Leonardo Da Vinci. La pittura

Un artista che dipinge come vede l'occhio, senza la partecipazione della mente, assomiglia a uno specchio che riflette qualsiasi oggetto posto di fronte, senza saperlo.

Leonardo Da Vinci

Prima opera datata (1473, Uffizi) - piccolo schizzo di una valle fluviale piccolo schizzo della valle del fiume , visibile dalla gola; da un lato c'è un castello, dall'altro - una collina boscosa.

Leonardo Da Vinci. Paesaggio della valle del fiume Arno. 5 agosto 1473. L'iscrizione sul quadro: "Il giorno della Santa Vergine della Neve". Disegno realizzato per Santa Maria Della Nev

Quando Leonardo tornò a Firenze nel 1503, i Fiorentini erano in guerra con la recalcitrante Pisa; a valle dell'Arno, Pisa controllava gli sbocchi di questo fiume verso il mare. Nell'autunno del 1503 Leonardo consigliò i lavori per la rimozione dell'Arno da Pisa. Furono avviati dai Fiorentini, cercando di privare d'acqua la città assediata. Il lavoro è stato svolto per due mesi ed è stato abbandonato: molti hanno previsto il loro fallimento in anticipo. Alcuni anni dopo, Leonardo, in una sua nota, condannò il metodo di agire "in tutto" adottato durante questi lavori: "Il fiume che deve girare da un luogo all'altro deve essere allettato, e non violentemente indurito... ". Il pensiero dello stesso Leonardo era rivolto a qualcosa di completamente diverso: non per deviare l'acqua dalla recalcitrante Pisa, ma per regolare il corso dell'Arno per tutta la sua lunghezza. Se a Milano, nella pianura lombarda nel bacino del fiume Po, i costruttori di canali si trovavano principalmente di fronte al compito di ampliare la rete delle rotte commerciali, allora in Toscana, nel bacino del fiume Arno, il compito principale era regolarne il flusso - per combattere le inondazioni o, al contrario, per seccare il fiume, in diversi periodi dell'anno. Le parole sulle pagine del Codice Atlantico sono molto espressive: “Regola Arno sopra e sotto. Chiunque lo desideri riceverà un tesoro da ogni parte della terra Zubov V.P., Leonardo da Vinci, Casa editrice dell'Accademia delle scienze dell'URSS, M.-L., 1962

Questo schizzo, realizzato con rapidi tratti di penna, testimonia il costante interesse dell'artista per i fenomeni atmosferici, di cui in seguito da Vinci scrisse ampiamente nei suoi appunti. Il paesaggio rappresentato da un punto di osservazione elevato che domina la pianura alluvionale era un dispositivo comune per l'arte fiorentina degli anni Sessanta del Quattrocento (sebbene servisse sempre solo come sfondo per i dipinti). Un disegno a matita d'argento di un antico guerriero di profilo (metà degli anni Settanta del Quattrocento, British Museum) mostra la piena maturità di Leonardo come disegnatore; combina sapientemente linee deboli, flosce e tese, linee elastiche e attenzione alle superfici modellate via via da luci e ombre, creando un'immagine viva e fremente.

Combinando lo sviluppo di nuovi mezzi del linguaggio artistico con generalizzazioni teoriche, Leonardo da Vinci ha creato l'immagine di una persona che soddisfa gli ideali umanistici dell'Alto Rinascimento.

Registrando i risultati di innumerevoli osservazioni in schizzi, schizzi e studi naturali (matita italiana, matita d'argento, sanguigna, penna e altre tecniche), Leonardo raggiunge una rara nitidezza nel trasferimento delle espressioni facciali (ricorrendo talvolta al grottesco e alla caricatura), e la struttura ei movimenti del corpo umano conducono in perfetta armonia con la drammaturgia della composizione.

Entro il 1514 - 1515 si riferisce alla creazione del capolavoro del grande maestro: i dipinti Monna Lisa . Fino a poco tempo si pensava che questo ritratto fosse stato scritto molto prima, a Firenze, intorno al 1503. Si credeva alla storia del Vasari, che scrisse: “Leonardo si impegnò a completare per Francesco del Gioconde un ritratto di Monna Lisa, sua moglie, e dopo lavorandoci per quattro anni, lo lasciò incompleto.Questo lavoro è ora presso il re di Francia a Fontainebleau.A proposito, Leonardo ricorse al seguente trucco: poiché la Madonna Lisa era molto bella, mentre scriveva un ritratto, teneva persone che suonavano la lira o la cantava, e qui c'erano costantemente giullari che la tenevano allegra e toglievano la malinconia che la pittura di solito impartisce ai ritratti.

