Ett exempel på en analys av en dikt kan vara användbart för skolbarn som ett prov för att utföra en motsvarande uppgift i litteraturlektioner. Som regel orsakar sådant arbete allvarliga svårigheter för eleverna. Det finns flera anledningar till detta: en liten volym lyriska verk kräver särskilt noggrann och eftertänksam läsning för att förstå författarens huvudidé och avsikt. Dessutom kan eleverna ofta inte bestämma kompositionen av en dikt, dess idé och huvudidé. Därför är det nödvändigt att förklara för eleverna i detalj algoritmen för att slutföra denna svåra uppgift.

Val av problem

Det är ofta svårt för skolbarn att avgöra vilket arbete de ska ta för analys i en litteraturlektion. Tyvärr styrs många av verkets volym och tror felaktigt att en kort lyrisk komposition är lättare att studera. Valet av dikt bör dock inte bestämmas av denna parameter.

Det är bäst att ta nyckeldikten i en viss poets verk för analys. På så sätt kommer elever som redan har blivit bekanta med författarens litterära verk i klassen att finna det lättare att identifiera de viktigaste egenskaperna hos hans texter. Till exempel, i A. Pushkins verk är huvudteman vänskap och kärlek, M. Lermontov - frihetsälskande teman, S. Yesenin - rysk natur, etc. Diktens författare och titel är på många sätt ett slags tips till eleven. En student som är bekant med den valda författarens arbete kan grovt bestämma genom titeln vad som kommer att diskuteras i detta arbete.

Om författaren

Det bästa exemplet på att analysera en dikt är en detaljerad analys av verk av rysk klassisk litteratur. Du kan välja som ett prov älskar texter berömda poeten F. Tyutchev. Hans verk "Oh, How Deadly We Love" är ett utmärkt exempel för analys i skollektioner. Verket bör börja med en kort beskrivning av författarens arbete. I det här fallet är det nödvändigt att påpeka att poeten anses vara en erkänd mästare av lyriska miniatyrkompositioner.

Hans dikter är genomsyrade av filosofiska reflektioner över meningen med livet, över människors öden, deras erfarenheter och lidande. Poetens texter kännetecknas av passionerat patos och emotionalitet. Detta exempel på en diktanalys innehåller också ett litet omnämnande av vilka omständigheter som fick poeten att skapa verket i fråga.

Aning

Den andra punkten i uppgiften innebär att ta med en liten historisk information om vilka händelser i författarens liv som ledde till att den här eller den lyriska kompositionen skrevs. Som regel talar vi om några viktiga förändringar i hans personliga liv, i hans arbete, förknippade med en stark känslomässig upplyftning eller, omvänt, en psykologisk kris.

I det här fallet talar vi om Tyutchevs svåra hjärtliga drama, som faktiskt ingick ett borgerligt äktenskap, som enligt 1800-talets begrepp ansågs vara en extremt skamlig handling. Historien om skapandet av dikten är kopplad till denna svåra historia: den älskade poeten E. Denisyev förföljdes av det sekulära samhället för sin affär med Tyutchev och gick igenom allvarligt moraliskt lidande. Tyutchev, som akut kände sin skuld för flickans plåga, dedikerade verket i fråga till henne, där han hällde ut sin bitterhet och smärta och bad henne också om förlåtelse för allt som hon fick utstå för hans skull. Så att beskriva historien om diktens skapelse är mycket viktigt för att förstå verkets innebörd och innehåll.

Strukturera

Analysen av Tyutchevs dikt "Åh, hur mordiskt vi älskar" måste fortsätta genom att avslöja särdragen i konstruktionen av detta verk. Poeten ägnar bara några rader åt glada dagar av kärlek. Hela verket bygger på kontrasten mellan det lyckliga förflutna och det ödesdigra nuet. Poeten kontrasterar utseendet på sin älskade, hennes glädje och uppriktighet av känslor med hennes nuvarande sorg från förföljelsen av världen. Nästan varje quatrain är en jämförelse av tidigare lycka, som poeten kallar en dröm, och den svåra nutiden. Denna analys Tyutchevs dikter återspeglar egenskaperna hos hans texter, som kännetecknas av författarens passion för att uttrycka sina känslor, enorma uttryck och genuina känslor.

