenom i deras ansikten och i de blåaktiga springorna och i skymningen av de överhängande klipporna. Alla de olika elementen i bilden, till synes motsägelsefulla, smälter samman och skapar ett intryck av en holistisk och stark. "Madonna i grottan" visar konstnärens behärskning av den realistiska skicklighet som så imponerade på hans samtida. Målningen var avsedd att dekorera altaret (ramen för målningen var ett snidat träaltare) i Immacolata-kapellet i San Francesco Grande-kyrkan i Milano.

Leonardo Da Vinci. Madonna i grottan. 1483-1486

"Guds Moder, bland klipporna, i en grotta, som omfamnar barnet Johannes Döparen med sin högra hand, överskuggar Sonen med sin vänstra, som om hon ville förena båda - människan och Gud - i en kärlek. John, hopfällbar hans händer vördnadsfullt, knäböjde inför Jesus, som välsignar honom. Förresten sitter Frälsarbarnet, naken på bar mark, och böjer det ena fylliga benet under det andra, lutad mot en tjock arm, med utbredda fingrar, det är tydligt att han vet fortfarande inte hur han ska gå - han bara kryper. Hans ansikte är redan perfekt visdom, vilket samtidigt är barnslig enkelhet. Den knästående ängeln, som stöder Herren med ena handen, pekar på föregångaren med den andra, vänder sin ansikte fullt av sorgsna föraningar till betraktaren med ett mildt och konstigt leende. På avstånd, mellan klipporna, vått skiner solen genom regnets dis över dimmiga blåa, tunna och vassa berg, med ett extraordinärt, ojordiskt utseende, som liknar stalaktiter. påminner om havets torra botten. Och i grottan - en djup skugga, som under vatten. Ögat kan knappt urskilja en underjordisk källa, runda palmerade blad av vattenväxter, svaga bägare av bleka iris. Det verkar som att man kan höra hur långsamma fuktdroppar faller från ovan, från den överhängande bågen av svarta skiktade stenar av dolomit, som suger mellan rötterna av krypgräs, åkerfräken och klubbmossor. Bara Madonnans ansikte, halvt barnsligt, halvt flickaktigt, lyser i mörkret, som tunn alabaster med eld inuti. Himmelens drottning uppenbarar sig för människor för första gången i den innersta skymningen, i en underjordisk grotta, kanske tillflykten för antika Pan och nymferna, i hjärtat av naturen, som hemligheten bakom alla mysterier, Guds Moder -Människan i Moder Jords inälvor.
Det var skapandet av en stor konstnär och en stor vetenskapsman tillsammans. Sammanslagningen av skugga och ljus, växtlivets lagar, människokroppens struktur, jordens struktur, mekaniken i veck, mekaniken hos kvinnliga lockar som krullar sig som virvelstrålar, så att infallsvinkeln är lika med reflektionsvinkeln - allt som vetenskapsmannen undersökte med "envis stränghet", han torterade och mätte med obarmhärtig precision, Han skar honom som ett livlöst lik, - konstnären förenades återigen till en gudomlig helhet, förvandlades till en levande charm, in i tyst musik, till en mystisk hymn till den rena jungfrun, tillvarons moder. Med lika kärlek och kunskap avbildade han både tunna ådror i kronbladen på en iris, och en grop i en bebis fylliga panna, och en tusenårig rynka i en dolomitklippa och spänningen av djupt vatten i en underjordisk källa , och ljuset av djup sorg i en ängels leende. Han visste allt och älskade allt, för stor kärlek är dottern till stor kunskap." Dmitry Merezhkovsky "De uppståndna gudarna. Leonardo Da Vinci"

Den 25 april 1483 beställde medlemmar av Brotherhood of the Holy Conception målningar (den centrala kompositionen är Madonnan och Child, sidokompositionerna är Musical Angels) av Leonardo da Vinci, som fick förtroendet att utföra den viktigaste delen av altaret, samt bröderna Ambrogio och Evangelista de Predis. För närvarande menar konsthistoriker att båda målningarna på ett identiskt ämne, varav den ena förvaras i Louvren och den andra i National Gallery i London, är varianter av en målning gjord för samma ändamål. En signatur Madonna on the Rocks från Paris (Louvren) prydde ursprungligen altartavlan till kyrkan San Francesco Grande; kanske gavs den av Leonardo da Vinci själv till den franske kungen Ludvig XII som ett tecken på tacksamhet för att ha medlat i konflikten mellan kunder och konstnärer om betalning för målningar. Den ersattes i altaret av en komposition som nu finns i London. För första gången kunde Leonardo lösa problemet med att slå samman mänskliga figurer med landskapet, som gradvis intog en ledande plats i hans konstnärliga program.

