Un ejemplo de análisis de un poema puede resultar útil para los escolares como muestra para completar la tarea correspondiente en las lecciones de literatura. Como regla general, este trabajo causa serias dificultades a los estudiantes. Hay varias razones para esto: un pequeño volumen de obras líricas requiere una lectura especialmente cuidadosa y reflexiva para comprender la idea principal y la intención del autor. Además, los estudiantes muchas veces no pueden determinar la composición de un poema, su idea y su idea principal. Por tanto, es necesario explicar en detalle a los estudiantes el algoritmo para realizar esta difícil tarea.

problema de elección

A los escolares a menudo les resulta difícil determinar qué trabajo analizar en una lección de literatura. Desafortunadamente, muchos se guían por el volumen de la obra, creyendo erróneamente que una composición lírica breve es más fácil de estudiar. Sin embargo, la elección del poema no debe estar determinada por este parámetro.

Lo mejor es tomar para el análisis el poema clave de la obra de un poeta en particular. De esta forma, los alumnos que ya se hayan familiarizado con la obra literaria del autor en clase tendrán más facilidad para identificar los rasgos más importantes y característicos de sus letras. Por ejemplo, en las obras de A. Pushkin, los temas principales son la amistad y el amor, M. Lermontov, temas amantes de la libertad, S. Yesenin, la naturaleza rusa, etc. El autor y el título del poema son, en muchos sentidos, una especie de pista para el estudiante. Un estudiante que esté familiarizado con el trabajo del autor elegido puede determinar aproximadamente por el título lo que se discutirá en este trabajo.

Sobre el Autor

El mejor ejemplo de análisis de un poema es un análisis detallado de obras de la literatura clásica rusa. Puedes elegir como muestra. letras de amor famoso poeta F. Tyutchev. Su obra "Oh, How Deadly We Love" es un excelente ejemplo para el análisis en las lecciones escolares. El trabajo debe comenzar con una breve descripción de la obra del autor. En este caso, es necesario señalar que el poeta es considerado un maestro reconocido de las composiciones líricas en miniatura.

Sus poemas están imbuidos de reflexiones filosóficas sobre el sentido de la vida, sobre el destino de las personas, sus vivencias y sufrimientos. Las letras del poeta se distinguen por un patetismo apasionado y una emotividad. Este ejemplo de análisis de un poema también incluye una pequeña mención de qué circunstancias impulsaron al poeta a crear la obra en cuestión.

Idea

El segundo punto de la tarea consiste en traer un pequeño información histórica sobre qué acontecimientos en la vida del autor llevaron a la escritura de tal o cual composición lírica. Por regla general, estamos hablando de algunos cambios importantes en su vida personal, en su trabajo, asociados con una fuerte elevación emocional o, por el contrario, una crisis psicológica.

En este caso, estamos hablando del difícil y sincero drama de Tyutchev, quien en realidad contrajo matrimonio civil, lo que, según las ideas del siglo XIX, se consideraba un acto extremadamente vergonzoso. La historia de la creación del poema está relacionada con esta difícil historia: la amada poeta E. Denisyev fue perseguida por la sociedad secular por su romance con Tyutchev y pasó por un severo sufrimiento moral. Tyutchev, sintiendo profundamente su culpa por el tormento de la niña, le dedicó el trabajo en cuestión, en el que derramó su amargura y dolor, y también le pidió perdón por todo lo que tuvo que soportar por él. Entonces, describir la historia de la creación del poema es muy importante para comprender el significado y el contenido de la obra.

Estructura

El análisis del poema de Tyutchev "Oh, cuán asesinamente amamos" debe continuar revelando las peculiaridades de la construcción de esta obra. El poeta dedica apenas unas líneas a los días felices del amor. Toda la obra se basa en el contraste entre el pasado feliz y el presente fatídico. El poeta contrasta la apariencia de su amada, su alegría y sinceridad de sentimientos con su dolor actual por la persecución del mundo. Casi todas las cuartetas son una comparación de la felicidad pasada, que el poeta llama sueño, y el difícil presente. este análisis Los poemas de Tyutchev reflejan las características de sus letras, que se distinguen por la pasión del autor por expresar sus emociones, su enorme expresión y sus sentimientos genuinos.

tema de la obra

En este punto, el alumno deberá indicar en unas pocas frases qué ideas se reflejaron con mayor frecuencia en la obra del autor. Con una introducción tan breve demostrará su conocimiento de las características de la letra del poeta en estudio y al mismo tiempo hará una breve introducción a la parte principal del análisis.

La trama y la composición del poema en este punto deben ser el foco de atención del alumno. La obra en cuestión, como se mencionó anteriormente, se basa en el principio de contraste: el autor opone el amor feliz al gran dolor causado por la crítica del mundo. El tema del amor recorre toda la obra, definiendo el vocabulario y las expresiones poéticas. La peculiaridad del verso es que está impregnado de amargura y dolor. Esta obra no fue una declaración de amor, como muchos otros poetas, sino un arrepentimiento y una petición de perdón.

la idea principal

El tema del poema debe ser nombrado por el estudiante con la mayor precisión: después de todo, desde su definición correcta El futuro avance del trabajo depende del análisis del trabajo. La idea de un ensayo lírico se expresa mejor en una frase, para que el propio alumno comprenda claramente sobre qué estaba escribiendo exactamente el poeta (sobre la naturaleza, la amistad, el amor, la Patria, la poesía, la historia, etc.). En el verso en cuestión, Tyutchev habla del arrepentimiento por el dolor causado a su amada. Por lo tanto, los estudiantes pueden decir que este es un poema de amor, pero inmediatamente es necesario aclarar tema real los poemas son más bien un dolor por el paso de la felicidad, que, habiendo pasado, tanto dolor causó al amado.

Idea

Al estudiar una obra en particular, los escolares deben determinar su significado. Como regla general, este punto les causa serias dificultades debido a que los estudiantes confunden el tema y la idea. Esto último suele estar oculto en el propio texto y, en sentido figurado, debe leerse entre líneas. La idea principal del poema es que el autor consideró fatal su romance con Denisyeva, a pesar de que les trajo felicidad a corto plazo. Es significativo que la autora no culpe tanto a los representantes de la alta sociedad que crearon un escándalo en torno a su nombre, sino únicamente a ella misma por todo lo sucedido. Esto habla de la nobleza de los sentimientos del poeta, de su responsabilidad hacia la mujer que ama. Quizás la confesión violenta de la propia culpa por todo lo sucedido pueda considerarse la idea principal de este trabajo.

Imagen de héroe

La cuestión de cómo analizar un poema debe considerarse con especial atención en las lecciones de literatura escolar, ya que la práctica muestra que esta tarea a menudo resulta especialmente difícil para los escolares, a quienes a veces les resulta más fácil trabajar con prosa que con letra. La descripción juega un papel importante en el análisis. caracteres obras que, por regla general, no tienen más de dos o tres personajes. Su divulgación ayuda a comprender el contenido y significado de la obra, ya que sus pensamientos, sentimientos y vivencias, por regla general, sirven como motor de la trama. En el verso en cuestión hay dos personajes: el propio poeta, escondido bajo la máscara de un héroe lírico, y su amada. Este último es el foco principal del autor. Su estado de ánimo, sufrimiento y tormento moral provocan un dolor recíproco en la autora. Por tanto, estos dos héroes están indisolublemente ligados.

La imagen de Deniseva.

El problema de cómo analizar un poema debe ser el foco de atención de profesores y alumnos, ya que una obra lírica, por su especificidad, muchas veces resulta mucho más difícil de analizar que la prosa.

Si, por ejemplo, en una novela importante o incluso en un cuento el autor revela en detalle el carácter y la apariencia de sus personajes, en un poema el poeta se limita a bosquejos individuales. La imagen de Elena Denisyeva está representada por unos pocos epítetos, que sin embargo permiten ver en ella a una mujer que sufre. La poeta destaca que su antigua belleza desapareció debido a sus vivencias. La autora se centra en el hecho de que las lágrimas secaron en ella su encanto femenino. Y en contraste, recuerda que durante el período de su feliz amor ella era una verdadera belleza: alegre, joven, alegre.

La imagen de un héroe lírico.

Un estudiante que analiza un poema debe recordar que en toda obra lírica hay un autor. Este último expresa sus pensamientos en nombre de otro personaje o se dirige él mismo directamente a los lectores. En el ensayo que estamos considerando, Tyutchev, en su propio nombre, expresa las emociones que lo abruman, lo que duplica el valor de este verso. Por lo tanto, no sólo tiene el significado obra de arte, pero también muestra a los lectores hechos reales de la vida del poeta. Esta obra, a pesar de su patetismo, que es generalmente característico de la obra de Tyutchev, tiene un sonido íntimo. Después de todo, en él el poeta comparte con el lector su drama personal, que influyó gran influencia Por el resto de su vida. El hecho de que el poema tenga un carácter personal lo indican una serie de discursos a los lectores, oraciones exclamativas e interjecciones. El poeta es muy sincero al expresar sus sentimientos: comparte directamente su dolor, habla de la lástima por su amada, de su sufrimiento. Del ejemplo considerado se desprende claramente que la caracterización de la imagen de un héroe lírico permite sentir el trasfondo emocional del poema, comprender su contenido, trama e idea.