Ämnet för arbetet

Vid denna tidpunkt måste eleven ange i några få fraser vilka idéer som oftast återspeglades i författarens arbete. Med en så kort introduktion kommer han att visa sina kunskaper om dragen i texterna till den studerade poeten och samtidigt göra en kort introduktion till huvuddelen av analysen.

Handlingen och kompositionen av dikten vid denna tidpunkt bör vara i fokus för studentens uppmärksamhet. Verket i fråga bygger, som nämnts ovan, på principen om kontrast: författaren kontrasterar lycklig kärlek med tung sorg från kritiken av världen. Temat kärlek går genom hela verket och definierar vokabulär och poetiska uttryck. Det speciella med versen är att den är genomsyrad av bitterhet och smärta. Detta verk var inte en kärleksförklaring, som många andra poeter, utan omvändelse och en begäran om förlåtelse.

Huvudidén

Temat för dikten bör namnges av eleven med största precision: trots allt från dess korrekt definition Den fortsatta utvecklingen av arbetet med analysen av arbetet beror. Idén med en lyrisk uppsats uttrycks bäst i en fras så att studenten själv tydligt förstår exakt vad poeten skrev om (om natur, vänskap, kärlek, fosterland, poesi, historia, etc.). I versen i fråga talar Tyutchev om ånger för den sorg som orsakats av hans älskade. Därför kan eleverna säga att detta är en kärleksdikt, men det är omedelbart nödvändigt att förtydliga verkligt ämne dikterna är snarare en smärta för bortgången av lycka, som, efter att ha gått, orsakat så mycket sorg för den älskade.

Aning

När man studerar ett visst arbete måste skolbarn bestämma dess innebörd. Som regel orsakar denna punkt allvarliga svårigheter för dem på grund av att eleverna blandar ihop ämnet och idén. Det senare är ofta gömt i själva texten och måste bildligt talat läsas mellan raderna. Diktens huvudidé är att författaren ansåg sin affär med Denisyeva vara dödlig, trots att den gav dem kortvarig lycka. Det är betydelsefullt att författaren inte så mycket skyller högsamhällets representanter som skapade en skandal kring hennes namn, utan enbart sig själv för allt som hände. Detta talar om ädelheten i poetens känslor, hans ansvar gentemot kvinnan han älskar. Kanske kan den våldsamma bekännelsen av sin egen skuld för allt som hände kallas huvudidén i detta arbete.

Hjältebild

Frågan om hur man analyserar en dikt måste övervägas särskilt noggrant i skollitteraturlektioner, eftersom praktiken visar att denna uppgift ofta visar sig vara särskilt svår för skolbarn, som ibland har lättare att arbeta med prosa än med texter. Beskrivning spelar en viktig roll i analysen. tecken verk, som i regel inte har fler än två eller tre tecken. Deras avslöjande hjälper till att förstå innehållet och innebörden av verket, eftersom deras tankar, känslor och erfarenheter som regel fungerar som handlingens motor. I versen i fråga finns det två karaktärer - poeten själv, gömd under masken av en lyrisk hjälte, och hans älskade. Det senare är författarens huvudfokus. Hennes sinnestillstånd, lidande och moraliska plåga framkallar ömsesidig sorg hos författaren. Därför är dessa två hjältar oupplösligt förbundna.

Denisevas bild

Problemet med hur man analyserar en dikt bör vara i fokus för lärare och elever, eftersom ett lyriskt verk, på grund av sin specificitet, ofta visar sig vara mycket svårare att analysera än prosa.

Om författaren till exempel i en större roman eller till och med en novell i detalj avslöjar sina karaktärers karaktär och utseende, så begränsar poeten sig i en dikt till endast individuella radskisser. Bilden av Elena Denisyeva representeras av bara några få epitet, som ändå gör det möjligt att se en lidande kvinna i henne. Poeten understryker att hennes tidigare skönhet försvann på grund av hennes upplevelser. Författaren fokuserar på att tårarna torkade upp hennes feminina charm i henne. Och som en kontrast minns han att hon under perioden av deras lyckliga kärlek var en riktig skönhet: glad, ung, glad.

