Il sorprendente periodo del Rinascimento ha dato la storia di molti brillanti scultori e artisti. È interessante notare che le persone di talento di quel tempo possedevano proprio un dono versatile: pittura, scultura, grafica e talvolta persino architettonica. Il genio di Raffaello è più […]
.Nell'immagine si può vedere chiaramente come Raffaello sia stato influenzato dal lavoro di un altro artista, Michelangelo. Al centro della tela è raffigurato un gruppo sacro: i quattro evangelisti sono raffigurati da quattro bestie. Al centro non è vestito Dio Padre. Il suo corpo […]
L'opera fu scritta nel 1502-1503 per la pala d'altare Oddi. Un fatto interessante durante la creazione di questa tela, l'artista non ha determinato autonomamente i componenti principali dell'immagine. Allo stesso tempo, il suo tema religioso preferito nei primi […]
Rafael Santi è il creatore di capolavori, molti dei quali sono diventati un patrimonio inestimabile della cultura mondiale e della pittura d'altare. L'artista ha creato nel suo stile unico, combinando il terreno e il divino in immagini d'ispirazione immortale. Alla tomba […]
Il dipinto è realizzato con la tecnica della pittura ad olio su tavola, il suo autore è il famoso artista italiano, rappresentante della scuola umbra, Rafael Santi. La realizzazione della tela risale al 1506, a questo momentoè conservato nel fiorentino […]
Il lavoro di ritratto di Rafael Santi, per ovvi motivi, è andato in gran parte perso, tuttavia, esemplari particolarmente preziosi, come un ritratto giovanotto continuano a essere sotto la stretta supervisione della comunità artistica globale, poiché rappresentano […]
Ha creato la sua prima pittoresca Madonna all'età di 17 anni, e il suo dipinto più famoso - anche l'immagine della Vergine col Bambino, la grande "Madonna Sistina", - è conservato nella Galleria di Dresda.
Discepolato
Dicono di persone come Rafael Santi: ha vissuto una vita breve ma molto luminosa. Sì, partire a 37 anni significa privare il mondo di tanti, molti di più, dei suoi capolavori. Ad esempio, Michelangelo continuò a creare fino alla sua morte in vecchiaia. Negli occhi tristi di Raffaello sul replicato "Autoritratto" è come se si intuisse la fine tragicamente imminente della sua esistenza terrena.
Anche i genitori di Raphael non erano fegati lunghi. Il padre morì quando il ragazzo aveva solo 11 anni (ma lui, l'artista, riuscì a trasmettere le basi dell'abilità all'erede) e la madre del futuro genio del Rinascimento sopravvisse a suo marito di 7 anni.
Ora nulla lo trattenne nella natia Urbino. E Raffaello diventa uno degli allievi del maestro Perugino a Perugia. Lì incontra un altro talento della scuola umbra - Pinturicchio, gli artisti eseguono diverse opere insieme.
Primi capolavori
Nel 1504 (il pittore aveva solo 21 anni) nacque il capolavoro "Tre Grazie". La Santi si allontana gradualmente dall'imitazione della maestra e acquisisce uno stile tutto suo. Allo stesso periodo appartiene anche la Madonna Conestabile in miniatura. Questo è uno dei due dipinti del maestro conservati in Russia (nella collezione Hermitage). La seconda è “Madonna con Giuseppe imberbe” (altro nome è “Sacra Famiglia”).
La conoscenza dei "pilastri" del Rinascimento - Michelangelo Buonarotti e Leonardo da Vinci ha notevolmente arricchito il "bagaglio" del pittore alle prime armi. Accadde nell'allora quasi "capitale dell'arte italiana" Firenze. L'influenza di Leonardo si fa sentire nel ritratto della Dama con l'Unicorno. È incredibile vedere un minuscolo animale con una sola corna (più familiari alla vista sono i cinematici cavalli chic dalla criniera bianca con un corno in fronte), seduto tranquillamente in grembo a una ragazza bionda (precisamente ragazze - secondo la leggenda, gli unicorni divenne addomesticato solo con le vergini). Il periodo fiorentino è segnato dalla creazione di due dozzine di Madonne. Probabilmente, il tema dell'amore materno era molto vicino a Raffaello - dopotutto, ha perso presto questa benedizione.
La migliore opera di Raffaello
Una delle opere più famose di Raffaello Santi fu realizzata a Roma, dove il pittore si trasferì nel 1508. L'affresco "La Scuola di Atene" (che adorna il Palazzo Apostolico Vaticano) è una composizione molto complessa (sulla tela sono raffigurati più di 50 eroi). Al centro sono i saggi Platone e Aristotele, il primo proclama il primato dello spirituale (alzando la mano al cielo), il secondo è un aderente del terreno (indica il pavimento). Nei volti di alcuni personaggi si intuiscono i lineamenti degli amici dell'autore (Platone da Vinci, Eraclito-Michelangelo), e lui stesso appare sotto forma di Tolomeo.
Tra le decine di Madonne romane di Raffaello, la più toccante e famosa di tutte le immagini esistenti della Madre di Dio è la Madonna Sistina. “Un pezzo di cielo, un ponte di nuvole - e la Madonna scende da noi con te. Strinse a sé suo figlio così amorevolmente, proteggendolo dai nemici...». La figura principale sulla tela, ovviamente, è Maria. Lei, con in braccio un bambino insolitamente serio, viene accolta da Santa Barbara e da Papa Sisto II con il nome "criptato" nella mano destra (guarda più da vicino - ha 6 dita su di essa). Sotto, una coppia di angeli grassocci flemmatici ammirava la madre e il bambino. È impossibile staccarsi dai suoi occhi ansiosi.
Amore di tutta la vita
Nelle vesti del personaggio principale della "Madonna Sistina" puoi riconoscere l'amore per la vita del grande creatore italiano - passò alla storia con il soprannome di "Fornarina". La traduzione letterale della parola è "panetteria". La bellezza Margherita Liuto è cresciuta davvero in una famiglia di fornai. Come modella e amato Raffaello, la ragazza è rimasta lunghi anni fino alla morte dell'artista.
I suoi bei lineamenti si possono ammirare nel "Ritratto di giovane donna" (altrimenti detta "Fornarina"), datato 1519. Già dopo la morte del maestro (avvenuta un anno dopo), uno dei più famosi allievi di Raffaello, Giulio Romano, dipinse su una donna su tela un braccialetto con il nome dell'autore. Un'altra famosa rappresentazione della Musa è "Donna Velato" ("La Dama Velata"). Vedendo la 17enne Margherita, Rafael se ne innamorò senza memoria e la comprò dal padre. Molti esponenti della Boemia dell'epoca erano omosessuali (il Rinascimento era generalmente caratterizzato dal trionfo sfrenato della carne), ma Santi era un'eccezione.
Due versioni della morte
Una delle leggende sulla sua morte racconta che la morte colse l'artista nel letto di Fornarina. Lo stesso pettegolezzo malvagio afferma: la ragazza non era fedele al suo amante. E dopo la sua partenza prematura, avendo ricevuto una considerevole fortuna, continuò tuttavia sulla sua natura viziosa e divenne una delle famose cortigiane di Roma.