Idioma

Uno de los últimos puntos del plan de análisis del poema es una revisión de los medios expresión artística, con la ayuda del cual el autor transmite sus pensamientos a los lectores. Por regla general, las técnicas más habituales son el uso de epítetos, comparaciones y metáforas. El vocabulario poético te permite analizar mejor la estructura y composición de los poemas. Por ello, los estudiantes deben prestar atención a este punto en el estudio de la obra lírica. En el trabajo que nos ocupa, cabe destacar la abundancia de epítetos con los que Tyutchev caracteriza la imagen de su amada. Casi cada cuarteta contiene un par de adjetivos con los que el poeta describe la imagen de Denisyeva al comienzo de un romance feliz y después de que estalla el escándalo.

poemas sobre la amistad

Otros ejemplos de obras líricas incluyen aquellas que están dedicadas a los temas más comunes en las letras: la naturaleza, la amistad, la Patria. A. Pushkin posee varios ensayos maravillosos y discursos a amigos.

Todos ellos, con toda su diversidad, se distinguen por una idea principal, que conviene nombrar en el análisis: la idea de la inmutabilidad de este sentimiento que atraviesa todo. vida humana. Se sabe que el poeta concedía gran importancia a la amistad con sus amigos universitarios y por ello sus letras son el mejor ejemplo de descripción de este tema. Los estudiantes pueden elegir una de sus obras para analizarla en la clase de literatura de su escuela.

Otros ejemplos

Otro tema común en las letras rusas es la descripción de la naturaleza y la Patria. En este caso, a los escolares se les puede ofrecer como modelo las obras de S. Yesenin. Al analizar sus poemas, cabe señalar que la naturaleza rusa en la refracción del folclore ocupó un lugar importante en su obra.

La idea principal de todos sus poemas es su profundo amor por Rusia. Mención especial merece el vocabulario poético del autor. Yesenin pertenecía al movimiento imaginista, por lo que en su obras tempranas Hay epítetos expresivos que crean símbolos poéticos de la vida y la naturaleza campesinas. Entonces, un plan para analizar un poema en las lecciones de literatura escolar debe incluir los siguientes componentes: breve descripción la historia de la creación de la obra, destacando el tema, idea, vocabulario poético. Además, el estudiante deberá indicar características generales creatividad del autor, que se manifestó en una composición específica. El ejemplo dado de análisis de un poema puede servir como modelo para los estudiantes.

Cuestiones de análisis ideológico y temático de la obra.

1) Material- situaciones de la vida o del arte, casos, objetos u objetos de observación y reflexión, es decir. la principal fuente de fantasía, el tejido de la obra.

2) Sujeto (¿acerca de? ) - el problema planteado por el autor, motivo principal de la obra. Formulado por usted (con su autoría) o encontrado por el autor en el proceso de análisis de la obra. Es importante que tu formulación del tema, por un lado, sea cercana a ti y te toque, y por otro lado, sea cercana y corresponda a la esencia del problema planteado por el autor y su percepción del mundo. que se leen de la obra, biográfica y materiales historicos etcétera.

3) Idea (¿acerca de? ) - qué, al plantear este problema, el autor intenta transmitir al espectador (lector, oyente, etc.). Encarna un cierto lado de la cosmovisión del autor. Para el arte esto es lo principal, la idea principal, un plan que determina el contenido de una obra, sus personajes, formas de existencia, relaciones, ubicación, género, trama, dramaturgia y todos los demás elementos de la obra.

4) Dramaturgia- la base, la columna vertebral de la trama. La totalidad de todas las relaciones de los personajes entre sí, con el mundo que los rodea y consigo mismos, así como con el espectador (lector) y la realidad. Determina el surgimiento, desarrollo y resolución de los conflictos principales y privados del trabajo. La acción dramática es una acción con un resultado impredecible (a diferencia de lo cotidiano), pero natural según una lógica superior. La dramaturgia representa la dialéctica de los objetivos, su colisión, de la que nacen nuevos objetivos. La dramaturgia elimina la condena o justificación inequívoca del héroe. La palabra clave en el drama es elección. Los personajes del drama nunca consiguen lo que quieren, sino siempre más, menos e incluso exactamente lo contrario.

5) Conflicto- Principal fuerza motriz obras. El carácter y la esencia de los personajes se revelan en el conflicto. Se trata de un organismo dramático complejo, que siempre se basa en una lucha, un choque de intereses (“yo quiero” los personajes). La principal diferencia entre un conflicto dramático y un conflicto real es que las contradicciones siempre se agravan hasta el extremo. El conflicto puede ser global (histórico, social, estatal, etc.), social (entre grupos sociales, públicos, industriales) o privado (personas, familias, etc.). Un conflicto dramático surge, se desarrolla y se resuelve sólo en el choque de personajes individuales. El conflicto es siempre un proceso.

Un conflicto dramático debe llevar consigo, además de agravamiento, también un sentimiento de sorpresa, necesidad artística y autenticidad para el espectador.

El sentimiento de necesidad artística surge cuando los acontecimientos, situaciones y giros más inesperados son provocados por las acciones de los personajes.

El sentimiento de autenticidad se logra mediante la motivación precisa de las acciones de los personajes.

6) Personaje- un conjunto de rasgos individualmente únicos que se forman a lo largo de la vida de una persona, a través de los cuales se revelan su actitud y sus objetivos (“yo quiero” el personaje).

7) Escritura- una acción, resultado de una evaluación de la situación (circunstancias), que obliga a una persona a actuar activamente para resolver la situación a su favor.

8) Personaje- un sujeto portador de ciertos elementos del plan del autor, a través del cual el autor revela alguna parte necesaria de la idea general o antiidea, cuyo portador es este personaje.

9) Fábula- historia, resumen, una exposición de acciones, relaciones y eventos en una obra en su secuencia (cronología del desarrollo del conflicto argumental). La columna vertebral, la base de la trama.

10) Trama- la historia del surgimiento, desarrollo y resolución de conflictos en situaciones dramáticas, revelando la intención del autor (el tema y la idea de la obra) a través de los personajes y sus relaciones.

11) Leitmotiv- el motivo principal (imagen, línea, etc.) que recorre toda la obra y sirve para revelar el tema principal.

12) Tema del contador- un motivo opuesto al principal, en conflicto con él. Lo mismo ocurre en toda la obra.

13) Motivos adicionales- temas que surgen paralelos al tema principal de la obra. Desarrollan el tema principal o lo contrastan, ampliando el alcance de la captura de los fenómenos, el problema principal y la versatilidad de la idea del autor.

14) Género(literario): la opinión del autor, el punto de vista sobre los acontecimientos actuales. Cada género tiene sus propias leyes de desarrollo. Uno de los criterios para determinar un género es el método de resolución del conflicto principal:

A) tragedia- lleva picante conflictos sociales, problemas fundamentales de la existencia humana (los individuos con el destino, la sociedad, el mundo, los dioses, etc.), expresados ​​en una forma intensa de lucha. personajes fuertes y pasiones. Suele terminar con la muerte física del personaje principal en el momento de la resolución del conflicto principal de la obra (desenlace).

b) drama- termina con la muerte o partida del personaje principal como resolución del conflicto principal o por circunstancias que rodean el conflicto principal (leitmotiv).

V) comedia- en la final siempre aparece “Happyend”, es decir un final feliz. Aquellos. el conflicto se resuelve gracias a la suerte inesperada de personajes positivos que conducen a la victoria (no necesariamente el personaje principal, por ejemplo, "Tartufo"). Hay dos tipos: comedia de personajes y comedia de situaciones.

comedia de enredo(basado en situaciones cómicas en las que se encuentran los personajes);

comedia de personajes(basándose en tipos de cómics o rasgos de carácter).

GRAMO) misterio- una acción basada en una trama mitológica, resuelta con la ayuda de un milagro.

d) parábola- la idea se transmite en forma de alegoría, alegoría o mediante asociación figurativa. La idea principal (el significado de la parábola) generalmente nunca se expresa directamente y requiere una decodificación independiente por parte del espectador (lector). (Un ejemplo es la parábola de los talentos).

mi) fábula- una versión simplificada de la parábola. La idea se transmite en forma de alegoría alegórica y la idea principal se expresa al final o incluso al comienzo de la obra directa o casi directamente y no requiere conocimientos, cultura o inteligencia especiales por parte del perceptor para percibirla. (“Cuántas veces se lo han dicho al mundo…”).

y) moralidad- una versión ampliada y dramatúrgicamente más rica de la parábola, sin embargo, el método de presentación de la idea del autor es similar a una fábula (es decir, se expresa casi directamente por uno o más personajes o por el autor). Drama religioso alegórico, cuyos personajes personificaban diversos vicios y virtudes (Avaricia, Esperanza, Gula, Amistad, Envidia, etc.)

h) farsa- Acción satírica y comedia cotidiana exagerada y ligera, con situaciones y personajes llevados al punto de lo grotesco.