Tutta questa storia è sbagliata dall'inizio alla fine. Secondo Venturi, "Monna Lisa, poi Gioconda, è stata la creazione dell'immaginazione del romanziere, biografo di Aretin, Giorgio Vasari". Venturi nel 1925 suggerì che "La Gioconda" fosse un ritratto della duchessa di Costanza d "Avalos, vedova di Federigo del Balzo, cantato in un breve poema di Eneo Irpino, che cita anche il suo ritratto dipinto da Leonardo da Vinci. Costanza fu l'amante di Giuliano Medici, che dopo il matrimonio con Filiberto di Savoia restituì il ritratto a Leonardo.

Più recentemente, Pedretti ha avanzato una nuova ipotesi: il ritratto del Louvre raffigura la vedova di Giovanni Antonio Brandano di nome Pacifica, che fu anche amante di Giuliano de' Medici e diede alla luce il figlio Ippolito nel 1511.

Comunque sia, la versione del Vasario è dubbia perché non spiega in alcun modo perché il ritratto della moglie di Francesco del Giocondo rimase nelle mani di Leonardo e fu da lui portato in Francia.

Leonardo Da Vinci. Monna Lisa (La Gioconda). 1514 - 1515

In questo quadro, Leonardo ha raggiunto tale armonia non solo attraverso una composizione più approfondita, ma anche attraverso mezzi pittorici, grazie ai quali tutto è visibile come attraverso una leggera foschia che copre piccoli dettagli, ammorbidisce i contorni e crea transizioni impercettibili tra forme e colori. Così ha lasciato molto alla nostra immaginazione ed è per questo che la Gioconda ci colpisce, guardando lo spettatore come se fosse viva. Lo stesso vale per il paesaggio, dove Leonardo ci mostra come la terra "cresce" dalle rocce e dall'acqua, e per il volto della Gioconda con il suo sorriso misterioso. Cosa sta pensando Monna Lisa? In pratica, dipende da cosa pensiamo noi stessi, guardando la sua immagine. Forse lo stesso Leonardo era un po' come lei: la gente lo vedeva sempre equilibrato e amichevole, ma nessuno sapeva esattamente cosa avesse in mente.

L'immagine femminile è, per così dire, intessuta della luce che la avvolge, la circonda, la penetra. Penetrando dalle profondità, la luce si ammorbidisce gradualmente nel velo trasparente, poi si infittisce di nuovo nelle pieghe dei vestiti, tra le ciocche di capelli, e infine si diffonde sul viso e sulle mani, facendoti sentire la calda corrente del sangue battere sotto il trasparente pelle. Invano chiedersi cosa significhi il sorriso misterioso di una donna, quali sentimenti si nascondano nella sua anima. Questa non è una sensazione specifica, ma una sensazione di gioia di un essere a tutti gli effetti nel perfetto equilibrio del mondo naturale riversato sul viso. Leonardo supera così l'eterno dilemma tra l'idea e la sua realizzazione; riflettendo sulla pittura, che gli sembra un mezzo sia di espressione che di visualizzazione, trova gradualmente un linguaggio pittorico adeguato per incarnare la sua concezione del mondo. “L'immagine creata dalla mano dell'artista deve prima passare attraverso un lungo processo di portarla con lo spirito” (Marinoni). È giusto concludere che nella Gioconda Leonardo abbia finalmente incarnato la priorità dell'intelletto e dell'arte. Nell'armonia così ottenuta sta la grandezza e il significato del quadro.

Particolare di un dipinto. Leonardo Da Vinci. Monna Lisa (La Gioconda)

Le mani piene di sentimento di Mona Lisa sono belle come il lieve sorriso sul suo viso e il paesaggio roccioso primordiale in lontananza nebbiosa. Gioconda è conosciuta come l'immagine di una donna misteriosa, persino fatale, ma questa interpretazione appartiene al XIX secolo. È più probabile che per Leonardo questo dipinto sia stato l'esercizio più difficile e riuscito nell'uso dello sfumato, e lo sfondo del dipinto è il risultato delle sue ricerche nel campo della geologia. Indipendentemente dal fatto che il soggetto fosse laico o religioso, il paesaggio, che espone le "ossa della terra", si ritrova costantemente nell'opera di Leonardo. Enciclopedia "Il mondo intorno a noi"

Quando Andrea del Verrocchio scrisse su un albero un'immagine con un'immagine S. Giovanni che battezza Cristo , Leonardo fece un angelo che gli teneva addosso delle vesti, e sebbene fosse ancora giovane, lo fece in modo tale che l'angelo di da Vinci si rivelò molto migliore delle figure del Verrocchio, e per questo Andrea non volle mai più toccare dipinge, offeso dal fatto che qualche ragazzo lo avesse superato in abilità.