Bilden av en lyrisk hjälte

En elev som analyserar en dikt måste komma ihåg att det i alla lyriska verk finns en författare. Den senare uttrycker antingen sina tankar för en annan karaktärs räkning, eller själv vänder sig direkt till läsarna. I uppsatsen under övervägande uttrycker Tyutchev, å sina egna vägnar, de känslor som överväldigar honom, vilket fördubblar värdet av denna vers. Det har alltså inte bara betydelsen konstverk, men visar också läsarna verkliga händelser från poetens liv. Detta verk har, trots sitt patos, som är allmänt kännetecknande för Tyutchevs verk, ett intimt ljud. Poeten delar trots allt med läsaren sitt personliga drama, som fick genomslag stort inflytande för resten av sitt liv. Att dikten har en personlig karaktär indikeras av ett antal tilltal till läsare, utropsmeningar och interjektioner. Poeten är mycket uppriktig i att uttrycka sina känslor: han delar direkt sin sorg, talar om medlidande med sin älskade, om hennes lidande. Från exemplet under övervägande är det tydligt att karaktäriseringen av bilden av den lyriska hjälten gör att du kan känna diktens känslomässiga bakgrund, förstå dess innehåll, handling och idé.

Språk

En av de sista punkterna i diktanalysplanen är en genomgång av medlen konstnärligt uttryck, med vars hjälp författaren förmedlar sina tankar till läsarna. Som regel är de vanligaste teknikerna användningen av epitet, jämförelser och metaforer. Poetisk vokabulär gör att du bättre kan analysera dikternas struktur och sammansättning. Därför bör eleverna uppmärksamma denna punkt i studiet av det lyriska verket. I det aktuella arbetet bör man påpeka det överflöd av epitet som Tyutchev karakteriserar bilden av sin älskade med. Nästan varje kvat innehåller ett par adjektiv med vilka poeten beskriver bilden av Denisyeva i början av en lycklig romans och efter att skandalen bryter ut.

Dikter om vänskap

Andra exempel på lyriska verk inkluderar de som ägnas åt de vanligaste teman i texter: natur, vänskap, fosterland. A. Pushkin äger ett antal underbara essäer och adresser till vänner.

Alla av dem, med all sin mångfald, kännetecknas av en huvudidé, som bör nämnas i analysen: idén om oföränderligheten av denna känsla som passerar genom alla mänskligt liv. Det är känt att poeten fäste stor vikt vid vänskap med sina universitetsvänner och därför är hans texter det bästa exemplet på att beskriva detta ämne. Eleverna kan välja ett av hans verk att analysera i sin skollitteraturklass.

Andra exempel

Ett annat vanligt tema i ryska texter är beskrivningen av naturen och fosterlandet. I det här fallet kan skolbarn erbjudas verk av S. Yesenin som ett prov. Vid analys av hans dikter bör det påpekas att den ryska naturen i folklorebrytningen intog en viktig plats i hans verk.

Huvudidén med alla hans dikter är hans djupa kärlek till Ryssland. Särskilt bör nämnas författarens poetiska ordförråd. Yesenin tillhörde Imagiströrelsen, därför i hans tidiga verk Det finns uttrycksfulla epitet som skapar poetiska symboler för bondelivet och naturen. Så en plan för att analysera en dikt i skollitteraturlektioner bör innehålla följande komponenter: kort beskrivning historien om skapandet av verket, belyser tema, idé, poetisk vokabulär. Dessutom ska eleven ange allmänna funktioner författarens kreativitet, som manifesterade sig i en specifik komposition. Det givna exemplet på att analysera en dikt kan tjäna som modell för eleverna.

frågor om ideologisk och tematisk analys av arbetet

1) Material- livs- eller konstsituationer, fall, föremål eller föremål för observation och reflektion - d.v.s. den huvudsakliga källan till fantasi, verkets struktur.

2) Ämne (om vad? ) - problemet som författaren tar upp, verkets huvudmotiv. Formulerad av dig (med ditt författarskap) eller hittad av författaren i processen att analysera verket. Det är viktigt att din formulering av ämnet, å ena sidan, är nära dig och berör dig, och å andra sidan är nära och motsvarar kärnan i problemet som författaren tar upp och hans uppfattning om världen, som läses ur verket, biografiska och historiska material och så vidare.