Y) bufonada- una situación bufonística exagerada y claramente exagerada con personajes, acciones y situaciones a menudo caricaturizados.

A) broma- una breve historia satírica con un final inesperado.

Géneros mixtos:

l) tragicomedia- tiene características tanto de tragedia como de tragedia. El autor enfatiza lo cómico en lo trágico y lo trágico en lo cómico, es decir. se basa en la relatividad de los criterios existentes de actitud ante situaciones, personajes, etc.

metro) farsa trágica

metro) bouffe misterioso

15)"Secreto" Las obras son la base de cualquier intriga.

Tres tipos de secretos: 1. El héroe lo sabe, el espectador no lo sabe.

2. El espectador lo sabe, el héroe no.

3. El héroe no lo sabe y el espectador no lo sabe.

15) Intriga- situaciones confusas de la trama con la ayuda de giros y vueltas complejos, giros inesperados y pausas en la acción, intereses entrelazados y contradictorios de los personajes, que permiten mantener la atención del espectador (lector).

ANÁLISIS DEL EVENTO DE LA OBRA

1) Evento dramático- una pausa en la acción significativa para una determinada trama, que provoca un giro en el desarrollo del conflicto principal de la acción dramática y, en consecuencia, un cambio en los vericuetos. La cadena de acontecimientos forma una eficaz serie de dramaturgia. Construir una trama en la pantalla es siempre una progresión de un evento a otro. Un acontecimiento dramático siempre es proceso que evoluciona en el tiempo. El desarrollo dramático y el agravamiento de un evento están determinados por la circunstancia principal de este evento y la circunstancia principal de todo el asunto.

2) circunstancia principal- la circunstancia principal que empuja toda la acción de una cosa hacia el desarrollo y, como resultado, hacia una supertarea.

3) Encontrar un nuevo evento: sucede algo significativo que causa cambio en el equilibrio de poder del personaje liderando la acción y (o) sus objetivos, motivaciones de las acciones provocadas por un cambio en las circunstancias principales, la acción del héroe, etc. Después de que el evento cambia, los personajes ya no pueden existir de la misma manera que antes.

4) Precio del evento- qué tan importante es para todo el curso de la acción y para todos los personajes involucrados en el conflicto, es decir, cuánto cambia el equilibrio de poder de los personajes.

5) Circunstancia inicial- una situación de conflicto agravada que subyace a toda la historia de la trama. Es su resultado lo que el espectador ve al principio y se informa sobre ello en la exposición.

6) Evento de origen- un evento sin el cual la acción de la trama no puede comenzar. El evento original contiene la naturaleza de los sentimientos del trabajo y es siempre la clave para resolver el conflicto. El evento inicial puede ocurrir al principio o (más a menudo) antes del comienzo de la trama y el autor lo informa a medida que avanza la acción, en cualquier lugar. Conocer el acontecimiento inicial puede ser incluso el giro final y el desenlace de la acción (detective). El acontecimiento original es generado por la circunstancia original o incluso ubicado en ella.

7) Primer evento (principal) (evento inicial)- un evento que inicia un conflicto, una acción dramática. Esta es la primera cosa importante "de repente", juntar a los personajes, impulsar la trama hacia el desarrollo de la acción.

8) Evento principal- el evento principal de la trama, que generalmente lleva la esencia de su giro, revelando los rasgos principales de los personajes principales y la intención del autor, la culminación de la obra.

G. A. Tovstonogov identificó 5 eventos: inicial, principal, central, final y principal, pero luego se abandonó una clasificación tan rígida, así como las "piezas" de Stanislavsky.

Organizar un evento en la pantalla:

1. Para que el espectador comprenda que ha ocurrido un nuevo evento en la acción, es necesario enfatizarlo y revelarlo claramente en la pantalla. En este caso, el nuevo evento también se convierte en un “gancho de atención”.

2. El énfasis debe realizarse únicamente por medios artísticos con el uso obligatorio de medios visuales (independientemente de la riqueza artística, semántica y cuantitativa del texto).

3. La intensidad de los medios artísticos utilizados debe estar estrictamente correlacionada con el coste del evento.

4. Un cambio en un evento debe implicar necesariamente un cambio en el tempo-ritmo y un cambio en el método de presentación del material (método de rodaje, atmosférico-tonal, puesta en escena, diseño sonoro, etc.).

5. La construcción de un evento debe contener siempre todos los elementos de la construcción arquitectónica: desde la exposición pasando por el clímax hasta el giro-desenlace dramático.

6. El turno final de un evento siempre debe convertirse al mismo tiempo en el comienzo del siguiente evento.

7. En cada evento es necesario identificar y formular su motivo principal - el principal tema sensorial y emocional, el "grano" del evento - que se desarrollará e intensificará en él, resolviendo en el momento del giro.

Arquitectónica de la obra

1) Exposición- generalmente (pero no necesariamente) la primera parte de la obra, en la que se presentan los personajes principales, el lugar y el momento de la acción y las circunstancias iniciales, el equilibrio preliminar de poder y las aspiraciones de los héroes de la obra. Pero además de esto, en la exposición el espectador también debe comprender el género, el lenguaje y el grado de convencionalidad del conjunto y su ritmo global; sin esto no podrá empezar a percibir la trama. Aquellos. Antes de que comience la historia, el espectador debe comprender Cómo se le dirá, entiéndase condiciones del juego Cosas en general.

2) El principio- el inicio del conflicto principal, y por tanto de la acción, la lucha de los personajes, generada por un conflicto de intereses y destruyendo la situación inicial. Haciendo un nudo dramático.

En una buena dramaturgia (y después de todo, el guión, y toda la película, es una obra dramática), especialmente una obra cinematográfica, la exposición suele combinarse con la trama, es decir, la actuación tiene lugar simultáneamente con el comienzo del conflicto, en acción, lo que permite captar inmediatamente la atención del espectador. Si ha perdido la atención en esta etapa, será más difícil captarla a medida que avance. (M.I. Romm dijo que “la mala dramaturgia, por regla general, se asocia con una exposición ineficaz”).

3) Peripecia- cambios repentinos en el destino de un personaje, contrarios a sus expectativas y (o) a las del espectador. Peripeteia es una cadena de acontecimientos que desarrolla conflictos en las relaciones de los personajes. La palabra peripeteia se traduce del griego como “un acontecimiento inesperado”. Cada nuevo acontecimiento cambia la relación de fuerzas y el “yo quiero” de los personajes, y por tanto su comportamiento. Además, cada nuevo acontecimiento debería agravar el conflicto en comparación con el anterior. Es este método el que permite, por un lado, captar la atención del espectador y, por otro (que es la principal tarea del autor), considerar el comportamiento y, por tanto, los objetivos y carácter de los personajes de diferentes países. lados, para mostrar sus diferentes facetas, para que, utilizando la percepción sensorial del espectador, junto con él, haga estos héroes, al final, sus valoraciones. Aquellos. Para el autor, la peripecia es una forma de explorar sus personajes, observarlos en Diferentes situaciones, y a través de ellos - investigación la naturaleza humana generalmente.

La peripetea asegura la continuidad de la acción y la escalada del conflicto.

La escalada del conflicto se consigue:

a) la introducción en el conflicto de fuerzas cada vez más activas, positivas y negativas, personajes cada vez más influyentes y peligrosos;

b) la introducción de nuevas circunstancias que agravan el conflicto, aumentando las contradicciones de los personajes principales;

d) agravamiento y activación de métodos antiguos e introducción de métodos nuevos, más peligrosos y agudos en la lucha de personajes;

e) un aumento en el número de personajes involucrados en la lucha en ambos bandos: la expansión de la acción a la acción grupal y de masas;

Todas estas técnicas se pueden utilizar para mejorar la acción, ya sea individualmente o en conjunto.

4) Clímax- el agravamiento máximo del conflicto, llevándolo a su límite lógico, el punto más alto, exigiendo a los héroes el máximo esfuerzo de todas sus fuerzas y conduciendo a un punto de inflexión en toda la acción. Es en el clímax que el Siempre se lanzan los medios expresivos más poderosos, es aquí donde el tempo-ritmo se lleva al límite y la situación llega a una explosión que transforma el mundo entero de los personajes y la actitud del espectador hacia ellos. Esta explosión se llama giro. A menudo (pero no siempre) la idea de la obra se revela o suena aquí casi abiertamente.

5) Detener- una parada temporal, una desaceleración, un declive, como si fuera un freno a la acción, una disminución de la tensión del conflicto antes del giro y (o) clímax. Este es siempre un método infalible para preparar al espectador para el avance principal de la acción, la escalada final del conflicto. Da la oportunidad de relajar al espectador y utilizar esta relajación para un golpe más fuerte. (La tecnología de “retroceso” de Meyerhold: cuanto más se tira hacia atrás la cuerda del arco, más lejos, más rápida y más poderosa vuela la flecha; cuanto más fuerte es el movimiento, más poderoso es el golpe, etc.

6)Girar- resolución de la trama de forma inesperada, ruptura de todas las relaciones y resolución lógica - sensorial del conflicto. Es aquí donde ocurre la catarsis (“purificación”) y, en la mayoría de los casos, se revela la idea del autor principal: por qué se creó este trabajo.