Andrea del Verrocchio (Verrocchio), Leonardo da Vinci. Battesimo di Cristo. 1473-1475

Sebbene Verrocchio possa aver affidato al giovane Leonardo il disegno di alcuni dettagli minori nelle sue opere precedenti, è molto probabile che nel Battesimo di Cristo gli permise per la prima volta di disegnare una figura completa. L'angioletto vestito di blu informò essenzialmente Florence che era arrivato un nuovo genio. Verrocchio, secondo il Vasari, rimase sbalordito, poiché incontrò personalmente un fenomeno che proveniva da un futuro sconosciuto. Tuttavia, Leonardo non si è solo annunciato come un angelo, ma lo ha fatto anche con l'aiuto dell'immagine dello sfondo del Battesimo, in cui una profondità nebbiosa e misteriosa anticipa lo stupore che sarà creato da lui nella Gioconda e in la Madonna col Bambino e Sant'Anna”. Robert Wallace. "Il mondo di Leonardo"

Leonardo da Vinci si è sviluppato come artista e, probabilmente, in larga misura come scienziato nella bottega del Verrocchio. I primi disegni e dipinti di Leonardo mostrano chiaramente quale meravigliosa scuola di arte realistica fosse la bottega rinascimentale. Qui, tutto è stato fatto per insegnare fin dalla tenera età a disegnare correttamente e per aiutare a padroneggiare il metodo realistico. I rapporti tra Leonardo e Verrocchio erano apparentemente cordiali, anche se Leonardo non ha mai menzionato nulla al suo maestro nei suoi taccuini. Abitò nella casa del Verrocchio e vi continuò ad abitare dopo essere stato ammesso alla Corporazione di San Luca nel 1472 all'età di vent'anni. Come apprendista di Leonardo da Vinci, seguendo la consueta routine, dapprima si dedicò allo sfregamento delle pitture e ad altri lavori umili. A poco a poco, man mano che l'esperienza accumulata e l'abilità cresceva, iniziarono a affidargli la parte più semplice del lavoro per cui il Verrocchio riceveva ordini.

Adorazione dei Magi 1472-1477. Il dipinto fu commissionato da Leonardo da Vinci nel 1481 e destinato a decorare l'altare della chiesa di San Donato Scopento, situata vicino a Firenze dal lato di Porta a San Piero Gattolino (ora Porta Romana). L'artista però non portò a termine quest'opera, lasciandola a Firenze quando partì per Milano nel 1482. La Madonna col Bambino è circondata a semicerchio da una folla che si è avvicinata alla Sacra Famiglia per inchinarsi a lui. Ci sono molti tipi fisionomici di persone di tutte le età qui rappresentate; tra loro ci sono giovani cavalieri. Anche gli animali, come vedrà spesso Leonardo, sembrano condividere sentimenti umani. Sullo sfondo del quadro, dalle rovine del palazzo, la cui scalinata vuota dà l'impressione di surreale, si snoda un corteo di viandanti e cavalieri. Il lato destro della composizione raffigura una battaglia equestre, il cui significato rimane poco chiaro. Due alberi al centro - una palma e un leccio - fungono da assi attorno ai quali si attorciglia la spirale dell'intera composizione, come se fosse inserita a sinistra - tra la figura di un vecchio, immerso nel pensiero, e sul a destra - la figura di un giovane (indica la Madonna col Bambino). Nella foto vediamo anche cavalli che vagano senza cavalieri, il che, forse, simboleggia la natura, non ancora sottomessa dall'uomo. E nelle profondità del quadro, le alte cime delle montagne, usuali per le composizioni di Leonardo da Vinci, appaiono solo negli schizzi, fanno un'impressione maestosa.

Leonardo Da Vinci. Adorazione dei Magi. 1472-1477

Per la moltitudine di attori, per la forza del movimento drammatico rappresentato nei gesti, nelle pose, e per la variegata varietà delle espressioni facciali, l'opera è una delle opere più notevoli di tutta la pittura italiana del Quattrocento. È impossibile immaginare uno studio più preciso dei fenomeni paralleli della vita interiore ed esteriore. In così giovane età, sui trent'anni, Leonardo da Vinci conosceva e ricordava il complesso lavoro dei muscoli in un'ampia varietà di stati mentali. Questa è una serie di illustrazioni sul tema psicologico della sorpresa. vinci.ru

Quello fu il primo periodo fiorentino della vita e dell'opera di Leonardo: 1464 - 1482.