Ma gli ammiratori del talento del pittore aderiscono a una versione diversa: la febbre lo portò nella tomba. E l'amore della coppia Rafael-Fornarina potrebbe essere invidiato da molti. Dopo la morte del marito celibe, prese la tonsura e sopravvisse brevemente al maestro, considerandosi la sua vedova.
Il talento di Raffaello era multiforme. Si mostrò architetto, poeta. E uno dei suoi disegni ha lasciato l'asta di Sotheby's alla fine del 2012 per un prezzo record di 29.721.250 sterline inglesi.
Legno, olio. 43 x 34 cm Accademia Carrara, Bergamo
In questa foto, una posa aggraziata nello stile Perugino e la velata trasparenza del colore, caratteristica di Francesco Franchi, si combinano in modo tale da creare lo stile originale di Raffaello stesso. Dal momento di questo lavoro inizia a manifestarsi la sua capacità di creare forme chiare ed equilibrate, così come la capacità di tradurre in modo discreto e armonioso gli elementi formali di altri pittori in una visione chiara e pacata - caratteristica principale del suo temperamento artistico - .
Raffaello. San Sebastiano, 1501-1502
San Sebastiano tiene una freccia in questo dipinto di Raffaello, che ricorda i dettagli del suo martirio. Il mignolo del santo è sollevato con grazia. Sebastian è vestito con un magnifico mantello rosso e una camicia ricamata d'oro, i suoi capelli sono elegantemente acconciati. Non c'è nulla nella sua figura che possa ricordare i tormenti che ha subito questo santo. Questa è una tipica opera giovanile, unanimemente associata a Raffaello. Con la sua bellezza decorativa e l'atmosfera elegiaca, questo dipinto ricorda molto l'opera del Perugino.
Raffaello. San Sebastiano, 1501-1502. Dettaglio
Raffaello. Pala dei Baronci, 1500-1501
Dio Padre e Vergine Maria. Frammento della pala d'altare dei Baronci
Legno, olio 112 x 75 cm (Dio), 51 x 41 (Vergine Maria). Museo Nazionale di Capodimonte, Napoli
Molto fruttuoso fu il soggiorno di Raffaello a Città di Castello, un piccolo paese vicino a Urbino, nei primi anni del Cinquecento. Lì creò tre lussuosi altari per varie chiese. Il primo ordine documentato di Raffaello - datato 10 dicembre 1500 - fu realizzato per l'altare nella cappella Andrea Baronci della chiesa di Sant'Agostino in Città di Castello. L'altare era dedicato all'incoronazione di Nicola da Tolentinsky, un eremita agostiniano del XIII secolo che non fu canonizzato fino al 1446, anche se il suo culto divenne popolare molto presto.
Raffaello. Dio Padre e Vergine Maria. Frammento della pala d'altare dei Baronci, 1500-1502
L'altare fu gravemente danneggiato durante il terremoto del 1789. Il dipinto di Raffaello, gravemente danneggiato, fu rimosso dalla sua sede originaria e venduto Papa Pio VI, che ordinò di tagliare i pannelli in più pezzi. Due di loro sono mostrati nella figura sopra. Dal 1849 le parti superstiti della pala d'altare dei Baronci sono conservate in varie collezioni.
Angelo (1). Frammento della pala d'altare dei Baronci, 1500-1501
Secondo gli studi sui dipinti di Raffaello effettuati dagli scienziati del Museo di Belle Arti di Lille, questa figura di angelo si trovava nell'angolo in basso a sinistra dell'altare, accanto a San Nicola da Tolentino. La grande modellazione della testa di un angelo e l'espressione estatica del suo volto, con lo sguardo rivolto verso l'alto, sono caratteristici di alcune delle prime opere di Raffaello.
Angelo (2). Frammento della pala d'altare dei Baronci, 1500-1501
In questa parte della pala dei Baronci è raffigurato un solo angelo, ma una copia parziale dell'altare realizzato nel '700 in Città di Castello, nonché una descrizione del 1789, mostrano che una coppia di angeli stava ai lati della figura principale.
Questo angelo si trovava a destra e non guardava il santo al centro, ma una figura dal bordo dell'immagine.
Raffaello. Angelo. Frammento della pala d'altare dei Baronci, 1500-1501
Raffaello. crocifissione. Altare in Città di Castello. 1502-1503
Legno, olio. 281 x 165 cm National Gallery, Londra
La presenza dei motivi del Perugino è ancora abbastanza evidente nella Crocifissione di Raffaello, 1502-1503, ora alla National Gallery di Londra. Il dipinto raffigura il Cristo crocifisso con la Vergine Maria, San Girolamo, Maria Maddalena e Giovanni Evangelista. La "Crocifissione" era la parte centrale dell'altare realizzato per la chiesa di San Domenico in Città di Castello. Questa è la prima opera firmata da Raffaello. La firma "disegnata da Raffaello da Urbino" ne conferma pienamente la paternità.
Raffaello. crocifissione. Altare in Città di Castello. 1502-1503
La composizione della "Crocifissione" è vicina ad altre tavole sullo stesso tema, eseguite dal Perugino - come l'imponente Pala Chigi per Sant'Agostino a Siena. Ma il rigoroso equilibrio dei gesti, che distingue le figure dei dipinti di Raffaello dalle pose sentimentali e semplici del Perugino, separa nettamente il giovane allievo dal suo maestro. I volti sono trattati con chiaroscuro chiaro e, di conseguenza, sono più aggraziati di quelli del Perugino. Così Raffaello - sebbene non sia ancora disposto e forse incapace di superare l'influenza del Perugino - mostra nel dipinto "La Crocifissione" il proprio magazzino spirituale. Ha uno straordinario senso delle proporzioni e nitidezza della percezione visiva. Ciò diventa ancor più evidente nelle due parti della predella, incorniciate da storie della vita di San Girolamo. Uno di questi è conservato nella Collezione Cook (Richmond) e l'altro nella Galleria di Lisbona.
Raffaello. Altare di Oddi, 1502-1503
L'ordine di Maddalena Oddi per il dipinto "L'Incoronazione della Madonna", originariamente destinato alla chiesa di S. Francesco sul Monte a Perugia, fu ricevuto per la prima volta dal Perugino. Ma lo ha passato al suo allievo, Raphael.
Raffaello. Incoronazione della Madre di Dio. Altare di Oddi, 1502-1503
L'altare combina due scene comuni nell'iconografia del Quattrocento: l'incoronazione della Madre di Dio (che occupa la parte superiore del quadro) e il Dare la fascia della Vergine a San Tommaso (la parte inferiore), episodio tradizionalmente associato con la Dormizione. Secondo la leggenda, all'Assunzione della Madre di Dio, tra gli apostoli che si radunarono a Gerusalemme per la sua sepoltura, non c'era Tommaso. Si rammaricò amaramente di non essere stato onorato di essere agli ultimi minuti della vita terrena della Purissima Vergine e di non aver ricevuto la sua benedizione. Il terzo giorno dopo l'Assunzione, la Madre di Dio apparve a Tommaso e, come consolazione, gli diede la sua cintura. Fu dato a due pie vedove di Gerusalemme e fu custodito in Palestina di generazione in generazione.