En esta pausa, se revela el "yo quiero" esencial y principal de los personajes, se revela su esencia y se da la valoración del autor de cada uno de los personajes principales, no necesariamente en texto abierto. Puede ocurrir, según la tarea del autor, ya sea en el momento culminante del clímax o en el desenlace de la cosa. Un giro siempre debe conllevar un impulso masivo hacia la resolución del tema, no necesariamente completo, pero sí un impulso poderoso hacia ella.

7) Desenlace- resolver el conflicto y las relaciones de todos sus héroes o llevarlos a un grado o situación en la que la lucha pierda sentido o sea inútil, el cese de la lucha. Desatar todos los nudos dramatúrgicos de la acción, líneas conflictivas locales inacabadas de la obra y completar todas las líneas argumentales principales de la obra. A veces se combina con un giro en un todo.

El desenlace se puede cerrar, para completar el tema, o abrir, para dejar al espectador espacio para sus propias conjeturas sobre el destino de los héroes. Tecnológicamente, el desenlace cumple la función de reducir el ritmo del tempo y devolver al espectador a la realidad.

8) Ley de la “Sección Áurea”- el centro de la composición (el punto psicológicamente más poderoso en términos de impacto en el espectador) siempre se ubica a 2/3 del inicio de la obra con respecto a su longitud total (volumen).

idea del director

(Análisis efectivo del trabajo)

1) Súper tarea- idea del director. A diferencia de una idea literaria, la supertarea se formula necesariamente de una forma eficaz, verbal y atractiva y se correlaciona con la acción de un extremo a otro (es decir, tiene una orientación positiva: aquello a lo que se llama al espectador). Responde a la pregunta de por qué y por qué exactamente estoy asumiendo este material hoy. (Explique por qué se necesita una redacción diferente).

2) Maíz(término de V. E. Meyerhold): una idea sensual que determina la sensación emocional general de una cosa. (“Tres hermanas” - “anhelo de una vida mejor”).

“La veta es la esencia de la obra, su núcleo, expresado en una esencia figurativa concreta. Para comprender el concepto de grano, es necesario comprender y, por lo tanto, comprender la actitud del autor hacia los personajes representados, para sentir originalidad artística" V. E. Meyerhold.

Grain puede convertirse en ocasiones en el título de una obra (“Running”, “Dragon”, “Duck Hunt”,

3) Acción de extremo a extremo - una línea de lucha eficaz para demostrar la supertarea.

4) Acción contraria- una línea eficaz de lucha contra la supertarea.

Ambas líneas deben ser continuas hasta el final de la historia, llevadas a cabo por los personajes principales y resueltas sólo en el desenlace. A veces, los personajes que lideran la acción directa o contraria pueden estar ausentes, pero en este caso son dirigidos por el propio autor (texto "del autor", serie plástica y sonora, circunstancias propuestas, poder superior, género del autor - en " El Inspector General”, etc.).

5) Objetos de lucha- entre qué y qué ha surgido y está creciendo una contradicción, es decir Identificación de ideas contradictorias encontradas por el autor.

Pero un conflicto dramático surge, se desarrolla y se resuelve sólo en choque de personajes individuales. Por tanto, habiendo encontrado las principales ideas conflictivas, las personalizamos, es decir, Determinamos cuál de los personajes es portador de qué idea o sus variaciones. Esto significa que definimos los sujetos de la lucha.

6) Sujetos de la lucha- personajes que llevan ideas contradictorias en la obra. Aquellos. Qué personaje actúa específicamente como portador de las ideas y contraideas del autor.

7) Objeto de lucha- el objeto o principios de vida por los que luchan los principales participantes en el conflicto. Aquellos. ¿Para qué sirve la lucha en el conflicto de ideas y en el conflicto de personajes?

8) El objetivo final del personaje- el principal "yo quiero" del personaje, lo que logra en el proceso de lucha, así como su trabajo para la acción directa o contraria (¡como resultado!).

9) género del director(género interno): la naturaleza de los eventos que tienen lugar y la actitud del autor (director) hacia ellos, que determina la percepción del público de lo que está sucediendo.

10) Atmósfera- el aire del trabajo, es decir cómo los personajes principales respiran en tu artículo. La atmósfera no debe ir más allá de la intención del autor.

La atmósfera, como el aire en la realidad, puede ser densa y enrarecida, atronadora y soleada, oscura, cargada, fresca, caliente, fresca, etc. Crear una atmósfera es tarea puramente del director y del camarógrafo.

Andréi Kaminsky.

Análisis exhaustivo del texto en prosa.

La historia creativa de la obra y su contexto histórico y literario.

- Historia creativa de la obra.(momento de creación del texto; la influencia de hechos históricos y eventos en la vida personal del escritor en el texto; la idea de la obra; cambios en la idea, imágenes de los personajes, trama, estilo del texto durante el trabajo en it; historia de publicación del texto; primeras valoraciones críticas del texto).

- Evaluación de un trabajo de crítica literaria.(opiniones de los críticos literarios sobre el texto, polémicas, disputas sobre la obra en la crítica literaria).

- Contexto histórico y literario de la obra:

El lugar de la obra en la obra del escritor (en el contexto de la obra de un período particular, en el contexto de obras de este género/tema, en el contexto de toda la obra del autor);

El lugar de la obra en la literatura contemporánea del autor (a qué movimiento literario, dirección pertenece el texto, qué papel jugó el género del texto en la literatura de la época, qué escritores de esta época tocaron los mismos temas, problemas , aparecieron imágenes similares de héroes y tramas);

El lugar de la obra en el contexto de la literatura de varias épocas (qué temas transversales, problemas, imágenes son típicos de una literatura en particular).

Plan ideológico y temático del texto (tema principal y secundario, temas particulares, cuestiones, idea principal del texto).

Sujeto- Se trata de un conjunto de acontecimientos que se describen en la obra y que sirven para plantear problemas.

Problema- esta es la principal cuestión que plantea el tema de la obra. Asuntos- un conjunto de problemas reflejados en el trabajo. Los problemas pueden ser sociales, ideológico-políticos, filosóficos, morales. Un tema puede convertirse en la base para plantear diferentes problemas (el tema de la servidumbre: el problema de la falta de libertad interna del siervo, el problema de la corrupción mutua, la deformación tanto de los siervos como de los propietarios feudales, el problema de la injusticia social).

Idea- la idea principal de la obra. La idea refleja la solución del autor a los problemas planteados en el texto, la actitud del autor hacia los fenómenos de la vida representados.

3. El significado del título de la obra. El título de una obra puede estar asociado tanto al tema principal como a la idea principal de la obra; el título enfatiza la imagen central del texto (la imagen de un héroe o héroes, eventos, cosas). A menudo el nombre tiene un significado simbólico.

El sistema de personajes en la obra.

Imágenes de los personajes principales;

Imágenes de personajes secundarios;

Las relaciones de los personajes entre sí. Aquí es necesario determinar los conflictos entre los héroes (conflictos externos) y las contradicciones en las almas de los héroes individuales (conflictos internos).

La imagen de un héroe literario: un retrato de un héroe; detalle artístico, interior y paisaje como formas indirectas de caracterizar al héroe; descripción del carácter (rasgos de personalidad estables) y pensamientos y sentimientos momentáneos del personaje; El discurso del héroe.

Composición y argumento de la obra.

Composición:

- disposición de personajes;

El orden en que se narran los acontecimientos en la trama (composición de la trama);

Alternancia de elementos narrativos de la trama y extratrama (retrato, paisaje, interior, digresión lírica);

La correlación semántica de las partes de la obra, las técnicas de repetición, contraste y antítesis en la composición;

Características del tiempo y el espacio artístico.

Al analizar la composición, se debe prestar atención a la reordenación cronológica de los eventos, a técnicas tales como la exposición retrasada, la conexión del clímax y el desenlace, la ausencia de exposición o desenlace. También es necesario determinar el tipo de composición: la composición puede ser de vértice, espejo, anillo, abierta, concéntrica.

Trama:

Argumentos y personajes que los representan;

Conflictos entre héroes, conflictos internos de héroes;

La presencia y ubicación de elementos argumentales en el texto (exposición, trama, desarrollo de la acción, clímax, desenlace, epílogo)

6. Rasgos estilísticos texto(características del vocabulario, sintaxis del texto, ritmo de la prosa, medios de expresión artística).

Información relacionada:

1. III. Palabras finales del profesor. La escena final, la escena del arresto, contiene la culminación de la trama filosófica de la novela: una persona entra en contacto con los principales patrones históricos.