Lo stesso periodo comprende dipinti dell'artista come "Ritratto di Ginevra de Benci","Madonna con un fiore" ("Madonna Benois"), "Madonna Litta", "San Girolamo", "San Sebastiano".

Ritratto di Ginevra de Benci

Madonna con un fiore (Madonna Benois)

Madonna Litta

San Girolamo

Inizia quindi il primo periodo milanese di vita e creatività: 1483 - 1499. Leonardo da Vinci fu invitato alla corte di Lodovico Sforza e arruolato nel collegio degli ingegneri ducali. Si esibisce a Milano come ingegnere militare, architetto, ingegnere idraulico, scultore, pittore. Ma è caratteristico che nei documenti di questo periodo Leonardo sia chiamato prima "ingegnere", e poi "artista".

"Madonna nella Grotta" - la prima opera pienamente matura di Leonardo - afferma il trionfo della nuova arte e dà un quadro completo dell'eccezionale abilità di da Vinci. L'icona fu commissionata dai monaci della chiesa intitolata a S. Francesco nel 1483. Perfetta coerenza di tutte le parti, creando un insieme strettamente saldato. Questo insieme, cioè la totalità delle quattro figure raffigurate, i cui contorni sono meravigliosamente addolciti dal chiaroscuro, forma una slanciata piramide, dolcemente e dolcemente, in piena libertà, che cresce davanti a noi. Tutte le figure sono unite indissolubilmente dalle loro vedute e dalla loro posizione, e questa associazione è piena di affascinante armonia, perché anche lo sguardo di un angelo, rivolto non ad altre figure, ma allo spettatore, per così dire, esalta l'unico accordo musicale di la composizione dell'immagine. Questo sguardo e questo sorriso, che illuminano leggermente il volto di un angelo, sono pieni di significato profondo e misterioso. La luce e le ombre creano un'atmosfera unica nell'immagine. Il nostro sguardo è trasportato nelle sue profondità, nelle seducenti fessure tra le rocce scure, all'ombra delle quali trovarono rifugio le figure create da Leonardo. E il segreto di Leonard, traspare nei loro volti, e nelle fessure azzurrine, e nel crepuscolo delle rocce strapiombanti. Tutti i vari elementi del quadro, apparentemente contraddittori, si fondono insieme, creando un'impressione di un'atmosfera olistica e forte. "Madonna nella Grotta" mostra la maestria dell'artista nell'abilità realistica che tanto impressionò i suoi contemporanei. Il dipinto doveva decorare l'altare (la cornice del dipinto era un altare ligneo intagliato) nella Cappella dell'Immacolata della Chiesa di San Francesco Grande a Milano.