Raffaello. Incoronazione della Madre di Dio. Altare di Oddi. Parte in alto composizioni. 1502-1503
Le scene dell'incoronazione e della consegna della cintura a Tommaso rimangono separate nel dipinto di Raffaello, forse a causa dell'incertezza del giovane Raffaello sulla sua capacità di creare un'intera grande composizione. Tuttavia, le forme pittoriche di Raffaello appaiono qui già molto mature, e alcune innovazioni prospettiche - ad esempio la rappresentazione diagonale della tomba della Madonna - contrastano con le tradizionali tecniche compositive del Quattrocento.
Raffaello. Incoronazione della Madre di Dio. Altare di Oddi. Il fondo della composizione. 1502-1503
La composizione dell'altare di Oddi è suddivisa orizzontalmente nelle sfere celeste e terrena. La parte superiore raffigura Cristo che incorona sua madre, che Raffaello depose sopra il suo sarcofago vuoto. Il contrasto tra la sua scomparsa e la comparsa di fiori miracolosi al posto del corpo della Madre di Dio colpisce gli apostoli raccolti attorno alla massiccia bara di pietra in fondo al pannello.
Raffaello. Annunciazione. Altare di Oddi. Predella. 1502-1503
Gli schizzi pervenutici mostrano l'enorme lavoro svolto da Raffaello durante la creazione di questo pannello. Alcuni dettagli, in particolare i volti altamente individualizzati degli apostoli e il sereno paesaggio sullo sfondo, sono dipinti con grande maestria.
Raffaello. Adorazione dei Magi. Altare di Oddi. Predella. 1502-1503
Ma le più significative sono le scene della predella, che si compone di tre dipinti di 27×50 cm: un ampio vano che si apre sotto i colonnati dell'Annunciazione (lato sinistro della predella); la sentita Adorazione dei Magi (al centro); trasferimento gratuito delle sfumature dell'atmosfera nella scena dell'Entrata nel Tempio (lato destro). Tutto ciò prefigura la straordinaria intuizione spaziale delle future composizioni vaticane di Raffaello.
Raffaello. Introduzione al Tempio. Altare di Oddi. Predella. 1502-1503
Raffaello. Fidanzamento della Vergine Maria. 1504
Tavola, olio. 170 x 117. Pinacoteca di Brera. Milano
Il fidanzamento della Vergine Maria è uno dei dipinti più famosi e venerati di Raffaello. Segna il suo passaggio dall'apprendistato con il Perugino al grado di uno dei più importanti maestri del Rinascimento italiano. "Il fidanzamento della Vergine Maria" fu scritto poco prima del viaggio di Raffaello a Firenze.
Il dipinto "Lo Sposalizio della Vergine Maria" fu commissionato dalla famiglia Albizzini per la cappella di S. Giuseppe nella chiesa minorita di San Francesco in Città di Castello. Durante l'era rivoluzionaria Guerre napoleoniche ha cambiato più volte proprietario fino a quando è finita nella famosa Pinacoteca di Brera a Milano.
Raffaello. Il fidanzamento della Vergine Maria. 1504
Nello scrivere questo "Fidanzamento della Vergine Maria", Raffaello si ispirò a due composizioni del Perugino: il famoso dipinto "Cristo porge a San Pietro le chiavi del paradiso" tratto dal ciclo di affreschi della Cappella Sistina e la tavola "Le nozze della Vergine Maria”. Sul fregio del tempio, raffigurato nella profondità del quadro, c'è la firma di Raffaello e la data -1504.
In primo piano, Giuseppe Promessi Sposi pone solennemente un anello al dito della Vergine, e tiene in mano un simbolo della sua elezione: un bastone di legno che è sbocciato, mentre gli altri corteggiatori li hanno lasciati all'asciutto.
Raffaello. Il fidanzamento della Vergine Maria. Maria. 1504
tempio in stile poligonale Bramante crea una prospettiva sfuggente in questo dipinto di Raffaello. È il centro di un sistema a raggiera costituito da gradini, un portico, contrafforti, un tamburo - e prolungato da un selciato. Un gruppo di invitati al matrimonio ripete questo ritmo circolare. Le tre figure principali si trovano in primo piano, e le altre in profondità, allontanandosi progressivamente dall'asse centrale, indicato dall'anello che Giuseppe mette al dito della Vergine.
Raffaello. Il fidanzamento della Vergine Maria. Tempio. 1504
La pianta del dipinto di Raffaello ricorda chiaramente le due suddette opere del Perugino. Ma lo spazio di Raffaello è apertamente più forte e la prospettiva è mostrata molto meglio di quella del suo maestro.
Raffaello. Tre Grazie. 1504-1505
Tavola, olio. 17 x 17 cm Museo Condé, Chantilly
La crescita della potenza pittorica dei dipinti di Raffaello dopo il suo arrivo a Firenze è chiaramente visibile nei dipinti Il sogno del cavaliere e Le tre Grazie. Questi due pannelli potrebbero aver formato un unico dittico presentato da Scipione di Tommaso Borghese. Il tema del quadro potrebbe essere mutuato dal poema "Punica" del poeta Silius Italic. Nel primo pannello, il cavaliere dormiente Scipione deve scegliere tra Venere (piacere) e Minerva (virtù). Sul secondo, le Grazie premiano la sua scelta di virtù con le mele d'oro delle Esperidi. L'origine classica di questo tema riflette l'influenza su Raffaello dell'ambiente umanista fiorentino.
Raffaello. Tre Grazie. 1504-1505
In questo dipinto, un giovane cavaliere dorme sotto un albero di alloro, che divide il dipinto in due parti uguali. In ciascuna delle due metà, Raffaello dipinse una giovane donna. La sinistra personifica la virtù e tiene un libro e una spada sul cavaliere addormentato. Quello di destra porge un fiore al cavaliere addormentato, un simbolo di piacere sensuale. Una possibile interpretazione di Raffaello dell'allegoria raffigurata nel quadro: il compito di un giovane è quello di bilanciare armoniosamente entrambi i lati della vita.
Raffaello. Allegoria (Sogno di un cavaliere). OK. 1504
Raffaello. San Giorgio e il drago. 1505-1506
Legno, olio. 28,5 x 21,5. Galleria Nazionale d'Arte, Washington
I dipinti di Raffaello sul tema delle battaglie di San Michele e San Giorgio con il drago sono collegati tra loro da temi ed elementi stilistici. In essi si nota chiaramente l'influenza su Raffaello dei grandi maestri fiorentini della vecchia generazione, in particolare di Leonardo da Vinci, la cui tela "Battaglia di Anghiari" (1505), che non ci è pervenuta nell'originale, ha dato un brillante esempio di arte su tema militare. Ma il collegamento di questi dipinti di Raffaello con la pittura fiamminga è evidente, soprattutto con Hieronymus Bosch(luce intensa e mostri umanoidi nella scena di "San Michele").