Introducción…………………………………………………………………………………………...2

1. Ideas. Concepto artístico. Sujeto. La trama en la composición coreográfica………………………………………………………………………………..5

2. Tema de los bailes de cuento…………………………………………………………..13

3. Proceso creativo……………………………………………………...17

4. Vínculos dramáticos en una obra coreográfica……………….19

Conclusión…………………………………………………………………………………….25

Referencias………………………………………………………………27

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1. Ideas. Concepto artístico. Sujeto. La trama en la composición coreográfica………………………………………………………………………………..5

2. Tema de los bailes de cuento…………………………………………………………..13

3. Proceso creativo…………………………………………………………...17

4. Vínculos dramáticos en una obra coreográfica……………….19

Conclusión…………………………………………………………………………………….25

Referencias………………………………………………………………27

Introducción

El arte del ballet hoy ha adquirido un significado universal como género y como ciencia. El ballet para la sociedad en su conjunto es un beneficio revestido de una forma especial de belleza de un "cuerpo que habla". La singularidad del lenguaje de la danza clásica, que no transmite palabras, sino pensamientos y conceptos, hace que la dramaturgia del ballet no sea una forma literaria. , sino psicológico. La psicología del ballet dramático está asociada con las esferas de pensamiento espirituales y filosóficas que influyen en una persona de manera figurativa, creativa, asociativa, artística y estética.

Para potenciar el impacto en las emociones y sentimientos del espectador, el autor-director dispone de medios expresivos auxiliares como la música, la escenografía, la luz, etc., es decir. Todo un arsenal de factores y técnicas adicionales que potencian la dramaturgia. El dramaturgo de un ballet (obra), a diferencia de otros autores de artes escénicas, puede, al demostrar una pose o gesto expresivo, inspirar o evocar toda una gama de pensamientos, todo un concepto figurativo, revelar el significado de un fenómeno, evento, reemplace un enorme "monólogo" con una "réplica".

El ballet es una sinfonía de pensamientos visibles, expresados ​​a través de la danza, el movimiento, la composición, la dirección y la edición de todos los componentes en una combinación infinitamente variada de estas fuerzas.

Cualquier obra de arte en todos sus tipos y géneros debe crear una imagen holística de lo que se representa.

El tema de la imagen en una obra dramática es conflicto social(de una escala u otra), personificada en los héroes de la obra. Para que una obra dramática tenga un impacto artístico, debe crear una imagen completa, una imagen completa del evento.

El drama crea una imagen de un acontecimiento conflictivo, una imagen de un choque social. Esta imagen debe tener tres elementos obligatorios, determinando su integridad. En primer lugar, es necesario explicar qué está sucediendo, dónde, por qué y por qué ocurrió la colisión, para describir su comienzo. Sin esto no quedará claro.

Es necesario mostrar el desarrollo de la colisión, su esencia. Y, por último, es necesario mostrar a qué ha conducido este desarrollo. “A qué condujo” no es equivalente al concepto “cómo terminó”.

Cualquier evento en la vida terminará, y especialmente bajo la pluma del autor, tal vez por accidente y no como resultado. este desarrollo, no como resultado de la lucha de contradicciones que se manifestaron en este conflicto. Crear una imagen holística de un evento es un requisito artístico obligatorio para una obra dramática.

Al mismo tiempo, la composición incluye la organización de la acción de la obra, la divulgación del material a través de la trama, que es una especie de “ropa del conflicto”, es decir, un medio para concretarlo.

La serie de acontecimientos, es decir, el desarrollo secuencial del proceso de la vida en el drama, las etapas de su conflicto, también tiene su relación con el todo, los detalles con lo general. El flujo de acción es consecuencia del desarrollo del conflicto. El concepto de composición se asocia así a la construcción de la acción dramática.

Objetivo trabajo de prueba es: estudiaruna obra coreográfica en cuanto a tema e idea.

Objetivos de la prueba:

Considerar los conceptos de “idea”, “concepto artístico”, “tema”, “trama” e identificar su significado en el proceso de una obra coreográfica;

Considere el tema de los bailes de cuentos;

Ampliar el concepto de “proceso creativo”;

Estudiar los elementos dramáticos de una obra coreográfica.

Los conceptos de “idea”, “concepto artístico”, “trama” y su significado en el proceso de una obra coreográfica fueron tomados de la fuente:

Bogdanova G.F. "Fundamentos de la dramaturgia coreográfica". El tema de las danzas narrativas se trató en el libro: Zaripova R.S., Valyaeva A.R. "Del concepto a la trama." El proceso creativo fue estudiado en el libro de Zakharova R.V. “Componer una danza”. Los vínculos dramáticos en las obras coreográficas fueron tomados de la fuente: Bogdanova G.F. "Fundamentos de la dramaturgia coreográfica".

La prueba, cuya estructura está determinada por las tareas asignadas, incluye una introducción, una conclusión y una lista de referencias.

1. Ideas. Intención artística. Sujeto. La trama en la composición coreográfica.

Mientras no haya un tema, el trabajo del autor sobre la obra no puede comenzar. El tema es un problema que plantea la vida y anima al autor a crear.

Una idea es una solución a algún problema, algún tema. Todo el proceso de creación de una obra es un proceso de revelar y resolver un tema y transformarlo en una idea.

Una idea nunca es abierta ni estática. Muere tan pronto como deja de desarrollarse o se vuelve banal y dañino.

Una idea fructífera puede vivir milenios; no desaparece al final de la obra, sino que se va con la persona y aparece cada vez que se vuelve a abordar la obra.

Las ideas establecidas por los autores antiguos de Egipto, Grecia, China y otros han perdurado durante más de tres milenios.

Hay ideas prometedoras y otras que no tienen desarrollo. Hay ideas que pierden temporalmente su relevancia y parecen congelarse en el olvido histórico, para luego volver a cobrar vida. Así, en relación con el surgimiento de fuerzas centrífugas en Rusia, las ideas de "La campaña de Igor" se están volviendo muy modernas.

Las ideas pueden ser subjetivas u objetivas. Una idea subjetiva se verifica mediante leyes objetivas. Hay casos en que un autor, con la intención de exponer un fenómeno, en realidad lucha contra otro, ya que la idea original es insignificante o falsa y no resiste la prueba de la ley objetiva, es decir, la vida.

A veces aparecen obras con una idea falsa, aparecen con mayor frecuencia en sociedades no libres. Una idea falsa suele ir acompañada de una forma falsa. Las ideas, al igual que los temas, pueden ser principales o secundarias.

En una obra genuina hay una lucha de ideas, durante la cual Idea principal Gana o muere si era falso.La idea de una actuación, obra de teatro o guión suele denominarse supertarea de la obra.

Una idea artística es una especie de “llave” de una obra o de partes separadas, componentes, elementos, hasta imágenes.

La idea en una representación de ballet refleja un patrón. Período histórico, la ideología de la época. Influye en la vida social a través de imágenes artísticas.

La idea de un coreodramaturgo siempre está sujeta a la ley de la dramaturgia y a sus cinco apartados: exposición, trama, desarrollo, clímax y desenlace. Impregna toda la obra, todos sus componentes, tanto externos como internos - psicológicos. Incluye una serie de conceptos sin los cuales un ensayo es prácticamente imposible: tema, trama, tipo, tipo, método, estilo, etc.

Una representación de ballet es un pensamiento que se desarrolla en un proceso dialéctico y artístico, desarrollando una idea.

La idea impregna todas las partes de la obra y es un subtexto en las colisiones argumentales. Ésta es la esencia del ballet, el problema, su significado, significado, el concepto del autor.

Una idea es un principio de cosmovisión que expresa aspectos, posiciones, pensamientos y actitudes filosóficas, sociales, morales, políticas hacia el mundo.

Una idea es la unidad de pensamiento, un sentimiento: conocimiento e intuición, anticipación, previsión y anticipación. La idea se transmite a través del psicologismo del comportamiento de las imágenes y el choque de sus personajes.

Se revela en el proceso de desarrollo del tema y la trama. En su forma más pura idea artística lleva personaje abstracto y no tiene valor artístico. Cuanto más distinta sea la lucha entre fuerzas opuestas, mayor será el valor de una idea. La verdad de una idea está en el proceso, en el desarrollo de la trama de una obra de arte.

La idea permite al autor sacar conclusiones morales y psicológicas, presentar sus pensamientos y sentimientos al tribunal público del espectador y, al mismo tiempo, evocar, provocar en el espectador ciertas emociones, sentimientos, pensamientos, evocar empatía, simpatía, a través de la complicidad (del espectador directo).

En una obra, la idea se difunde en todas sus partes y elementos y, por así decirlo, cimenta la composición con su energía.

Una idea tiene la capacidad de autodesarrollarse, porque diferenciados en las cosmovisiones del autor, intérpretes, espectadores y su actitud ante la obra y el mundo.

Concepto artístico.

La idea del coreodramaturgo está relacionada con su cosmovisión. Y la elección de un tema o trama es sólo una búsqueda de forma, intención, plan, idea, idea para expresar la propia actitud, la propia visión de los problemas de la vida.

Un plan es una representación, imaginación, anticipación de una idea en forma figurativa. Cierto prototipo de obra, evocado por la imaginación “del futuro”.

La idea es el comienzo del proceso creativo. Y externamente, esto se puede expresar en forma de bocetos, planos, programas, aplicaciones, bocetos, bocetos, pruebas, reflexiones, etc. La idea y su implementación están relacionados con el "subtexto" de la obra, es decir. con ideas que son los motores, conductores, guías de la “acción de principio a fin” en la trama.