3) Aning (om vad? ) - vad, genom att ta upp detta problem, försöker författaren förmedla till tittaren (läsare, lyssnare, etc.). Den förkroppsligar en viss sida av författarens världsbild. För konsten är detta huvudsaken, Huvudidén, en plan som bestämmer innehållet i ett verk, dess karaktärer, deras existenssätt, relationer, plats, genre, handling, dramaturgi och alla andra delar av verket.

4) Dramaturgi- grunden, ryggraden i handlingen. Helheten av alla relationer mellan karaktärerna sinsemellan, med världen omkring dem och med sig själva, såväl som betraktaren (läsaren) och verkligheten. Bestämmer uppkomsten, utvecklingen och lösningen av de huvudsakliga och privata konflikterna i arbetet. Dramatisk handling är en handling med ett oförutsägbart resultat (till skillnad från en vardaglig), men naturlig enligt högre logik. Dramaturgin skildrar målens dialektik, deras kollision, ur vilken nya mål föds. Dramaturgi tar bort otvetydigt fördömande eller rättfärdigande av hjälten. Nyckelordet i drama är val. Karaktärerna i dramat uppnår aldrig vad de vill, utan alltid mer, mindre och till och med raka motsatsen.

5) Konflikt- Huvudsaklig drivkraft Arbetar. Karaktärernas karaktär och väsen avslöjas i konflikten. Detta är en komplex dramatisk organism, som alltid är baserad på en kamp, ​​en intressekonflikt ("jag vill ha" karaktärerna). Den största skillnaden mellan en dramatisk konflikt och en konflikt i verkligheten är att motsättningarna alltid förvärras till det yttersta. Konflikten kan vara global (historisk, social, statlig, etc.), social (mellan sociala, offentliga, industriella grupper) eller privat (personer, familjer etc.). En dramatisk konflikt uppstår, utvecklas och löses endast i konflikten mellan enskilda karaktärer. Konflikt är alltid en process.

En dramatisk konflikt måste i sig, förutom förvärring, också bära på en känsla av överraskning, konstnärlig nödvändighet och autenticitet för betraktaren.

Känslan av konstnärlig nödvändighet uppstår när de mest oväntade händelserna, situationerna och vändningarna orsakas av karaktärernas handlingar.

Känslan av autenticitet uppnås genom den exakta motiveringen av karaktärernas handlingar.

6) Karaktär- en uppsättning individuellt unika egenskaper som bildas under en persons liv, genom vilka hans attityd och mål avslöjas ("jag vill ha" karaktären).

7) Handling- en handling, resultatet av en bedömning av situationen (omständigheterna), som tvingar en person att aktivt agera för att lösa situationen till hans fördel.

8) Karaktär- en ämnesbärare av vissa delar av författarens plan, genom vilken författaren avslöjar någon nödvändig del av den allmänna idén eller antiidén, vars bärare är denna karaktär.

9) Fabel- berättelse, sammanfattning, ett uttalande av handlingar, relationer och händelser i ett verk i deras sekvens (kronologi över utvecklingen av plotkonflikten). Ryggraden, grunden för handlingen.

10) Komplott- historien om uppkomsten, utvecklingen och lösningen av konflikter i dramatiska situationer, som avslöjar författarens avsikt (temat och idé med verket) genom karaktärerna och deras relationer.

11) Ledmotiv- huvudmotivet (bild, linje etc.) som löper genom hela verket och tjänar till att avslöja huvudtemat.

12) Mottema- ett motiv som står i motsats till det huvudsakliga, i konflikt med det. Detsamma gäller genom hela arbetet.

13) Ytterligare motiv- teman som uppstår parallellt med verkets huvudtema. De utvecklar huvudtemat eller kontrasterar med det, utökar omfattningen av att fånga fenomen, huvudproblemet och mångsidigheten i författarens idé.