Raffaello. San Giorgio e il drago. 1505-1506
Raffaello. San Michele e il drago. 1503-1505
Legno, olio. 31 x 27 cm Museo del Louvre, Parigi
In questo dipinto di Raffaello, San Michele, in piedi nel mezzo di un paesaggio cupo con in lontananza una città in fiamme, sta per uccidere il diavolo rovesciato a terra con un colpo di spada. I mostri che strisciano su tutti i lati ricordano i disegni di Hieronymus Bosch e le figure nella parte centrale del quadro resuscitano le scene dell'Inferno da Divina Commedia Dante. A sinistra, Raffaello dipinge ipocriti in vesti di piombo, condannati a seguire il loro doloroso cammino, e a destra, ladri tormentati dai serpenti.
Raffaello. San Michele e il drago. 1503-1505
La fantasia di Raffaello è ricca nei dettagli di questo dipinto, ma molto più equilibrata nella figura stessa di San Michele Arcangelo, centro di tutta la composizione. Il senso dell'equilibrio e dell'armonia spirituale insiti in Raffaello è stato sviluppato in altri due pannelli relativi alla lotta del drago di San Giorgio. Lì, un paesaggio morbido, eseguito nello stile della scuola umbra familiare al primo Raffaello, trasmette calma al personaggio principale, in contrasto con la drammaticità generale del tema.
Raffaello. San Giorgio che uccide il drago (Piccolo San Giorgio). 1503-1505
Legno, olio. 29 x 25 cm Museo del Louvre, Parigi
Per maggiori dettagli, vedere un articolo separato di Raphael "Saint George"
Avendo ricevuto nel 1504 l'Ordine della Giarrettiera da Re Enrico VII d'Inghilterra, il duca di Urbino Guido da Montefeltro, in dono per il monarca britannico, ordinò a Raffaello un dipinto sul tema dell'impresa di San Giorgio. La consegna in Inghilterra gli fu affidata da Baldassarre Castiglione, l'autore del celebre trattato “Sul cortigiano” in quei giorni.
San Giorgio è uno dei santi cristiani più popolari e il santo patrono dell'Inghilterra. Secondo un'antica pia leggenda, un drago si stabilì in una palude fuori le mura di una città, uccidendo i passanti con soffio di fuoco. Per placare il drago, la città gli mandava diverse pecore al giorno. Quando non c'erano più pecore, i figli e le figlie dei cittadini locali furono mandati al mostro. Il guerriero cristiano San Giorgio, di passaggio, vide la fanciulla in lacrime, si affidò a Dio e trafisse il drago con una lancia. La lancia si ruppe, ma il coraggioso cavaliere continuò a combattere con la spada del drago. Lo uccise e salvò la ragazza dalla morte.
Raffaello. San Giorgio che uccide il drago (Piccolo San Giorgio). 1503-1505
Il dipinto di Raffaello "San Giorgio che uccide il drago" è stato esposto in tandem con il suo "San Michele". Entrambi i dipinti erano della stessa dimensione e stile simile. Ciò ha portato all'idea che Raffaello li abbia scritti come un unico dittico.
Raffaello. Cristo benedice. 1505-1506
Pannello, olio. 32 x 25. Pinacoteca Tosio Martinengo, Brescia
Nel dipinto di Raffaello "Cristo benedicente" l'influenza di Leonardo da Vinci è molto sentita. Qui è raffigurato Cristo che risorge dal sepolcro. A differenza dei pannelli del XIV e XV secolo dello stesso tema, la cosa principale in questa immagine non è un sentimento di compassione, ma il trionfo di Cristo risorto. Porta ancora i simboli della Passione: la Corona di Spine ei segni dei chiodi con cui le sue mani e i suoi piedi erano inchiodati alla croce.
Raffaello. Cristo benedice. 1505-1506
L'influenza su Rafael Perugino sta quasi svanendo. La figura di Cristo è la levigatezza delle superfici e la morbida modellazione di luci e ombre, in cui Raffaello supera nettamente il suo maestro.
Raffaello. Santa Caterina d'Alessandria. 1508
Legno, olio. 71,1 x 54,6 cm National Gallery, Londra
Metà dipinto per culto personale, metà opera da collezione, "Caterina d'Alessandria" fu probabilmente dipinto poco prima della partenza di Raffaello per Roma. È dominato dall'influenza non del Perugino, ma di Leonardo da Vinci, che perfezionò la cosiddetta postura "serpentina" - con le curve del corpo attorno ai propri assi. Dona movimento, grazia e tridimensionalità anche a figure statiche. Per rendere naturale questa posizione innaturale, Raffaello raffigura Santa Caterina con la testa rivolta verso l'alto e a sinistra - in estatica comunione con i sottili raggi dorati della luce divina che discende dal cielo.
Raffaello. Santa Caterina d'Alessandria. 1508
La mano sinistra di Caterina d'Alessandria poggia sull'attributo del suo martirio: la ruota. Mano destra premuto al petto. Il santo guarda il cielo pieno di luce. La composizione è ricca di movimenti armoniosi, la sua combinazione di colori è piena e varia.
Il paesaggio di questo dipinto di Raffaello è stato scritto con grande cura. Il suo chiaroscuro indica anche l'influenza di Leonardo, sebbene le montagne frastagliate caratteristiche dei paesaggi di da Vinci siano assenti. La squisita modellazione della figura di Caterina d'Alessandria, la leggera torsione del suo corpo nel momento in cui si appoggia alla ruota del suo martirio (sulla quale le punte sono sostituite da protuberanze arrotondate per ammorbidire l'elemento della crudeltà) ben riflettono l'equilibrio natura dell'arte di Raffaello. "Caterina d'Alessandria" testimonia chiaramente l'instancabile ricerca della forma che sta alla base della creatività figurativa di Raffaello. Si astiene sempre dal suscitare emozioni che ritiene troppo forti, ammorbidendo i toni e gli elementi del tema dei dipinti alla ricerca della perfetta armonia di equilibrio tra figura, colore, postura ed espressione sensuale, nonché tra elementi principali e decorativi.
Rafael Santi (Urbino, 28 marzo 1483 – Roma, 6 aprile 1520) è stato un grande pittore, grafico e architetto italiano, rappresentante della scuola umbra.
Tra le prime opere "Lo stendardo con l'immagine della Santissima Trinità" (1499-1500 circa) e la pala d'altare "Incoronazione di S. Nicola da Tolentino" (1500-1501) per la chiesa di Sant'Agostino in Città di Castello.
Nel 1501 Raffaello giunse nella bottega di Pietro Perugino a Perugia, quindi i primi lavori furono realizzati nello stile del Perugino.