Una idea puede nacer espontáneamente, por accidente, pero puede nutrirse durante años, como si el tiempo la hubiera probado.

El impulso de un plan puede ser varios factores: un pensamiento brillante, un fenómeno o acción imaginativa, un objeto que evoca asociaciones, estrés emocional, un encuentro con una persona interesante y otros factores energéticos impulsivos que influyen en la conciencia, el subconsciente y la psique.

En el curso del trabajo en la implementación de un plan, este se concreta, se aclara, se pule y, en ocasiones, puede cambiar fundamentalmente, lo que, sin embargo, no cambia su valor original en la enorme actividad heurística del proceso creativo.

El coreógrafo, el autor, en el proceso de implementación del plan, tiene la oportunidad de aclarar por sí mismo las principales direcciones de la búsqueda, predecir los movimientos tácticos y estratégicos de la trama, verificar los próximos resultados en el proceso de práctica y seguir lógicamente. el plan planeado.

La capacidad del director para construir y guiar su idea a través de laberintos de todo tipo de obstáculos, y su desarrollo profundo e integral, expresa la cultura, la cosmovisión, el profesionalismo del autor y su habilidad.

Sujeto

Para expresar sus ideas y planes, un coreógrafo busca y encuentra temas que puedan interesar al público.

Lo relevante no es lo que es moderno en tema o trama, sino lo que conlleva ideas actuales, ideas de hoy.

La elección del tema depende de la cosmovisión, la actitud del autor ante los fenómenos sociales, la inteligencia, la perspectiva, la cultura, el profesionalismo, la forma de pensar, la ciudadanía, las convicciones morales y estéticas, las opiniones filosóficas y jurídicas, las posiciones ideológicas, políticas y de otro tipo.

El tema y la plataforma ideológica del teatro de ballet y su repertorio deben estar en unidad con la tendencia de la estética en el arte de la sociedad, tanto en el propio país como en todo el mundo.

El valor estético de los temas de las obras de ballet radica en la unidad de los eventos evaluados de manera realista que tienen lugar en el escenario y su interpretación y presentación artística (forma).

El tema se puede expresar conceptualmente (el tema de la revolución, la inteligencia, la personalidad); metafóricamente (el tema de “padres e hijos”, el tema de las personas “humilladas e insultadas”, “superfluas”, etc.); nombre familiar (Hamlet, Don Quijote, Demonio, Don Juan, Khlestakov).

En el arte existen los llamados "temas eternos" en los que vive y se realiza la psicología del comportamiento de los personajes, temperamentos y pasiones humanas inherentes a todos los siglos, pueblos y países: el amor, el bien y el mal, la vida y la muerte, el dinero, el poder. , la libertad, la voluntad, la belleza, la búsqueda del sentido de la vida y mucho más. etc.

“Temas eternos” es una memoria viva de la moral humana, la ética, las relaciones humanas, una memoria que la humanidad consolida en las imágenes del arte.

Los "temas eternos" en el arte pasan de una época a otra y llevan los rasgos más generalizados y estables del carácter de una persona en el proceso de desarrollo histórico.

El hombre siempre ha estado interesado en sí mismo y en las manifestaciones de su carácter en determinadas circunstancias. En los ballets clásicos, una persona se enfrenta, como en la vida, a conceptos eternos como el deber, el honor, la conciencia, las cenizas, el pecado, el heroísmo, el patriotismo, los celos, la envidia, la calumnia, la traición, la venganza, la libertad y muchos otros. etc.

En el ballet, todas estas cualidades se transmiten a través de su lenguaje, su sistema no verbal y sus técnicas coreográficas. “La verdadera, única y eterna trama del ballet es la danza” (T. Gautier).

Al contemplar y empatizar con los personajes de la obra, en el alma, la mente y el corazón de los espectadores se produce una especie de selección de cualidades morales internas, autoestima, autodesarrollo, superación personal.

Los “Temas Eternos” están diseñados para espiritualizar, mejorar, purificar y elevar lo humano en el hombre con la belleza de la forma del arte del ballet.

Los temas, tramas, giros y colisiones en diversas producciones de ballet pueden ser muy diversos, tomados de diferentes épocas, países, géneros (cuentos de hadas, leyendas, mitos, parábolas) y trasladados hasta nuestros días.

Pero la "eternidad de los temas" siempre excitará a una persona, siempre influirá en su alma viviente. La moralidad de los "temas eternos", su función cognitiva y educativa, la espiritualidad pasan de generación en generación y son la base de las obras clásicas.

Esto revela la conexión entre tradición e innovación, como una de las leyes básicas de la estética.

Trama. Fábula. Contenido y significado.

La trama de una representación de ballet es su contenido, es decir. un conjunto de eventos a través de los cuales se revelan los caracteres de los personajes.

La trama de una composición coreográfica está asociada al tipo de pensamiento artístico, a una época cultural e histórica específica, método creativo, posición cívica, normas éticas y gustos estéticos del coreógrafo.

La trama se revela a través de la trama de la obra, a través de los principales. situaciones de conflicto, colisiones, vicisitudes, conectadas en un único sistema figurativo y artístico.

En la trama, a través de los acontecimientos, a través de acciones, choques de personajes, a través del escenario, se manifiestan imágenes.

La trama es un plan determinado, arquitectura, resumen, libreto. La trama se puede volver a contar brevemente, pero es casi imposible volver a contarla, porque... su significado se acerca más a un guión que a una composición.

La trama es la base estructural del ensayo, la columna vertebral, una historia sobre hechos y detalles. Elementos de una trama: inicio, conflicto, desarrollo, clímax y resolución. Cada coreógrafo, trabajando sobre un mismo tema, desarrolla la trama a su manera, utilizando su propio argumento.

La trama es una forma de existencia y desarrollo de la trama, es una colisión que se mueve según sus propias leyes internas, todo está subordinado a una única "línea pasante": una idea.

La trama de una representación de ballet es su contenido, un conjunto de eventos, fenómenos, formas que ayudan a revelar la personalidad de los personajes. Hay un dicho filosófico; “... cada crisis, incluso cada punto de inflexión en el desarrollo, conduce inevitablemente a una discrepancia entre la antigua forma y el nuevo contenido”.

El concepto de contenido incluye: tema, trama, imágenes, colisiones, forma, etc. El concepto de contenido incluye; orientación ideológica, significado social, cosmovisión del autor, significado social y valor de la obra, su relevancia, arte, impacto de la belleza, estética, psicologismo, subtexto, orientación filosófica, etc. Por lo tanto, la estética del ballet distingue deliberadamente entre dos conceptos: "contenido" y "significado", porque el primero tiende a los medios, las técnicas técnicas, y el segundo tiene que ver con la comprensión ideológica y estética de la obra en su conjunto.

Así, la idea de una obra es su “preimagen”, “prototipo”, “prototipo”. Para expresar sus ideas y planes, un coreógrafo busca y encuentra temas que puedan interesar al público. Los temas, tramas, giros y colisiones en varias producciones de ballet pueden ser muy diversos, tomados de diferentes épocas, países y géneros.

2. Tema de los bailes de cuentos.

El arte coreográfico refleja tanto muchos aspectos de la realidad moderna como el pasado de diferentes pueblos.

Ya en la antigüedad, la gente expresaba diversos estados emocionales con movimientos plásticos.

A lo largo de los años, la creciente complejidad de las relaciones entre las personas, el deseo de explicar los fenómenos naturales ha dado lugar a una variedad de temas y tramas resueltas con la ayuda de las artes plásticas.

El contenido de las danzas y las técnicas escénicas desarrolladas. Los procesos de interpenetración de diferentes culturas se expandieron y profundizaron, lo que no solo desdibujó sus límites, sino que también los seleccionó y agudizó. técnica arte nacional de cada pueblo.

Tema del trabajo. “El proceso laboral reveló la importancia del ritmo. Los movimientos subordinados al ritmo dieron origen a la danza, una de las primeras manifestaciones de la cultura”.

Las danzas antiguas, que reflejaban procesos laborales, tenían un carácter lúdico. La aparición de nuevos tipos de trabajo cambió la actitud de las personas hacia él y hacia los demás, y todo esto se reflejó en la danza. Por ejemplo, en el baile "Lenok" se contaba cómo se siembra, se recoge y se tritura el lino.

Al comenzar a componer una danza sobre el tema del trabajo, el coreógrafo debe recordar que la plasticidad con la que se revela su contenido es de carácter asociativo, por lo que es importante tener en cuenta las siguientes reglas:

El proceso laboral no se refleja plenamente en la danza.

Se ponen en juego etapas, momentos clave y elementos del proceso de trabajo que más claramente lo caracterizan: no se da una ilustración, sino una especie de indicio del mismo, una asociación con él;

Es necesario encontrar las particularidades de la obra, sus elementos, que requieren una solución escénica vívida mediante borradores coreográficos, permiten crear obras escénicas;

Encuentra elementos que representen el proceso laboral, permitiéndote complicarlos con movimientos coreográficos, crear movimientos artísticos y figurativos y vocabulario característico. Evitar el recuento de pantomima y el carácter ilustrativo;

Encuentre una estructura compositiva artística y figurativa que refleje el contenido principal de la danza: la poetización del trabajo.