14) Genre(litterär) - författarens syn, synvinkel på aktuella händelser. Varje genre har sina egna utvecklingslagar. Ett av kriterierna för att bestämma en genre är metoden för att lösa huvudkonflikten:

A) tragedi- bär kryddig sociala konflikter, grundläggande problem för mänsklig existens (individer med öde, samhälle, världen, gudar, etc.), uttryckt i en intensiv form av kamp starka karaktärer och passioner. Slutar vanligtvis med huvudpersonens fysiska död i ögonblicket för lösningen av verkets huvudkonflikt (denouement).

b) drama- slutar med huvudpersonens död eller avgång som en lösning av huvudkonflikten eller från omständigheter kring huvudkonflikten (leitmotiv).

V) komedi- i finalen har det alltid ”Happyend”, d.v.s. ett lyckligt slut. De där. konflikten löses av positiva karaktärers oväntade tur som leder till seger (inte nödvändigtvis huvudpersonen, till exempel "Tartuffe"). Det finns två typer: komedi av karaktärer och komedi av situationer.

komediserie(byggd på komiska situationer där karaktärerna befinner sig);

komedi av karaktärer(som bygger på serietyper eller karaktärsdrag).

G) mysterium- en handling baserad på en mytologisk handling, löst med hjälp av ett mirakel.

d) liknelse- idén förmedlas i form av allegori, allegori eller genom bildlig association. Huvudtanken (liknelsens innebörd) anges vanligtvis aldrig direkt och kräver oberoende avkodning av betraktaren (läsaren). (Ett exempel är liknelsen om talangerna.)

e) fabel- en förenklad version av liknelsen. Idén förmedlas i form av en allegorisk allegori och huvudidén uttrycks i slutet eller till och med i början av verket direkt eller nästan direkt och kräver ingen speciell kunskap, kultur eller intelligens från uppfattaren för att uppfatta det. ("Hur många gånger har de berättat för världen...").

och) moral- en utökad och dramaturgiskt rikare version av liknelsen, men metoden för att presentera författarens idé liknar en fabel (det vill säga den uttrycks nästan direkt av en eller flera karaktärer eller av författaren). Allegoriskt religiöst drama, vars karaktärer personifierade olika laster och dygder (Girighet, hopp, frosseri, vänskap, avund, etc.)

h) fars- lätt överdriven vardaglig komedi-satirisk action, med situationer och karaktärer som förs till en groteska.

Och) bufferi- en tillspetsat överdriven, överdriven bufflig situation med ofta karikerade karaktärer, handlingar och situationer.

Till) skämt- en kort satirisk berättelse med en oväntad twist i slutet.

Blandade genrer:

l) tragikomedi- har egenskaper av både tragedi och tragedi. Författaren framhåller det komiska i det tragiska och det tragiska i det komiska, d.v.s. den bygger på relativiteten hos befintliga kriterier för attityd till situationer, karaktärer etc.

m) tragisk fars

m) mystery-bouffe

15)"Hemlighet" verk är grunden för alla intriger.

Tre typer av hemligheter: 1. Hjälten vet, tittaren vet inte.

2. Tittaren vet, hjälten vet inte.

3. Hjälten vet inte och betraktaren vet inte.

15) Intrig- förvirrande plotsituationer med hjälp av komplexa vändningar, oväntade vändningar och avbrott i handlingen, sammanvävning och motstridiga intressen hos karaktärer, vilket gör det möjligt att hålla betraktarens (läsarens) uppmärksamhet.

HÄNDELSANALYS AV VERKET

1) Dramatisk händelse- ett avbrott i handlingen som är betydande för en given handling, vilket leder till en vändning i utvecklingen av huvudkonflikten i den dramatiska handlingen och följaktligen en förändring i vändningarna. Händelsekedjan bildar en effektiv serie av dramaturgi. Att bygga en tomt på skärmen är alltid ett steg från händelse till händelse. En dramatisk händelse är alltid tidsutvecklande process. Den dramatiska utvecklingen och förvärringen av en händelse bestäms av den ledande omständigheten för denna händelse och den ledande omständigheten i det hela.

2) Ledande omständighet- den huvudsakliga omständigheten som driver hela handlingen av en sak mot utveckling och, som ett resultat, mot en superuppgift.

3) Att hitta en ny händelse: något betydande händer som orsakar förändring i karaktärens maktbalans leda handlingen och (eller) deras mål, motivation för handlingar orsakade av en förändring i den ledande omständigheten, hjältens agerande, etc. Efter händelseförändringar kan karaktärerna inte längre existera på samma sätt som tidigare.