Från Ammoretis vittnesbörd bör man dra slutsatsen att bilden Sista måltiden stod färdig 1497. Tyvärr målade Leonardo da Vinci den med färger, av vilka några visade sig vara mycket ömtåliga. Redan femtio år efter slutet var bilden, enligt Vasari, i det mest eländiga skick. Men om det vid den tiden var möjligt att uppfylla kung Francis I:s önskan, uttryckt sexton år efter målningens slutförande, och, genom att bryta ner väggen, överföra målningen till Frankrike, så kanske den skulle ha bevarats. Men detta gick inte att göra. År 1500 förstörde vattnet som översvämmade måltiden väggen helt. Dessutom bröts 1652 en dörr i väggen under frälsarens ansikte, vilket förstörde benen på denna figur. Målningen restaurerades flera gånger utan framgång. 1796, efter att fransmännen korsat Alperna, gav Napoleon en strikt order att skona måltiden, men de generaler som följde honom, ignorerade hans order, förvandlade denna plats till ett stall och senare till ett stall. förvaringsplats för hö .

Leonardo Da Vinci. Sista måltiden

1488-1490 målades "Dam med en hermelin" och "Porträtt av en musiker".

dam med hermelin

Porträtt av en musiker

Andra florentinska perioden 1500-1506.

Förberedelser och arbete på fresken "Slaget i Anjaria (vid Anghiari)" . Det verkliga slaget vid Anghiari 1440, där florentinerna besegrade milaneserna, var obetydligt: ​​en person dog under hela militärkampanjen. Icke desto mindre berörde ett avsnitt av denna strid Leonardo djupt: en kamp mellan flera kavallerister som utspelade sig runt stridsfanan.

Leonardo da Vincis skisser till en stor väggmålning visar att han hade för avsikt att ge en allmän panorama av slaget, i vars centrum striden om fanan ägde rum. Om en fras (som tyvärr är enformig i vår berättelse) beskriver bildens vidare öde, så låt oss säga: Leonardos duk är förlorad. Da Vinci gjorde klart kartongen (försvunnen också) och målade en tavla på väggen. Färgerna smälte långsamt bort (under en period av cirka sextio år) tills de försvann helt. Som i fallet med Nattvarden experimenterade Leonardo - och experimentet slutade med förlusten av måleriet, som gradvis föll sönder.skiss för skulptur. De uppfödande hästarna ekar de som förvånar oss i Leonardos tidiga målning The Adoration of the Magi, men i det här fallet uttrycker de inte glädje, utan ilska: medan bildens krigare rusar mot varandra med hat, biter och sparkar djuren. Bilden kan ses som ett uttryck för Leonardo da Vincis inställning till kriget, som han kallade "pazzia bestialissima" - "det mest brutala galenskap" - och vars bild utan tvekan var för färsk i minnet, vilket höll intrycken av Cesare Borgias militära kampanjer. Han betraktade sin målning som ett åtal. Låt oss tillägga: inte mindre relevant för vår tid. Det finns inget landskap i bilden, och krigarnas fantastiska kostymer är inte relaterade till någon speciell period. För att göra sin generalisering ännu mer imponerande, riktade Leonardo alla linjer i sin komposition: svärd, människors ansikten, hästkroppar, rörelsen av hästben - inåt. Ingenting tar bort ögat från mitten av denna fasansfulla "materiella bevis" som om den låg ensam på ett bar bord framför åklagaren.

Slaget vid Anghiari (kopia av Rubens från en fresk av Leonardo da Vinci). 1503-1505