Leonardo Da Vinci. Madonna nella grotta. 1483-1486

"La Madre di Dio, tra le rocce, in una grotta, abbracciando con la destra il bambino Giovanni Battista, con la sinistra adombra il Figlio, come se volesse unire entrambi - l'uomo e Dio - in un solo amore. Giovanni, piegandosi le sue mani con riverenza, si inginocchiò davanti a Gesù, che lo benedice Dal modo in cui il Salvatore-bambino, nudo sulla nuda terra, siede, piegando una gamba paffuta e con le fossette sotto l'altra, appoggiandosi a un braccio grosso, con le dita aperte, è chiaro che ancora non sa camminare - striscia solo.Il suo viso è già perfetta saggezza, che è allo stesso tempo semplicità infantile.L'angelo inginocchiato, sostenendo il Signore con una mano, indicando il Precursore con l'altra, si volge volto pieno di lugubri presentimenti allo spettatore con un sorriso gentile e strano. In lontananza, tra le rocce, bagnate, il sole splende attraverso la foschia della pioggia su montagne azzurre, nebbiose, sottili e aguzze, di un aspetto straordinario, soprannaturale, simile a stalattiti. ricorda il fondo secco dell'oceano. E nella grotta - un'ombra profonda, come se fosse sott'acqua. L'occhio riesce a malapena a distinguere una sorgente sotterranea, foglie palmate rotonde di piante acquatiche, coppe deboli di iridi pallide. Sembra di poter sentire come lente gocce di umidità cadano dall'alto, dall'arco sovrastante di rocce nere stratificate di dolomite, risucchiando tra le radici di erbe rampicanti, equiseti e muschi. Solo il volto della Madonna, metà fanciullesco, metà fanciullesco, brilla nell'oscurità, come sottile alabastro con dentro fuoco. La Regina del Cielo appare per la prima volta agli uomini nel più intimo crepuscolo, in una grotta sotterranea, forse il rifugio dell'antico Pan e delle ninfe, nel cuore stesso della natura, come il segreto di tutti i misteri, la Madre di Dio -L'uomo nelle viscere di Madre Terra.
È stata la creazione di un grande artista e di un grande scienziato insieme. La fusione dell'ombra e della luce, le leggi della vita vegetale, la struttura del corpo umano, la struttura della terra, la meccanica delle pieghe, la meccanica dei ricci femminili che si arricciano come zampilli di mulinelli, in modo che l'angolo di incidenza sia uguale all'angolo di riflessione - tutto ciò che lo scienziato ha indagato con "ostinata severità", lo ha torturato e misurato con impassibile precisione, lo ha tagliato come un cadavere senza vita, - l'artista di nuovo unito in un tutto divino, trasformato in un fascino vivente, in musica muta, in un misterioso inno alla Purissima Vergine, Madre dell'Esistenza. Con uguale amore e conoscenza, dipinse sia vene sottili in petali di iris, sia una fossetta sulla fronte carnosa di un bambino, e una ruga millenaria in una scogliera dolomitica, e il brivido dell'acqua profonda in una sorgente sotterranea, e il luce di profonda tristezza nel sorriso di un angelo. Sapeva tutto e amava tutto, perché il grande amore è figlia di una grande conoscenza." Dmitry Merezhkovsky "Gli dei risorti. Leonardo Da Vinci"

Il 25 aprile 1483 i membri della Confraternita della Santa Concezione commissionarono dipinti (la composizione centrale è la Madonna col Bambino, le composizioni laterali sono Angeli musicali) a Leonardo da Vinci, al quale fu affidata l'esecuzione della parte più importante del l'altare, oltre ai fratelli Ambrogio ed Evangelista de Predis. Attualmente, gli storici dell'arte sono del parere che entrambi i dipinti su un soggetto identico, di cui uno è conservato al Louvre e l'altro alla National Gallery di Londra, siano varianti di un dipinto realizzato per lo stesso scopo. Una firma Madonna sugli scogli di Parigi (Louvre) ornava originariamente la pala d'altare della Chiesa di San Francesco Grande; forse fu donato dallo stesso Leonardo da Vinci al re di Francia Luigi XII in segno di gratitudine per aver mediato nel conflitto tra committenti e artisti per il pagamento dei dipinti. Fu sostituito nell'altare da una composizione ora a Londra. Per la prima volta Leonardo riesce a risolvere il problema della fusione della figura umana con il paesaggio, che progressivamente occupa un posto di primo piano nel suo programma artistico.

Dalla testimonianza di Ammoreti, si dovrebbe concludere che il quadro Ultima cena fu completata nel 1497. Sfortunatamente, Leonardo da Vinci lo dipinse con colori, alcuni dei quali si rivelarono molto fragili. Già cinquant'anni dopo la fine, il quadro, secondo il Vasari, era in pessime condizioni. Tuttavia, se in quel momento fosse stato possibile esaudire il desiderio del re Francesco I, espresso sedici anni dopo il completamento del dipinto, e, dopo aver abbattuto il muro, trasferire il dipinto in Francia, allora forse sarebbe stato conservato . Ma questo non poteva essere fatto. Nel 1500 l'acqua che allagava la farina rovinò completamente la cinta muraria. Inoltre, nel 1652 fu sfondata una porta nel muro sotto il volto del Salvatore, che distrusse le gambe di questa figura. Il dipinto fu più volte restaurato senza successo.Nel 1796, dopo che i francesi attraversarono le Alpi, Napoleone diede un severo ordine di risparmiare il pasto, ma i generali che lo seguirono, ignorando il suo ordine, trasformarono questo luogo in una stalla, e poi in un deposito per il fieno.

Leonardo Da Vinci. L'ultima Cena

1488-1490, furono dipinti "Dama con ermellino" e "Ritratto di musicista".

signora con l'ermellino

Ritratto di un musicista

Secondo periodo fiorentino 1500-1506.

Preparazione e lavorazione dell'affresco "Battaglia ad Anjaria (ad Anghiari)" . La vera battaglia di Anghiari del 1440, in cui i fiorentini sconfissero i milanesi, fu insignificante: una persona morì durante l'intera campagna militare. Tuttavia, un episodio di questa battaglia toccò profondamente Leonardo: una lotta tra diversi cavalieri che si svolse attorno allo stendardo di battaglia.