4) Eventpris– hur betydelsefullt det är för hela handlingsförloppet och för alla karaktärer som är inblandade i konflikten – det vill säga hur mycket det förändrar karaktärernas maktbalans.

5) Inledande omständighet– en förvärrad konfliktsituation som ligger till grund för hela handlingens historia. Det är dess resultat som betraktaren ser i början, och det rapporteras om det i utställningen.

6) Ursprungshändelse- en händelse utan vilken handlingen i handlingen inte kan börja. Den ursprungliga händelsen innehåller arten av verkets känslor och är alltid nyckeln till att lösa konflikten. Den initiala händelsen kan inträffa i början eller (oftare) före början av handlingen och rapporteras av författaren när handlingen fortskrider, var som helst. Att ta reda på den första händelsen kan till och med vara den sista vändningen och upplösningen av handlingen (detektiv). Den ursprungliga händelsen genereras av den ursprungliga omständigheten eller till och med lokaliserad i den.

7) Första (huvud)evenemanget (startevenemang)- en händelse som initierar en konflikt, en dramatisk handling. Detta är det första viktiga "plötsligt", som pressar karaktärerna ihop, driver handlingen in i handlingsutvecklingen.

8) Huvud händelse- handlingens huvudhändelse, vanligtvis bärande av sin twist, avslöjar huvudkaraktärernas karaktärsdrag och författarens avsikt, kulmen på verket.

G. A. Tovstonogov identifierade 5 händelser: initial, main, central, final och main, men sedan övergavs en sådan stel klassificering, såväl som Stanislavskys "bitar".

Organisera en händelse på skärmen:

1. För att tittaren ska förstå att en ny händelse har inträffat i handlingen måste den framhävas och tydligt avslöjas på skärmen. I det här fallet blir den nya händelsen också en "uppmärksamhetskrok".

2. Betoningen bör endast ske med konstnärliga medel med obligatorisk användning av visuella medel (oavsett textens konstnärliga, semantiska och kvantitativa rikedom).

3. Styrkan hos de konstnärliga medel som används måste vara strikt korrelerad med kostnaden för evenemanget.

4. En förändring av en händelse måste nödvändigtvis medföra en förändring i tempo-rytm och en förändring av metoden för att presentera materialet (skyttemetod, atmosfärisk-tonal, mise-en-scène, ljuddesign, etc.).

5. Konstruktionen av ett evenemang bör alltid innehålla alla delar av arkitekturens konstruktion: från exposition genom klimax till den dramatiska vändningen.

6. Den sista vändningen av en händelse bör alltid samtidigt bli början på nästa händelse.

7. I varje händelse är det nödvändigt att identifiera och formulera dess ledande motiv - det huvudsakliga sensoriskt-emotionella temat, händelsens "korn" - som kommer att utvecklas och intensifieras i den, och lösas i ögonblicket av vändningen.

Arbetets arkitektur

1) Utläggning- vanligtvis (men inte nödvändigtvis) den första delen av verket, där huvudpersonerna, platsen och tidpunkten för handlingen och de initiala omständigheterna, den preliminära maktbalansen och verkets hjältars strävanden presenteras. Men förutom detta måste betraktaren i utställningen också förstå det helas genre, språk och graden av konventionalitet och dess globala rytm – utan detta kommer han inte att kunna börja uppfatta handlingen. De där. Innan berättelsen börjar måste tittaren förstå Hur det kommer att berättas, förstå spelförhållanden saker i allmänhet.

2) Början- början på huvudkonflikten, och därför handlingen, karaktärernas kamp, ​​genererad av en intressekonflikt och förstör den initiala situationen. Knyter en dramatisk knut.

I god dramaturgi (och trots allt är manuset, och hela filmen, ett dramatiskt verk), speciellt ett filmverk, brukar expositionen kombineras med handlingen, d.v.s. föreställningen äger rum samtidigt med konfliktens början, i handling, vilket gör att du omedelbart kan fånga tittarens uppmärksamhet. Om du har tappat uppmärksamheten i detta skede blir det svårare att fånga den ju längre du kommer. (M.I. Romm sa att "dålig dramaturgi, som regel, är förknippad med ineffektiv utläggning.")