Leonardo lade ner mycket arbete på att skapa en väggmålning för den stora rådssalen i Palazzo Vecchio, den florentinska republikens regeringsbyggnad. Han fick i uppdrag att skildra slaget vid Anghiari, som ägde rum i juni 1440 och slutade med florentinernas seger över milaneserna. Leonardos anteckningar, som senare ingick i Treatise on Painting, hänger tydligen ihop med detta verk.
De berättar hur man avbildar en strid: hur man avbildar röken från artilleripjäser blandad i luften med damm, hur man gör figurerna från striderna, hästarnas kroppar, hur man förmedlar belysningen av dessa figurer, etc. Leonardo började att arbeta på kartong i den så kallade salen påven vid kyrkan Santa Maria Novella 24 oktober 1503 Författaren till en anonym biografi rapporterar att kartongen föreställde slaget vid Anghiari i det ögonblick då florentinerna rusar till Nicolo Poccinino, kapten på hertigen av Milano Filippo. I februari 1505 började Leonardo arbetet med fresken. Men, säger Vasari, "när han tänkte måla på väggen med oljefärger, komponerade han en blandning av en så grov komposition för att förbereda väggen att när han började måla i det nämnda rummet började den fukta, och snart slutade han arbeta , se att det försämrades”. Paolo Giovio talar om "bristerna hos ett plåster som envist vägrade att ta färger utspädda med valnötsolja." Enligt författaren till en anonym biografi lärde Leonardo receptet av Plinius, men "förstod det dåligt." Så är knappast fallet, det är mycket mer troligt att den store konstnären experimenterade på egen hand. Enligt samma anonyma författare, "innan han målade tavlan på väggen, tände Leonardo en stor eld i kolen, som med sin hetta var tänkt att dra ut fukt ur det namngivna materialet och torka det. Sedan satte han igång med sin bild i hallen, och nedanför, där elden nådde, var väggen torr, men på övervåningen, där värmen på grund av det stora avståndet inte nådde, var väggen fuktig. Leonardos experiment slutade i misslyckande. Och själva tolkningen av handlingen, vald av honom, kunde inte tillfredsställa kunderna. Som ni vet visade sig Michelangelo vara vinnaren, efter att ha utvecklat en episod från kriget mellan Florens och Pisa för den andra väggen i samma sal, som går tillbaka till 1364. Glorifieringen av handlingen som Michelangelo gav var mer smickrande för florentinernas snävt lokalpatriotism. Kriget mellan Florens och Pisa – det var trots allt just dessa stridigheter som hindrade genomförandet av Leonardos stora hydrotekniska projekt! Kan han ha blivit inspirerad av avsnitt från kampen mellan Florens och Milano, Florens och Pisa? Benvenuto Cellini gjorde senare ett misstag och hävdade att båda artisterna var tvungna att skildra hur Pisa togs av florentinerna, och valde bara olika ögonblick av samma historiska händelse: "den fantastiska Leonardo da Vinci" skildrade "en häststrid med fångst av banderoller" , Michelangelo avbildade ”en hel del fotsoldater som sedan det var sommar började bada i Arno; och i det ögonblicket låtsas han slå larm, och dessa nakna infanterister springer till vapen. ”Dessa två kartonger stod”, avslutar Cellini, ”den ena i Medicipalatset, den andra i den påvliga salen. Så länge de var intakta var de en skola för hela världen. (Livet av Benvenuto, son till Maestro Giovanni Cellini, en florentinare, skriven av honom själv i Florens. Per. M. Lozinsky, M., 1958, bok I, kap. 12, s. 49-50). Zubov V.P., Leonardo da Vinci, från USSR:s vetenskapsakademi, M.-L., 1962

Den andra Milanoperioden av liv och arbete: sommaren 1506 - hösten 1513.

Färdigt arbete med målningen "Leda" . Mona Lisa skapades vid en tidpunkt då Leonardo da Vinci var så upptagen av studiet av den kvinnliga kroppens struktur, anatomi och problem i samband med förlossning att det nästan är omöjligt att skilja hans konstnärliga och vetenskapliga intressen åt. Under dessa år skissade han ett mänskligt embryo i livmodern och skapade den sista av flera versioner av målningen "Leda" på handlingen om den antika myten om födelsen av Castor och Pollux från föreningen av den dödliga flickan Leda och Zeus, som tog formen av en svan. Leonardo var engagerad i jämförande anatomi och var intresserad av analogier mellan alla organiska former.

Leonardo Da Vinci. Is med en svan. 1508 - 1515

1508-1512 - arbete på målningarna "Sankt Anna" och Johannes Döparen.

Leonardo Da Vinci. Johannes Döparen. 1512

Pekfingret på hans högra hand vänt mot himlen är ett annat motiv förknippat med ikonografin av detta helgon som kom till världen för att predika omvändelse, vilket skulle "bana väg" för Messias kommande framträdande. I ansiktet, framhävt av ljus, med en skarp, nästan faunliknande oval, inramad av en kaskad av lockigt hår, spelas ett mystiskt spännande leende, som inte stämmer överens med bilden av en asketisk profet som bodde i öknen och åt gräshoppor och all sorts vild mat. Historien om detta verk, som avslöjar antingen manér eller sökandet efter ett uttrycksspråk, är höljd i mystik. Det förekommer inte i källorna under namnet Johannes Döparen: Vasari talar om en "ängel" från Medicean-samlingarna och tillskriver den Leonardo, och i hans beskrivning påminner denna bild mycket om Johannes Döparen. Man kan tro att konstnärens första idé var att avbilda evangeliets ängel, om detta bara överensstämmer med en märklig figur som framkallar hos betraktaren en känsla av förlägenhet snarare än entusiastisk förvåning. Den har samma anda av ironi som är karakteristisk för Gioconda, men det finns inget landskap som denna ironi skulle kunna projiceras på, vilket återspeglar de mer komplexa kopplingarna mellan människa och natur. På grund av detta gör Johannes Döparen ett märkligt, till och med tvetydigt intryck på betraktaren. Samtidigt tillhör bilden verkligen kretsen av Leonardos verk, och i sin design är den en av de mest innovativa, eftersom mästaren i St Johns gestalt syntetiserade sitt sökande efter sätt att uttrycka känslor och mänsklig natur som helhet. Överladdad med symbolik och illusioner verkar denna bild existera på gränsen till mystik och verklighet.