Es problemático mostrar el trabajo de los ensambladores de relojes a través de la danza, pero la “danza del reloj” es posible, como por ejemplo en el teatro musical infantil “Zadumka” se representó la curiosa “Danza del reloj”.

El material musical adecuado puede resultar de gran ayuda para el coreógrafo. El patrón rítmico y melódico debería ayudar a revelar la naturaleza del trabajo, y la estructura emocional debería ayudar a revelar el estado y la actitud de las personas en el trabajo.

Tema de la vida cotidiana. La vida es una forma de vida. La vida cotidiana, una esfera no productiva, que incluye tanto la satisfacción de las necesidades materiales de las personas (alimentación, vivienda) como el desarrollo de beneficios espirituales, cultura, comunicación, recreación y entretenimiento.

La vida social, urbana, rural, familiar e individual se forma bajo la influencia de la producción material, las relaciones sociales, el nivel de cultura y las características nacionales.

Debemos nuestro conocimiento sobre la vida de las generaciones pasadas al arte y a los patrones en los que se fijaron las cosmovisiones de las personas, los estándares morales y las etapas espirituales de desarrollo de diversas sociedades, clases y grupos.

La mayoría de las danzas sobre temas cotidianos revelan cuestiones de moralidad. Siempre reflejan el contenido de la moralidad de la sociedad. En primer lugar, esto mundo interior de una persona, la manifestación de sus relaciones con otras personas:

Lealtad al deber, honor;

Lucha por la libertad, contra el mal;

Problemas de pareja, amistad, amor, relaciones familiares.

Se realizan danzas sobre temas cotidianos en varios géneros:

Dramático, a menudo con motivos líricos (“Boda de Moldavia” - conjunto de danza “Zhok”; “Given to the Young” - Coro folclórico de los Urales; “Lyub-trav” - Coro folclórico de Omsk; “Coachmen” - Coro folclórico del Volga;

Trágico, a menudo de manera heroica (“Hacia el amanecer” - conjunto de danza “Beryozka”; “Khorumi”, “Partisans” - conjunto académico estatal de danza folclórica que lleva el nombre de I. Moiseev;

Cómicamente, estos bailes a menudo se llaman "cómicos" o lúdicos ("Yurochka" - conjunto de danza de Bielorrusia; "Cuando los cosacos lloran" - conjunto de danza y canto de los cosacos del Don; "Oh, bajo el cerezo" - conjunto de danza de Ucrania lleva el nombre de Pavel Virsky;

La esfera de los intereses creativos de los coreógrafos incluye tanto los problemas sociales más agudos como las experiencias líricas más sutiles.

Tema de la naturaleza. El hombre es hijo de la naturaleza. Desde la antigüedad, el hombre ha dotado de cualidades propias todo lo que le rodea, es decir, espiritualizó la naturaleza. No dudó ni por un minuto de que, digamos, la mente de un oso es similar a la de un humano, y que un oso se guía por las mismas aspiraciones que una persona.

Espiritualizó árboles, arbustos, discursos y ríos y, finalmente, fuerzas elementales: viento y lluvia, relámpagos y truenos.

La deificación y personificación de la naturaleza permitió reproducirla en las paredes de las rocas, en forma poética, creatividad musical y plástico.

Las obras de arte, donde él, una persona, parecía convertirse en un ciervo, un abedul, un copo de nieve, no contaban tanto sobre sus vidas, sino sobre las relaciones y experiencias humanas.

La personificación es uno de los ejemplos de imágenes en un cuento de hadas, una fábula o un discurso poético. Mirando naturaleza circundante, la gente recurría a sus imágenes a la hora de crear obras de danza. En la antigüedad aparecieron danzas de caza que, reflejando la naturaleza de la actividad humana, como muchas otras cosas, adquirieron una connotación mágica.

Golpear a un peluche significa golpearlo durante una cacería. Muchas danzas de caza han sobrevivido hasta el día de hoy, especialmente entre los pueblos del norte y Siberia de Rusia: la danza de la morsa entre los chukchi y los alemanes, la danza del oso entre los Khanty y Mansi, en la que la caza de estos animales es imitado.

Durante la época de la cría de ganado, el hombre domó un caballo y aprendió a controlarlo. En la mente de la gente surgió el ideal de un pastor, un jinete, y surgió y tomó forma la plasticidad de su imagen.

Con la ayuda de movimientos figurativos e imitativos, muchos pueblos crearon varias danzas de jinetes y jinetes (“Danza de los jinetes Bashkir”, “Gaucho” - danza de los pastores argentinos).

Hoy en día es imposible imaginar una actuación de Año Nuevo junto al árbol de Navidad sin bailar una liebre, un zorro, una ardilla, un cachorro, etc. Hay muchos bailes, cuya imagen principal es mundo animal: “Cisne”, “Gallos”, “Gansos-cisnes”, “Libélula y hormiga” e incluso “Danza de las orugas”.

Las imágenes poéticas del mundo vegetal están presentes en las obras de casi todos los pueblos. Estas ya son técnicas más complejas de replanteamiento y personificación (“Birch”, “Golden Rye”, “Verbonka”, “Crystals”).

Imágenes de valores múltiples aún más complejas. reflejando fenómenos naturales ("Blizzard", "Ha llegado la primavera", "Ognevushka - saltando").

Al componer un baile, el coreógrafo debe responder claramente a las preguntas: ¿por qué pone en escena este baile? La danza, como otras formas de arte, debe evocar sentimientos sublimes en el público y cultivar gustos e ideales éticos. Al mostrar al espectador una cierta gama de fenómenos de la vida, el director transmite a través de la danza un contenido significativo, ya sea una trama sobre un tema histórico o moderno.

3. Proceso creativo

Componer una danza es un proceso complejo y largo. El coreógrafo-autor debe tener el don, la capacidad de encontrar y “hacer crecer” la idea de una futura producción, así como utilizar hábilmente los principios de la dramaturgia musical y coreográfica, las técnicas de composición de una composición, etc.
El proceso creativo se divide en dos etapas.: el surgimiento de la idea y su encarnación. El primero está determinado. habilidades generales(erudición, cosmovisión, necesidad de creatividad artística), el segundo - requiere habilidades especiales y habilidades, dominio utilizado conscientemente.

El proceso creativo de un coreógrafo consta de 3 fases:
1. Recopilar y resumir material de la vida, definiendo temas, ideas. Existe el deseo de revelarlos en la obra: se está buscando una composición musical adecuada o ya dicta la naturaleza del tema o idea.
2. Modelado de personajes, imágenes, circunstancias propuestas, su interacción. Lo general se convierte en particular. Una idea, un tema tiende a adquirir acontecimientos, emergen personajes, un estilo, un género y una lógica de relaciones. El coreógrafo comienza a pensar a partir de la imagen y a dibujarla. Vision interior, es decir. ver, y sólo entonces componer.
3. La encarnación de las características externas de la imagen. Hay una transformación en aquel que necesita ser retratado. El coreógrafo “entra” en la imagen nacida de su imaginación, pero esto no excluye el control.

La conciencia parece bifurcarse: uno crea una imagen, vive de acuerdo con ella, el otro observa desde un lado. Se está creando la forma de la obra.

Naturalmente, cada fase (recolección-generalización, modelado, encarnación) no vive de forma independiente, sino que en algún momento determina el carácter de las demás, introduciendo a menudo cambios significativos. Aquí hay una interacción de habilidades generales y especiales que modelan el contenido y la forma en todas las etapas de la creatividad.

4. Vínculos dramáticos en una obra coreográfica

Toda obra dramática tiene una exposición, es decir, una parte inicial. La exposición es la parte inicial de una obra dramática.

Su finalidad: proporcionar al espectador la información necesaria para comprender la próxima acción de la obra. A veces es importante hacer saber al espectador en qué país y a qué hora se desarrollan los hechos. A veces es necesario comunicar algo que precedió al conflicto. La exposición también tiene una tarea más.

Con su ayuda, por así decirlo, en su espacio, una persona que acude al teatro se transforma en espectador, en partícipe de la percepción colectiva de la obra. La exposición da al espectador una idea del género de la obra. La exposición debe despertar el interés del espectador por la próxima acción en el escenario.

El tipo de exposición más común muestra ese último segmento de la vida cotidiana, cuyo curso se verá interrumpido por el estallido del conflicto.

La dramaturgia tiene mucho en común con los cuentos populares y probablemente se origina en ellos. La dramaturgia tomó de cuento popular, como su tema principal, su principal milagro, un milagro social: la victoria del bien sobre el mal.

También hay mucho en común entre la construcción de un cuento de hadas y la estructura de una obra dramática. En particular, la exposición de la mayoría de las obras se basa en el mismo principio que la exposición de un cuento de hadas.

"Érase una vez..." - y de repente " pez dorado“o el “huevo de oro” de esta obra es el conflicto que en ella se plasmará. Basado en esto, este tipo exposiciones: que muestran el último período de la vida, cuyo curso será interrumpido por el conflicto.