Gli schizzi di Leonardo da Vinci per un grande dipinto murale mostrano che intendeva dare un panorama generale della battaglia, al centro della quale si svolse la battaglia per lo stendardo. Se una frase (che, purtroppo, è monotona nel nostro racconto) descrive l'ulteriore destino del dipinto, allora diciamo: la tela di Leonardo è perduta. Da Vinci finì il cartone (anch'esso perduto) e dipinse un quadro sul muro. I colori si sono lentamente sciolti (in un periodo di circa sessant'anni) fino a scomparire del tutto. Come nel caso dell'Ultima Cena, Leonardo sperimentò - e l'esperimento si concluse con la perdita della pittura, che gradualmente si sgretolò - bozzetto per scultura. I cavalli impennati riecheggiano quelli che ci stupiscono nel primo dipinto di Leonardo L'Adorazione dei Magi, ma in questo caso non esprimono gioia, ma rabbia: mentre i guerrieri del quadro si precipitano l'un l'altro con odio, gli animali mordono e scalciano. L'immagine può essere vista come un'espressione dell'atteggiamento di Leonardo da Vinci nei confronti della guerra, che chiamava "pazzia bestialissima" - "la follia più brutale" - e la cui immagine, senza dubbio, era troppo fresca nella sua memoria, che conservava le impressioni delle campagne militari di Cesare Borgia. Considerava il suo dipinto un atto d'accusa. Aggiungiamo: non meno rilevante per il nostro tempo. Non ci sono scenari nella foto e i fantastici costumi dei guerrieri non sono legati a nessun periodo particolare. Per rendere la sua generalizzazione ancora più impressionante, Leonardo diresse tutte le linee della sua composizione: spade, volti di persone, corpi di cavalli, movimento delle gambe dei cavalli - verso l'interno. Niente distoglie lo sguardo dal centro di questa orrenda "prova materiale" come se giacesse da solo su un tavolo spoglio davanti al pubblico ministero.

Battaglia di Anghiari (copia di Rubens da un affresco di Leonardo da Vinci). 1503-1505

Leonardo si dedicò molto alla realizzazione di un murale per la Sala del Maggior Consiglio di Palazzo Vecchio, il palazzo del governo della Repubblica Fiorentina. Fu incaricato di raffigurare la Battaglia di Anghiari, avvenuta nel giugno 1440 e conclusa con la vittoria dei fiorentini sui milanesi. Gli appunti di Leonardo, che furono poi inseriti nel Trattato della pittura, sarebbero legati a quest'opera.
Raccontano come rappresentare una battaglia: come rappresentare il fumo di pezzi di artiglieria mescolati nell'aria con la polvere, come realizzare le figure dei combattimenti, i corpi dei cavalli, come trasmettere l'illuminazione di queste figure, ecc. Leonardo iniziò lavorare su cartone nella cosiddetta sala del Papa presso la Chiesa di Santa Maria Novella 24 ottobre 1503 L'autore di una biografia anonima riporta che il cartone raffigurava la Battaglia di Anghiari nel momento in cui i fiorentini si precipitano da Nicolò Poccinino, capitano di il duca di Milano Filippo. Nel febbraio 1505 Leonardo iniziò a lavorare all'affresco. Ma, dice il Vasari, «pensando di dipingere alla parete con colori ad olio, compose un impasto di tale rozza composizione per preparare il muro che quando si mise a dipingere nella detta stanza, cominciò a inumidirsi, e presto smise di lavorare , visto che si stava deteriorando”. Paolo Giovio parla di "mancanze di un intonaco che ostinatamente rifiutava di prendere colori diluiti con olio di noce". Secondo l'autore di una biografia anonima, Leonardo apprese la ricetta da Plinio, ma "la capiva male". Non è proprio così, è molto più probabile che il grande artista abbia sperimentato da solo. Secondo lo stesso autore anonimo, “prima di dipingere il quadro sulla parete, Leonardo attivò un grande fuoco nella brace, che con il suo calore avrebbe dovuto aspirare umidità dalla materia nominata e asciugarla. Poi si mise a lavorare al suo quadro nell'ingresso, e sotto, dove arrivava il fuoco, il muro era asciutto, ma al piano di sopra, dove, a causa della grande distanza, il calore non arrivava, il muro era umido. L'esperimento di Leonardo finì con un fallimento. E la stessa interpretazione della trama, da lui scelta, non poteva soddisfare i clienti. Come sapete, Michelangelo risulta essere il vincitore, avendo sviluppato per l'altra parete della stessa sala un episodio della guerra tra Firenze e Pisa, risalente al 1364. Più lusinghiera per il patriottismo strettamente locale dei fiorentini. La guerra tra Firenze e Pisa - del resto proprio questa contesa ha impedito la realizzazione dei grandi progetti idrotecnici di Leonardo! Potrebbe essersi ispirato a episodi della lotta tra Firenze e Milano, Firenze e Pisa? Benvenuto Cellini in seguito commise un errore, sostenendo che entrambi gli artisti dovettero rappresentare come Pisa fu presa dai fiorentini, scegliendo solo momenti diversi dello stesso evento storico: “lo stupefacente Leonardo da Vinci” raffigurava “una battaglia a cavallo con la cattura degli stendardi” , Michelangelo dipinse “molti fanti che, essendo estate, cominciarono a fare il bagno nell'Arno; e in quel momento finge di dare l'allarme, e questi fanti nudi corrono alle armi. «C'erano questi due cartoni», conclude Cellini, «uno a palazzo Medici, l'altro nella sala papale. Finché erano intatti, erano una scuola per il mondo intero. (La vita di Benvenuto, figlio del maestro Giovanni Cellini, fiorentino, da lui stesso scritta a Firenze. Per. M. Lozinsky, M., 1958, libro I, cap. 12, pp. 49-50). Zubov V.P., Leonardo da Vinci, Dall'Accademia delle Scienze dell'URSS, M.-L., 1962