In questo periodo, lascia spesso Perugia per casa a Urbino, a Città di Castello, insieme a Pinturicchio visita Siena, esegue una serie di opere su ordini di Città di Castello e Perugia.
Nel 1502 appare la prima Madonna di Raffaello: "Madonna Solly", Madonna Raphael scriverà per tutta la vita.
I primi dipinti non religiosi sono Il sogno del cavaliere e Le tre Grazie (entrambi intorno al 1504).
A poco a poco, Raffaello sviluppa il proprio stile e crea i primi capolavori: "Il fidanzamento della Vergine Maria a Giuseppe" (1504), "L'incoronazione di Maria" (circa 1504) per l'altare di Oddi.
Oltre ai grandi dipinti d'altare, dipinge piccoli dipinti: Madonna Conestabile (1502-1504), San Giorgio che uccide il drago (1504-1505 circa) e ritratti - Ritratto di Pietro Bembo (1504-1506).
Nel 1504, ad Urbino, conosce Baldassar Castiglione.
Alla fine del 1504 si trasferì a Firenze. Qui conobbe Leonardo da Vinci, Michelangelo, Bartolomeo della Porta e molti altri maestri fiorentini. Studia attentamente la tecnica pittorica di Leonardo da Vinci, Michelangelo. Un disegno di Raffaello dal dipinto perduto di Leonardo da Vinci "Leda e il cigno" e un disegno da "S. Matteo" Michelangelo. "... le tecniche che vide nelle opere di Leonardo e Michelangelo lo fecero lavorare ancora di più per trarne benefici senza precedenti per la sua arte e il suo modo."
Il primo ordine a Firenze viene da Agnolo Doni per i ritratti di lui e della moglie, quest'ultimo scritto da Raffaello sotto la chiara impronta della Gioconda. Fu per Agnolo Doni che Michela Angelo Buonarroti realizzò in quel tempo il tondo Madonna Doni.
Raffaello dipinge le pale d'altare "Madonna in trono con Giovanni Battista e Nicola di Bari" (1505 circa), "La Deposizione" (1507) e i ritratti - "Dama con unicorno" (1506-1507 circa).
La popolarità di Raffaello è in costante crescita, riceve molti ordini per immagini di santi - "La Sacra Famiglia con S. Elisabetta e Giovanni Battista" (1506-1507 circa). "Sacra Famiglia (Madonna con Giuseppe imberbe)" (1505-1507), "S. Caterina d'Alessandria" (1507-1508 circa).
A Firenze Raffaello creò circa 20 Madonne. Sebbene le trame siano standard: la Madonna o tiene in braccio il Bambino, oppure gioca accanto a Giovanni Battista, tutte le Madonne sono individuali e hanno un fascino materno speciale (a quanto pare, la morte prematura della madre ha lasciato un segno profondo nell'opera di Raffaello anima).
La crescente fama di Raffaello porta ad un aumento degli ordini di Madonne, realizza la Madonna Granduk (1505), la Madonna con Garofani (1506 circa), la Madonna a baldacchino (1506-1508). A le migliori opere Questo periodo comprende "Madonna Terranuova" (1504-1505), "Madonna con cardellino" (1506), "Madonna col Bambino e Giovanni Battista ("Bella giardiniera") (1507-1508).
Nella seconda metà del 1508 Raffaello si trasferì a Roma (dove avrebbe trascorso il resto della sua vita) e, con l'aiuto del Bramante, divenne artista ufficiale della corte pontificia. Fu incaricato di affrescare la Stanza della Senyatura. Per questa strofa, Raffaello dipinge affreschi che riflettono quattro tipi di attività intellettuale umana: teologia, giurisprudenza, poesia e filosofia: "Disputa" (1508-1509), "Giustizia" (1511) e il più eccezionale "Parnaso" (1509-1510 ) e "Scuola di Atene" (1510-1511).
Il Parnaso raffigura Apollo con nove muse, circondato da diciotto famosi poeti greci, romani e italiani. “Così, sulla parete di fronte al Belvedere, dove si trovano il Parnaso e la sorgente di Helikon, scrisse sulla cima e sui pendii della montagna un ombroso boschetto di allori, nel cui verde si sente, per così dire, il battito d'ali di foglie che ondeggiano sotto la brezza più dolce delle brezze, mentre nell'aria - infiniti amorini nudi, con l'espressione più affascinante sui loro volti, strappano rami di alloro, intrecciandoli in ghirlande, sparpagliati da loro per tutta la collina, dove tutto è sventagliato con un soffio veramente divino, sia la bellezza delle figure, sia la nobiltà del dipinto stesso, guardando ciò che considera chi è nel modo più attento di lei, si dà lo stupore come il genio umano, con tutta l'imperfezione di una semplice pittura, ottenere che, grazie alla perfezione del disegno, l'immagine pittorica sembrava viva.
La "Scuola di Atene" è una composizione a più figure (circa 50 caratteri) brillantemente eseguita, che presenta filosofi antichi, molti dei quali Raffaello ha dato le caratteristiche dei suoi contemporanei, ad esempio Platone è scritto a immagine di Leonardo da Vinci, Eraclito nell'immagine di Michelangelo, e in piedi sul bordo destro Tolomeo è molto simile all'autore dell'affresco. “Mostra i saggi di tutto il mondo, che discutono tra loro in ogni modo... Tra loro c'è Diogene con la sua ciotola, sdraiato sui gradini, figura molto premurosa nel suo distacco e degna di lode per la bellezza e per i vestiti così adatto a lei ... La bellezza ma gli astrologi e i geometri sopra citati, che disegnano ogni sorta di figure e segni sulle tavolette con un compasso, è davvero inesprimibile.
A papa Giulio II piacque molto l'opera di Raffaello, anche quando non era ancora finita, e il papa ordinò al pittore di dipingere altre tre stanze, e gli artisti che avevano già iniziato a dipingere lì, tra cui Perugino e Signorelli, furono rimossi dal lavoro. Considerando l'enorme mole di lavoro da fare, Rafael ha reclutato studenti che, secondo i suoi schizzi, hanno completato più ordine, la quarta strofa di Konstantin - completamente dipinta dagli studenti.
Nella Stanza Eliodoro furono creati "La cacciata di Eliodoro dal tempio" (1511-1512), "Messa a Bolsena" (1512), "Attila sotto le mura di Roma" (1513-1514), ma il più riuscito fu il affresco "La liberazione dell'apostolo Pietro dalle segrete" (1513-1514). “Non meno arte e talento sono mostrati dall'artista nella scena in cui S. Pietro, liberato dalle sue catene, esce di prigione, accompagnato da un angelo... E poiché questa storia è raffigurata da Raffaello sopra la finestra, l'intera parete risulta essere più scura, poiché la luce acceca lo spettatore guardando l'affresco . La luce naturale che cade dalla finestra contrasta in modo così efficace con le sorgenti luminose notturne raffigurate che sembra di vedere davvero, sullo sfondo dell'oscurità della notte, sia la fiamma fumante della torcia che lo splendore dell'angelo, trasmessi in modo così naturale e così sincero che non si può mai dire che questa è solo pittura: tale è la persuasione con cui l'artista ha incarnato il piano più difficile. Infatti, sull'armatura si possono distinguere le proprie, e le ombre cadenti, e i riflessi, e il calore fumoso della fiamma, che si stagliano sullo sfondo di un'ombra così profonda, che si può davvero considerare Raffaello il maestro di tutti gli altri artisti, che ha raggiunto nell'immagine della notte una tale somiglianza che la pittura non aveva mai raggiunto prima. ."