Otro tipo de exposición es el prólogo: la apelación directa del autor al espectador, cuento sobre los personajes de la acción futura y su carácter.

En algunos casos, el prólogo agota la exposición. A menudo, sin embargo, el prólogo sólo abre la exposición, que luego continúa hasta que comienza el conflicto mostrando el fluir de la vida que lo precede.

En algunas obras existe otro tipo de prólogo, el llamado prólogo teatral. En estos casos, todas las funciones de la exposición son realizadas por una pequeña escena representada antes del inicio de la representación.

A veces una obra comienza con una inversión, es decir, mostrando cómo terminará el conflicto antes de que comience la acción. Esta técnica la utilizan a menudo los autores de obras llenas de acción, en particular historias de detectives.

La tarea de la inversión es cautivar al espectador desde el principio, mantenerlo en tensión adicional con la ayuda de información dada previamente sobre el final al que conducirá el conflicto representado. A veces la exposición se combina con la trama.

El principio

El concepto de “trama” incluye la trama del conflicto principal de la obra, cuyo desarrollo es el tema de la imagen en la obra.

Al principio comienza el movimiento del conflicto: la acción dramática. A veces el conflicto principal de una obra no aparece inmediatamente, sino que va precedido de un sistema de otros conflictos.

Desarrollo

El desarrollo puede ser diferente, puede ocurrir en la lucha de dos o más planes. El desarrollo puede ser independiente, sin lucha, un pensamiento que se desarrolla. Cuando hay desarrollo del pensamiento, también hay dramaturgia.

Clímax

El método más común de trabajar la dramaturgia coreográfica es el camino desde los detalles al todo, desde la comparación de los individuos. elementos lingüísticos en un motivo plástico para la creciente confrontación de imágenes (héroes en funciones, personajes) en toda la obra.

Primero, el coreógrafo hace una lista general de lo que debe suceder en el escenario en orden. Luego, en esta lista protocolaria de situaciones dramáticas y los eventos que surgen de ellas, se determina la acción de cada héroe (personaje) individual.

Construye la lógica del desarrollo de cada imagen específica (héroe, personaje) aproximadamente de acuerdo con el siguiente esquema: acción - motivo, acción - comportamiento, acción - personaje, acción - colisión, acción - evento.

Este método de trabajo sitúa en el centro de las búsquedas creativas la clarificación en cada molécula de la acción musical y danzaria (en un detalle artístico-figurativo, en un motivo plástico) de los elementos de confrontación y llevarlos a una lucha concretamente tangible y emocionalmente rica. .

Un detalle artístico y figurativo es el medio más eficaz para plasmar una idea coreográfica, el elemento más importante en la creación de la dramaturgia de una obra. La capacidad de crear detalles brillantes, artísticos e imaginativos, en los que los aspectos visuales y expresivos se fusionan inextricablemente, es un indicador de la habilidad del coreógrafo.

Son los detalles los que crean la imagen coreográfica escénica.

En el clímax, en primer lugar, la idea coreográfica concebida por el coreógrafo se expresa en la forma en que la imagina y, en segundo lugar, se resalta la posición ideológica que impulsó al coreógrafo a expresar esta idea.

Para un coreógrafo, trabajar en el clímax es quizás el momento más crucial. Y dado que el clímax es también el pináculo del enfrentamiento cada vez mayor entre los personajes principales, cuyas posiciones iniciales se indican al comienzo de la obra, la responsabilidad del coreógrafo aumenta muchas veces. Necesita demostrar todas las destrezas y habilidades para distribuir momentos clave (de impacto) a lo largo de toda la perspectiva de la estructura dramática de la obra, en todos los niveles (en detalles artísticos y figurativos, en motivos plásticos, en las acciones de personajes heroicos). , en episodios-partes individuales). Ser capaz de elegir circunstancias, dar relaciones a los héroes (personajes), saturar su confrontación efectiva con sentimiento, ritmo, mezclar sonido, color, soluciones plásticas, poner todo esto en el flujo de la intriga y hacerlo funcionar para el clímax.

El enfrentamiento entre los personajes principales (personajes) comienza a manifestarse desde el primer evento dramático (el primer hecho de la colisión), pero se revela más plenamente en el último evento culminante.

El clímax es la mayor oleada de enfrentamiento entre los personajes principales (personajes). Se trata de una explosión que provoca un cambio máximo en el equilibrio entre ellos. Se trata de una acción que ha alcanzado su pleno desarrollo, un acontecimiento que finalmente cambia la relación de fuerzas opuestas en la obra.

Entre el primer y el último hecho dramático se desarrolla no solo la intriga en las acciones de los personajes principales (personajes), sino también toda la riqueza de la obra, su atmósfera, personajes, vocabulario de danza, variedad de circunstancias propuestas, lógica de desarrollo, etc. .son revelados.

En este sentido, el clímax sirve como criterio para la calidad artística de una obra, criterio con cuya ayuda se puede analizar la obra en orden inverso. Por eso el clímax debe ser brillante, convincente y debe dar a la obra unidad e integridad artística.

Desenlace.

El desenlace en una obra dramática es el momento de resolución del conflicto principal, la eliminación de la contradicción conflictiva, que es la fuente del movimiento de la obra.

La resolución del conflicto sólo es posible si se preserva la unidad de acción, se preserva el conflicto principal que comenzó desde el principio. Esto implica la exigencia: este resultado del conflicto debe figurar ya desde el principio como una de las posibilidades para su resolución.

En el desenlace, o mejor dicho, a raíz del mismo, se crea una situación nueva respecto a la que se produjo al principio, expresada en una nueva relación entre los héroes. Esta nueva actitud puede ser bastante variada.

El final

El final es la culminación emocional y semántica de la acción de la obra. Emocionalmente, esto significa que estamos hablando no sólo del resultado semántico, no sólo de la conclusión del trabajo.

Si en una fábula la moraleja se expresa directamente: "la moraleja de esta fábula es esta", entonces en una obra dramática el final es una continuación de la acción, el último acorde.

El final concluye la obra con una generalización dramática y no sólo completa esta acción, sino que abre la puerta a la perspectiva, a la conexión de este hecho con fenómenos sociales más amplios. El final es, por así decirlo, una prueba de la dramaturgia de la obra en su conjunto. Si se violan los elementos básicos de su composición, si la acción que comenzó como principal es reemplazada por otra, el final no funcionará.

A menudo el autor termina una obra con un final sucedáneo. No todo final, bajo un pretexto u otro, es un final y puede servir como conclusión emocional y semántica de una obra. El tipo más común de final sucedáneo es la “retribución” del autor al héroe.

Así, la base de toda obra dramática es una estructura fundamental que consta de estos tres elementos: el comienzo de la lucha, el curso de la lucha y el resultado de la lucha.

El comienzo de la lucha se revela en el comienzo del conflicto principal. El curso de la lucha se revela a través de acciones específicas y enfrentamientos de los héroes, a través de las llamadas vicisitudes que conforman el movimiento general de acción desde el comienzo del conflicto hasta su resolución.

Conclusión

En una obra coreográfica lo principal no es el objeto visible, sino el alma de las imágenes, la esencia de tal o cual fenómeno.Puede transmitir lo súper real, fantástico, de cuento de hadas y mítico en una forma y medios realistas.La obra tiene un lenguaje universal, un lenguaje de imágenes visuales con su propio “vocabulario”, “sintaxis”, signos convencionales y su propia “gramática”.

La dramaturgia del ballet es vida en acción escénica, porque sobre el papel no hay ni puede haber la dramaturgia de un texto de danza.Sólo con la implementación escénica la idea, la forma y el contenido adquieren una forma acabada.La composición de una obra dramática es un concepto complejo.

Se considera un fenómeno universal, relacionado con todos los elementos del drama: tema, idea, conflicto, trama, cada imagen, cada acto, cada escena, señal, dirección escénica.

La composición es una forma de agrupar el material que conforma el tejido de una obra. A esto último se refería A. Pushkin cuando decía que lo más importante en una obra de arte es el plan: la relación de las partes con el todo, de los detalles con lo general. De hecho, el orden en que se distribuyen las partes en relación con el todo determina la composición.

La composición se da cuenta del contenido ideológico del drama y desarrolla su problemática. Por cómo se construye la lógica del desarrollo de la acción, cómo se resuelve, no se resuelve la contradicción y cómo se elimina la contradicción, se puede juzgar la posición del autor, la idea principal de la obra.

De esto podemos concluir que la composición sirve para expresar concretamente una idea en acción. Entonces, la composición está determinada por el contenido.

Refleja ciertos patrones de dramaturgia específica. era historica, sus sujetos sociales. Si ampliamos esta fórmula, podemos decir que la danza es una miniatura musical y coreográfica, cuya idea se expresa en una estructura dramática clara, con su propia exposición, trama, clímax y final.

Idealismo, concisión, originalidad del concepto y su implementación, modernidad e inteligibilidad de los medios expresivos, virtuosismo y espiritualidad de la interpretación: estas son las características que debe tener un número de baile.

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