Il secondo periodo milanese di vita e di lavoro: estate 1506 - autunno 1513.

Lavoro finito sul dipinto "Leda" . La Gioconda è stata creata in un momento in cui Leonardo da Vinci era così assorbito dallo studio della struttura del corpo femminile, dell'anatomia e dei problemi associati al parto che è quasi impossibile separare i suoi interessi artistici e scientifici. Durante questi anni, disegnò un embrione umano nell'utero e creò l'ultima di diverse versioni del dipinto "Leda" sulla trama dell'antico mito della nascita di Castore e Polluce dall'unione della ragazza mortale Leda e Zeus, che prese la forma di un cigno. Leonardo era impegnato nell'anatomia comparata ed era interessato alle analogie tra tutte le forme organiche.

Leonardo Da Vinci. Ghiaccio con un cigno. 1508 - 1515

1508-1512 - lavoro sui dipinti "Sant'Anna" e Giovanni Battista.

Leonardo Da Vinci. Giovanni Battista. 1512

L'indice della sua mano destra rivolto al cielo è un altro motivo legato all'iconografia di questo santo venuto nel mondo per predicare il pentimento, che “aprirà la strada” alla venuta del Messia. Sul viso, evidenziato dalla luce, dall'ovale acuto, quasi faunistico, incorniciato da una cascata di capelli ricci, gioca un sorriso intrigante e misterioso, che non è coerente con l'immagine di un profeta asceta che visse nel deserto e mangiò locuste e tutti i tipi di cibo selvatico. La storia di quest'opera, che rivela il manierismo o la ricerca di un linguaggio espressivo, è avvolta nel mistero. Non compare nelle fonti sotto il nome di Giovanni Battista: il Vasari parla di un "angelo" delle raccolte medicee, attribuendolo a Leonardo, e nella sua descrizione questo quadro ricorda molto Giovanni Battista. Si potrebbe pensare che la prima idea dell'artista fosse quella di raffigurare l'angelo del vangelo, se solo questo fosse coerente con una strana figura che evoca nello spettatore un sentimento di imbarazzo piuttosto che di entusiasta stupore. Ha lo stesso spirito di ironia che è caratteristico della Gioconda, ma non c'è paesaggio su cui proiettare questa ironia, che rifletta le connessioni più complesse tra uomo e natura. Per questo motivo, Giovanni Battista fa una strana, persino ambigua impressione sullo spettatore. Il quadro, intanto, appartiene certamente alla cerchia delle opere di Leonardo, e nel suo disegno è uno dei più innovativi, poiché nella figura di San Giovanni il maestro sintetizzava la sua ricerca di mezzi per esprimere i sentimenti e la natura umana nel suo insieme. Sovraccarica di simbolismo e illusioni, questa immagine sembra esistere sull'orlo del mistero e della realtà.

Sant'Anna

Periodo di vita e di lavoro romano: 1513-1516.

A Roma nel maggio 1513, sotto il nome di Leone X, fu eletto al pontificato il figlio di Lorenzo de' Medici, Giovanni.