Anche Leone X, che sostituì Giulio II nel 1513, stimava molto Raffaello.
Negli anni 1513-1516 Raffaello, per ordine del papa, fu impegnato nella fabbricazione di scene di cartone della Bibbia per dieci arazzi, destinati alla Cappella Sistina. Il cartone di maggior successo è "Wonderful Catch" (un totale di sette cartoni è arrivato fino ai nostri giorni).
Un altro ordine del papa era la loggia che si affacciava sul cortile interno del Vaticano. Secondo il progetto di Raffaello, furono eretti nel 1513-1518 a forma di 13 arcate, in cui, secondo i bozzetti di Raffaello, furono dipinti dagli studenti 52 affreschi di soggetto biblico.
Nel 1514 morì Bramante e Raffaello divenne il capo architetto della Basilica di San Pietro, che in quel periodo era in costruzione. Nel 1515 ricevette anche la carica di curatore capo delle antichità.
Nel 1515 Dürer arrivò a Roma e ispezionò le stanze. Raphael gli dà il suo disegno, in risposta, l'artista tedesco ha inviato a Raphael il suo autoritratto, il cui ulteriore destino è sconosciuto.
Nonostante sia impegnato con i lavori in Vaticano, Raffaello esegue gli ordini delle chiese per creare pale d'altare: "Santa Cecilia" (1514-1515), "Portare la Croce" (1516-1517), "Visione di Ezechiele" (1518 circa).
L'ultimo capolavoro del maestro è la maestosa "Trasfigurazione" (1518-1520), quadro in cui sono visibili tratti barocchi. Nella parte superiore, Raffaello, secondo il Vangelo sul monte Tabor, raffigura il miracolo della trasfigurazione di Cristo davanti a Pietro, Giacomo e Giovanni. La parte inferiore del dipinto, con gli apostoli e il giovane indemoniato, fu completata da Giulio Romano su bozzetti di Raffaello.
Raphael Santi è un uomo con un destino incredibile, il pittore più segreto e bello del Rinascimento. I governanti d'Italia invidiavano il talento e la mente del brillante pittore, i rappresentanti del sesso debole lo adoravano per la sua disposizione allegra e l'attrattiva angelica, e per la sua gentilezza e generosità, gli amici chiamavano l'artista il messaggero del paradiso. Tuttavia, i Contemporanei non sospettarono che il generoso Raffaello avesse paura fino alla fine dei suoi giorni che la sua mente cadesse nell'abisso della follia.
La storia ha sempre un inizio e una continuazione. Così il 6 aprile 1483, nel piccolo centro del Regno d'Italia di Urbino, nella casa del pittore di corte dei Duchi di Urbino e del poeta Giovanni Santi, il grande Raffaele Santi.
Giovanni Santi dirigeva la più famosa bottega d'arte di Urbino. La tragedia in cui ha perso la sua amata moglie e madre è avvenuta di notte nella sua casa. Mentre l'artista si trovava a Roma, dove dipinse un ritratto di papa Giovanni II, suo fratello Niccolò, in un impeto di follia, uccise l'anziana madre e ferì gravemente la incinta Maggia, moglie dell'artista. Le guardie giunte sul luogo del delitto hanno arrestato il malvivente, che però è riuscito a fuggire. Preso da una paura folle, Niccolò si gettò dal ponte nel fiume ghiacciato. I soldati si fermarono sulla riva e cercarono di ripescare il corpo, quando il Maggia Santi aveva già partorito un bambino ed era morta per le ferite riportate. Giovanni venne a conoscenza del problema dai mercanti itineranti. Lasciò tutto e corse a casa. Ma amici e vicini hanno già battezzato il ragazzo Raffaello seppellì sua moglie e sua madre.
L'infanzia del grande artista è stata molto felice e spensierata. Giovanni Santi, dopo aver vissuto una terribile tragedia, ha messo tutte le sue forze in Raffaello, proteggendolo da preoccupazioni e guai mondo reale, ha segnalato possibili errori e corretto quelli già commessi. Raffaello fin dall'infanzia studiò solo con i migliori maestri, suo padre nutriva grandi speranze per lui, infondendogli il gusto per la pittura. I primi giocattoli Raffaello c'erano colori e pennelli della bottega di mio padre. E all'età di sette anni Raffaele Santi ha espresso le sue fantastiche fantasie magiche nella bottega del pittore di corte - nella bottega di suo padre. Presto Giovanni si risposò con Bernardine Parte, figlia di un orafo. Dal secondo matrimonio nacque una figlia, Elisabetta.
Ogni giorno il ragazzo portava sempre più gioia. Giovanni ha osservato come suo figlio pensa e agisce nel suo mondo immaginario, e come queste mani deboli e ancora goffe esprimono tutto sulla tela. Capì quel talento e le capacità soprannaturali Raffaello molto più degno dei suoi, così diede al ragazzo di studiare con il suo amico, l'artista Timoteo Viti.
Durante dieci anni di studio Raffaello Per la prima volta si discosta dai canoni del ritratto italiano classico del Rinascimento e padroneggia quel gioco unico di colori e colori, che oggi è un mistero per artisti e storici dell'arte di tutto il mondo.
Nel 1494 da attacco di cuore muore il padre di un piccolo genio, e per decisione del magistrato cittadino, il ragazzo rimane alle cure della famiglia del mercante di patatine fritte Bartolomeo. È stato fratello minore l'artista Giovanni e, a differenza del pazzo Niccolò, era socievole, aveva un carattere premuroso, allegro e gentile, non rimaneva indifferente ed era sempre pronto ad aiutare chi ne aveva bisogno. Questo bonario mercante adorava suo nipote, un orfano e non risparmiava denaro per la sua formazione nella pittura.
Già all'età di diciassette anni, creò facilmente opere brillanti e di talento che ancora deliziano i suoi contemporanei. Nel novembre del 1500 un giovane diciassettenne lasciò il suo piccolo paese di provincia di Urbino e si trasferì nella vivace città portuale di Perugio. Lì entrò nello studio del famoso pittore Pietro Vanucci, detto il Perugino. Dopo aver visto il primo prove d'esame il suo nuovo allievo, il maestro dai capelli grigi, ha esclamato: “Oggi è il mio giorno gioioso, perché ho scoperto un genio per il mondo!”