Sankta Anna

Romersk period av liv och arbete: 1513-1516.

I Rom i maj 1513, under namnet Leo X, valdes son till Lorenzo de' Medici, Giovanni, till påvedömet.

Leo X äger talesättet: "Vi kommer att njuta av påvedömet, om Gud har gett det till oss." Han omgav sig med konstnärer och poeter. Raphael och Michelangelo arbetade för honom, men påven behandlade Leonardo da Vinci med misstro. Leonardos närmaste beskyddare i Rom var påvens bror, hertig Giuliano de' Medici.

I enlighet med den filosofiska tolkningen av fenomen som åtföljer hans konst, försökte da Vinci uttrycka sitt eget koncept av kosmisk förstörelse: utjämning, sammansmältning i alla elements enhet sammanfaller oundvikligen med absolut harmoni. Den börjar och slutar skapelseberättelsen. Det Leonardiska systemet kunde inte ha kommit till en mer logisk slutsats.

Och den sista punkten i en sådan naturvision kan vara bilden av en konstnär med intellekt och utseendet av en visman, vars drag, både tydliga och svåra, Leonardo fångade i självporträtt , - en konstnär som djupare än andra lyckades utforska världens hemligheter och lagar och mänskliga känslor och uttrycka dem i konstens och måleriets sublima språk.

Leonardo Da Vinci. Självporträtt. 1514 - 1516

Och detta självporträtt hänvisar tydligen också till beskrivningen av Lomazzo: "Hans huvud var täckt med långt hår, hans ögonbryn var så tjocka och hans skägg var så långt att han verkade vara en sann personifiering av ädel lärdom, vilket Druiden Hermes och den forntida Prometheus hade redan varit.”

Forntida biografer av Leonardo da Vinci beskriver hans utseende i de mest attraktiva egenskaperna:

Enligt Vasari: "med glansen av hans utseende, som visade den högsta skönhet, gav han klarhet till varje ledsen själ."

Med Anonymous ord: "han var vacker i sig själv, proportionerligt komplex, graciös, med ett attraktivt ansikte. Han bar en röd kappa som nådde till knäna, även om långa kläder då var på modet. Ett vackert skägg föll ner till mitten av bröstet, lockigt och välkammat. Zubov V.P., Leonardo da Vinci, från USSR:s vetenskapsakademi, M.-L., 1962

Vinci var stilig, vackert byggd, hade stor fysisk styrka, var väl bevandrad i riddarkonsten, ridning, dans, fäktning etc. BES Brockhaus och Efron

"... han var lång, smal, vacker i ansiktet och av utomordentlig fysisk styrka, charmig i mötet med människor, en bra talare, glad och vänlig. Han älskade skönheten i föremålen som omgav honom, bar glänsande kläder med nöje och uppskattade raffinerad nöjen." Freud 3., Leonardo da Vinci. barndomsminne

"Om ... Leonardos kärlek till lyx, nästan alltid över hans tillgångar - för många tjänare, fullblodshästar, originella, lite bisarra kostymer, alla hans biografer talar, såväl som om hans exceptionellt vackra utseende och fysiska styrka. Tradition, ganska gammal och envis, även om det inte stöds av dokumentära bevis, anser att porträttet av Leonardo under de första åren av hans vistelse i Florens är bilden av ärkeängeln Mikael i en målning av en okänd konstnär (mest troligt Botticini eller Verrocchio). Målningen föreställer en ung man av mycket lång växt, med ett lugnt ansikte av exceptionell skönhet. Denna bild motsvarar beskrivningarna av biografer och det allmänna intrycket av Leonardos personlighet, men om det verkligen är hans porträtt kommer vi knappast att veta, eftersom det senila jaget -porträtt, som vanligtvis återges av Leonardos biografer och föreställer ett skalligt, ovanligt betydelsefullt huvud med långt flödande skägg, tjocka ögonbryn och en genomträngande intelligent look om, är inte ett otvivelaktigt porträtt av honom.Ett vackert utseende som stack ut från mängden, exceptionell fysisk styrka, kärlek och förmågan att klä sig på ett originellt och ljust sätt, en passion för ett brett liv, äntligen förvärvat, tydligen under dessa unga år, en kärlek till festligheter, uppträdanden, maskerader - det här är de yttre egenskaperna som utmärkte den unga studenten Verrocchio. Dessa egenskaper är väsentliga, men de ger bara en dekorativ ram till den komplexa uppsättning interna egenskaper och kvaliteter, som också utan tvekan började bildas under de första åren av Leonardos liv i Florens. "Gukovsky M.A. Mechanics of Leonardo da Vinci, 1947