Leone X possiede il detto: "Ci godremo il papato, se Dio ce lo ha dato". Si circondò di artisti e poeti. Raffaello e Michelangelo lavoravano per lui, ma il papa trattava Leonardo da Vinci con diffidenza. Il più vicino mecenate di Leonardo a Roma era il fratello del papa, il duca Giuliano de' Medici.

In accordo con l'interpretazione filosofica dei fenomeni che accompagnano la sua arte, da Vinci ha cercato di esprimere il proprio concetto di distruzione cosmica: l'equalizzazione, la fusione nell'unità di tutti gli elementi coincide inevitabilmente con l'armonia assoluta. Inizia e finisce la storia della creazione. Il sistema leonardiano non avrebbe potuto giungere a una conclusione più logica.

E il punto finale di una tale visione della natura può essere l'immagine di un artista dotato di intelletto e sguardo di saggio, i cui lineamenti, chiari e severi, Leonardo colse in auto ritratto , - un artista che, più in profondità di altri, ha saputo esplorare i segreti e le leggi del mondo e dei sentimenti umani ed esprimerli nel linguaggio sublime dell'arte e della pittura.

Leonardo Da Vinci. Auto ritratto. 1514 - 1516

E a questo autoritratto pare si riferisca anche la descrizione del Lomazzo: “La sua testa era ricoperta di lunghi capelli, le sue sopracciglia erano così folte e la sua barba così lunga che sembrava essere una vera personificazione di nobile cultura, che il druido Hermes e il l'antico Prometeo lo era già stato.

Gli antichi biografi di Leonardo da Vinci descrivono il suo aspetto nei tratti più attraenti:

Secondo il Vasari: "con lo splendore del suo aspetto, che mostrava la più alta bellezza, ha restituito chiarezza ad ogni anima rattristata".

Nelle parole di Anonymous: “era bello in sé, proporzionalmente complesso, grazioso, con un viso attraente. Indossava un mantello rosso che arrivava fino alle ginocchia, anche se allora erano in voga abiti lunghi. Una bella barba scendeva al centro del petto, riccia e ben pettinata. Zubov V.P., Leonardo da Vinci, Dall'Accademia delle Scienze dell'URSS, M.-L., 1962

Vinci era bello, ben fatto, aveva una grande forza fisica, era esperto nelle arti della cavalleria, dell'equitazione, della danza, della scherma, ecc. BES Brockhaus ed Efron

"...era alto, snello, bello di viso e di straordinaria forza fisica, affascinante nei rapporti con le persone, buon oratore, allegro e affabile. Amava la bellezza negli oggetti che lo circondavano, indossava con piacere abiti lucenti e apprezzava la raffinatezza piaceri". Freud 3., Leonardo da Vinci. ricordo d'infanzia

"Di ... l'amore di Leonardo per il lusso, quasi sempre al di là delle sue possibilità - per numerosi servi, cavalli purosangue, costumi originali e leggermente bizzarri, parlano tutti i suoi biografi, così come per il suo aspetto e la forza fisica eccezionalmente belli. Tradizione, piuttosto antica e testardo, sebbene non supportato da prove documentali, considera il ritratto di Leonardo nei primi anni della sua permanenza a Firenze l'immagine dell'Arcangelo Michele in un dipinto di artista ignoto (molto probabilmente Botticini o Verrocchio). Il dipinto raffigura un giovane di statura molto alta, con un viso calmo di eccezionale bellezza Questa immagine corrisponde alle descrizioni dei biografi e all'impressione generale della personalità di Leonardo, ma è improbabile che si tratti di un suo ritratto, poiché il sé senile -ritratto, che viene solitamente riprodotto dai biografi di Leonardo e raffigura una testa calva, insolitamente significativa, con barba lunga e fluente, sopracciglia folte e uno sguardo penetrante e intelligente om, non è un suo ritratto indubbio.Un bell'aspetto che si è distinto dalla massa, una forza fisica eccezionale, l'amore e la capacità di vestirsi in modo originale e luminoso, la passione per una vita ampia, ha finalmente acquisito, a quanto pare in questi giovani anni, l'amore per le feste, gli spettacoli, mascherate - queste sono le caratteristiche esterne che hanno contraddistinto il giovane studente del Verrocchio. Queste caratteristiche sono essenziali, ma non fanno che dare una cornice decorativa a quel complesso insieme di proprietà e qualità interne, che anche, senza dubbio, cominciò a formarsi nei primi anni della vita di Leonardo a Firenze.