In epoca rinascimentale la bottega del Perugino fu un laboratorio creativo in cui furono educate personalità brillanti. Il profondo lirismo del Perugino, la sua tenerezza, calma e morbidezza trovarono un'eco nell'anima Raffaello. Rafael è ricettivo. Impara rapidamente lo stile pittorico del suo maestro, studia sotto la sua guida il lavoro sugli affreschi, conosce la tecnica e il sistema figurativo della pittura monumentale.
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Pioppo, olio. 17.1 × 17.3 |
Tela (tradotta da legno), tempera. 17,5×18 |
Circa 1504. Olio su tavola di pioppo. 17×17 |
Per qualche tempo Rafael fu ancora sotto la potente influenza del Perugino. Solo timidamente, come uno spruzzo istantaneo, si presenta all'improvviso una soluzione compositiva inaspettata, insolita per il Perugino. Improvvisamente, i colori sulle tele iniziano a suonare strani. E, nonostante i suoi capolavori di questo periodo siano imitativi, non ci si può fare da parte e non rendersi conto di cosa stesse facendo il loro maestro immortale. Prima di tutto, è "", "", "". Tutto ciò completa la monumentale tela "" realizzata nella città di Civita - Castellane.
È come il suo ultimo inchino all'insegnante. Raffaello entra in una grande vita.
Nel 1504 giunse a Firenze, dove si concentrava il centro dell'arte italiana, dove nacque e sorse l'Alto Rinascimento.
La prima cosa che vide il giovane Raffaello, dopo aver messo piede nella terra di Firenze, era una maestosa statua dell'eroe biblico David in Piazza della Signoria. Questa scultura di Michelangelo non poteva che stordire Raffaello, non poteva non lasciare un'impronta nella sua impressionabile immaginazione.
In questo periodo lavorava anche a Firenze il grande Leonardo. Proprio in quel momento, tutta Firenze, con il fiato sospeso, assistette al duello dei titani: Leonardo e Michelangelo. Hanno lavorato a composizioni di battaglia per la Sala del Consiglio di Palazzo della Signoria. Il dipinto di Leonardo doveva raffigurare la battaglia dei fiorentini con i milanesi ad Anghiari nel 1440. E Michelangelo dipinse la battaglia dei Fiorentini con i Pisani nel 1364.
Già nel 1505 i fiorentini ebbero modo di valutare insieme i due cartoni esposti.
Leonardo poetico, maestoso e ribelle, con una passione folgorante per la pittura di Michelangelo! Una vera e propria battaglia titanica degli elementi. giovane Raffaello devi uscire dal fuoco di questa battaglia non bruciato, rimanendo te stesso.
A Firenze, Raffaello padroneggia tutta la quantità di conoscenza di cui un artista ha bisogno per salire al livello di questi titani.
Studia anatomia, prospettiva, matematica, geometria. Sempre più chiaramente deriva dalla sua ricerca della bellezza nell'Uomo, dalla sua adorazione dell'Uomo, sviluppa la calligrafia di un muralista, la sua abilità diventa virtuoso.
In quattro anni si è trasformato da timido pittore di provincia in un vero maestro, possedendo con sicurezza tutti i segreti della scuola di cui aveva bisogno per lavorare.
Nel 1508, venticinque anni Santi giunge a Roma su invito di papa Giulio II. Gli viene affidata la pittura in Vaticano. Innanzitutto fu necessario realizzare degli affreschi nella Sala della Segnatura, che Giulio II assegnò alla biblioteca e allo studio. I dipinti avrebbero dovuto riflettere vari aspetti dell'attività spirituale umana - nella scienza, nella filosofia, nella teologia, nell'arte.
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Eccolo davanti a noi non solo un pittore, ma un artista-filosofo che ha osato elevarsi a enormi generalizzazioni.
Signature Hall - Stanza della Senyatura - riuniva le idee dell'epoca sul potere della mente umana, il potere della poesia, lo stato di diritto e l'umanità. Nelle scene dal vivo, l'artista ha spinto idee filosofiche.
Nei gruppi storico - allegorici Santi fa rivivere le immagini di Platone, Aristotele, Diogene, Socrate, Euclide, Tolomeo. Le opere monumentali richiedevano al maestro la conoscenza della tecnica pittorica più complessa: affreschi, calcoli matematici e una mano d'acciaio. È stato davvero un lavoro titanico!
Nelle loro stazioni (stanze) Raffaello riuscì a trovare una sintesi inedita di pittura e architettura. Il fatto è che gli interni del Vaticano erano molto complessi nel design. L'artista ha dovuto affrontare problemi compositivi quasi impossibili. Ma Santi ne è uscito vincitore.
Le stanze sono capolavori non solo per la soluzione plastica delle figure, per le caratteristiche delle immagini e per la colorazione. In questi affreschi, lo spettatore è colpito dalla grandiosità degli insiemi architettonici creati dal pennello del pittore, creato dal suo sogno di bellezza.
In uno degli affreschi della Sala della Segnatura, tra i filosofi e gli illuministi, come partecipe di questa alta disputa, c'è se stesso Raffaele Santi. Un giovane premuroso ci sta guardando. Occhi grandi e belli, sguardo profondo. Ha visto tutto: gioia e dolore - e meglio di altri ha sentito la Bellezza che ha lasciato alle persone.
Raffaello fu il più grande ritrattista di tutti i tempi e di tutti i popoli. Immagini dei suoi contemporanei Papa Giulio II, Baltasar Castiglione, ritratti di cardinali attiraci gente orgogliosa, saggia e volitiva del Rinascimento. La plasticità, la colorazione, la nitidezza delle caratteristiche delle immagini su queste tele sono sorprendenti.
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In generale, durante la sua breve vita di trentasette anni, il maestro realizzò molti dipinti unici e insuperabili. Ma ancora, le più importanti sono le Madonne ispirate, che si distinguono per una speciale bellezza misteriosa. Bellezza, Gentilezza e Verità sono intrecciate in loro.
La pittura " Sacra Famiglia. Madonna con Giuseppe imberbe” o “”, scritto all'età di ventitré anni, è una sorta di “esercizio” creativo dell'artista, che ha risolto il problema di costruire una composizione idealmente coordinata in tutte le sue parti.
Il suo centro è indicato dalla figura del Bambino. Evidenziata da un raggio di luce diretto direttamente su di lei, lei, il punto più luminoso dell'immagine, attira immediatamente l'attenzione dello spettatore. Davvero notevole è la perseveranza e la determinazione con cui Santi ottiene costantemente l'impressione di una relazione interna tra i personaggi e il loro ambiente spaziale. Il bambino si siede in grembo a Maria, ma i suoi occhi sono rivolti verso Giuseppe, il solito per Raffaello una tecnica compositiva, con l'aiuto della quale è possibile rafforzare la connessione tra loro delle figure poste una accanto all'altra, non solo visivamente, ma anche emotivamente. Le tecniche puramente pittoriche servono allo stesso scopo. Così, le morbide linee paraboliche delineate nei contorni della manica della Vergine Maria trovano eco sia nel profilo della figura del Bambino sia nel movimento delle pieghe del mantello di Giuseppe.
Madonna col Bambino - uno dei leitmotiv dell'art Raffaello: in soli quattro anni a Firenze scrisse almeno una dozzina di dipinti variando questa trama. La Madre di Dio a volte si siede con il Bambino in braccio, a volte gioca con lui o semplicemente pensa a qualcosa, guardando suo figlio. A loro si aggiunge talvolta il piccolo Giovanni Battista.
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Quindi, "", scritto da lui nel 1512 - 1513, ricevette il massimo riconoscimento. La madre tiene in braccio il bambino e lo porta a noi, al nostro mondo. Il Santo Mistero si è avverato: è nato un uomo. Ora ha la vita davanti a sé. Il racconto evangelico è solo un pretesto per risolvere la complessa allegoria di un'idea eterna. La vita per un essere umano che vi entra non è solo gioia, ma anche ricerca, cadute, alti e bassi, sofferenze.
Una donna porta suo figlio in un mondo freddo e terribile, pieno di successi e gioia. È una madre, anticipa il destino di suo figlio, tutto ciò che gli è destinato. Vede il suo futuro, quindi, nei suoi occhi: orrore, orrore dell'inevitabile, dolore e paura per il suo bambino.
Eppure non si ferma alla soglia terrena, la varca.
Il volto del Bambino è il più sorprendente. Guardando negli occhi del bambino, insolitamente luminoso, brillante, quasi spaventoso lo spettatore, l'impressione non è solo formidabile, ma qualcosa di selvaggio e "ossessionato" con uno sguardo significativo. Questo è Dio e, come Dio, anche lui è iniziato al segreto del suo futuro, sa anche cosa lo attende in questo mondo in cui si è aperto il sipario. Si è aggrappato a sua madre, ma non cerca protezione da lei, ma, per così dire, le dice addio, non appena entra in questo mondo e accetta tutto il peso delle prove.
Volo senza peso della Madonna. Ma un altro momento - e lei metterà piede per terra. Dà alle persone la cosa più preziosa: suo figlio, una persona nuova. Accettatelo, gente, è pronto ad accettare per voi tormenti mortali. Questa è l'idea principale che l'artista ha espresso nella pittura.
È questa idea che risveglia nello spettatore buoni sentimenti, connette Santi con i primi nomi, lo eleva come artista a un'altezza irraggiungibile.
A metà del 18° secolo i benedettini vendettero " Madonna Sistina» Elettore Friedrich - Agosto II, nel 1754 era nella collezione della Galleria Nazionale di Dresda. " Madonna Sistina"divenne oggetto di adorazione di tutta l'umanità. Cominciò a essere chiamato il quadro più grande e immortale del mondo.
L'immagine di pura bellezza può essere vista nel ritratto "". "" fu dipinto dall'artista durante il suo soggiorno a Firenze. L'immagine di una giovane e bella ragazza che ha creato è piena di fascino e purezza vergine. Questa impressione è anche associata a un animale misterioso, pacificamente sdraiato in ginocchio: un unicorno, un simbolo di purezza, purezza femminile e castità.
Per molto tempo " signora con unicorno"Ascritto al Perugino, poi a Tiziano. Fu solo negli anni '30 che la paternità di Raffaello fu scoperta e confermata. Si è scoperto che inizialmente l'artista ha raffigurato una donna con un cane, poi una creatura mitica, un unicorno, è apparsa in ginocchio.
Bellissimo sconosciuto nella foto Raffaello, sembra essere una "divinità", "santuario". È in infinita armonia con il mondo che la circonda.
Questo lavoro Raffaello come una sorta di dialogo del genio del Rinascimento con Leonardo Da Vinci, che aveva appena creato il suo famoso " Monna Lisa”, che è riuscito a fare una profonda impressione sul giovane artista.
Utilizzando le lezioni di Leonardo, il Maestro Madonna segue il maestro. Posiziona il suo modello nello spazio sul balcone e sullo sfondo del paesaggio, dividendo il piano in diverse zone. Il ritratto della modella raffigurata conduce un dialogo con lo spettatore, creando un nuovo immaginario e rivelando il suo altro mondo interiore, non ordinario.
Anche la decisione coloristica nel ritratto gioca un ruolo enorme. Una tavolozza colorata e vibrante, costruita su una gradazione di luce e colori puri, conferisce al paesaggio una chiara trasparenza, impercettibilmente avvolta da una leggera foschia nebbiosa. Tutto ciò sottolinea ulteriormente l'integrità e la purezza del paesaggio sullo sfondo dell'immagine di una signora.
Affresco con pitture a tempera su tavola Trasfigurazione”, che Raffaello iniziò a dipingere nel 1518 per ordine del cardinale Giulio Medici per la cattedrale di Narbonne, può essere percepito come un comandamento artistico dell'artista.
La tela è divisa in due parti. In alto c'è la trama della Trasfigurazione. Il Salvatore con le mani tese, in abiti fluenti e giusti, si libra sullo sfondo di una foschia illuminata dallo splendore del Suo stesso splendore. Su entrambi i lati di Lui, anch'essi sospesi nell'aria, Mosè ed Elia sono gli anziani; il primo, come già notato, con le tavolette in mano. In cima alla montagna, gli Apostoli accecati giacciono in varie pose: si coprono il viso con le mani, incapaci di sopportare la luce che emana da Cristo. A sinistra sul monte ci sono due testimoni esterni del miracolo della Trasfigurazione, uno di loro ha un rosario. La loro presenza non trova giustificazione nel racconto evangelico ed è stata apparentemente dettata da alcune considerazioni dell'artista a noi ora sconosciute.
Non c'è sensazione di miracolo e grazia della luce Tabor nell'immagine. Ma c'è una sensazione di saturazione emotiva delle persone, che si sovrappone al fenomeno miracoloso stesso.
Nella metà inferiore dell'immagine ai piedi della montagna Santi raffiguravano due vivaci gruppi di persone: a sinistra - i restanti nove Apostoli, a destra - una folla di ebrei, in cui sono visibili in primo piano una donna inginocchiata e un ebreo, che sorreggono un ragazzo indemoniato, il cui sguardo forte si contorce e sfocato e la bocca aperta rivelano la sua grave sofferenza mentale e fisica. La folla implora gli Apostoli di guarire gli indemoniati. Gli apostoli lo guardano con stupore, incapaci di alleviare la sua condizione; alcuni di loro indicano Cristo.
Se guardi da vicino il volto di Cristo, che Raffaello ha scritto alla vigilia della sua morte, e confrontandolo con il "" artista, puoi trovare alcune somiglianze.
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Raffaele Santi- Il grande Artista dal carattere allegro e buono morì inaspettatamente in una sera di primavera, al suo trentasettesimo compleanno. Ha lasciato questo mondo pieno bellezza divina dopo una breve malattia il 6 aprile 1520 nella sua bottega. Sembrava che l'arte fosse morta insieme al Grande e Riverito Artista. Per volontà di Raffaello Santi fu sepolto tra i grandi personaggi d'Italia nel Pantheon.
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