3) Peripeti- plötsliga förändringar i en karaktärs öde, i motsats till hans och (eller) tittarens förväntningar. Peripeteia är en kedja av händelser som utvecklar konflikter i karaktärernas relationer. Ordet peripeteia är översatt från grekiska som "en oväntad händelse." Varje ny händelse förändrar förhållandet mellan krafter och karaktärernas "jag vill" och därför deras beteende. Dessutom bör varje ny händelse förvärra konflikten jämfört med den föregående. Det är denna metod som gör det möjligt, å ena sidan, att hålla betraktarens uppmärksamhet, och å andra sidan (vilket är författarens huvuduppgift) att överväga beteendet, och därför målen och karaktärerna för karaktärerna från olika sidor, för att visa sina olika aspekter, så att, med hjälp av betraktarens sensoriska perception, tillsammans med honom, göra dessa hjältar till slut deras bedömningar. De där. för författaren är peripeteia ett sätt att utforska hans karaktärer, observera dem i olika situationer, och genom dem - forskning människans natur allmänt.

Peripeteia säkerställer kontinuitet i handling och eskalering av konflikter.

Upptrappningen av konflikten uppnås:

a) införandet av allt mer aktiva krafter, positiva och negativa, alltmer inflytelserika och farliga karaktärer i konflikten;

b) införandet av nya omständigheter som förvärrar konflikten, vilket ökar motsättningarna hos huvudpersonerna;

d) förvärring och aktivering av gamla och införande av nya, farligare och mer akuta metoder i karaktärernas kamp;

e) en ökning av antalet karaktärer som är involverade i kampen på båda sidor - utvidgningen av aktionen till grupp- och massaktion;

Alla dessa tekniker kan användas för att förbättra handlingen, antingen individuellt eller tillsammans.

4) Klimax- den yttersta förvärringen av konflikten, för den till sin logiska gräns, den högsta punkten, som kräver att hjältarna anstränger sig ytterst av all sin styrka och leder till en vändpunkt i hela handlingen.. Det är vid klimaxen som De mest kraftfulla uttrycksmedlen kastas alltid, det är här som tempo-rytmen snurras till det yttersta och situationen kommer till en explosion som vänder karaktärernas hela värld och betraktarens attityd till dem. Denna explosion kallas en sväng. Ofta (men inte alltid) avslöjas eller låter idén med verket nästan öppet här.

5) Stopp- ett tillfälligt stopp, avmattning, nedgång, som om en broms på handlingen, en minskning av spänningen i konflikten före svängen och (eller) klimax. Detta är alltid en felsäker metod för att förbereda tittaren för handlingens huvudsakliga genombrott, den ultimata eskaleringen av konflikten. Ger möjlighet att koppla av betraktaren och använda denna avslappning för ett starkare slag. (Meyerholds "rollback"-teknologi: ju mer bågsträngen dras tillbaka, desto längre, snabbare och kraftfullare flyger pilen; ju starkare sving, desto kraftfullare slaget, etc.

6) Rotera- upplösning av handlingen på ett oväntat sätt, uppdelning av alla relationer och logisk - sensorisk lösning av konflikten. Det är här som katarsis ("rening") uppstår och oftast avslöjas huvudförfattarens idé - varför detta verk skapades.

Vid denna paus avslöjas karaktärernas väsentliga, huvudsakliga "jag vill", deras väsen avslöjas och författarens bedömning av var och en av huvudkaraktärerna ges, inte nödvändigtvis i öppen text. Det kan inträffa, beroende på författarens uppgift, antingen vid toppen av klimax eller vid upplösningen av saken. En sväng bör alltid ge en massiv push mot lösningen av ämnet, inte nödvändigtvis en fullständig, utan en kraftfull push mot det.

7) Upplösning- lösa konflikten och relationerna mellan alla dess hjältar eller föra dem till en grad eller situation där kampen blir meningslös eller värdelös, kampens upphörande. Att lösa upp handlingens dramaturgiska knutar, oavslutade lokala konfliktlinjer i verket och fullbordandet av verkets alla huvudlinjer. Ibland kombinerat med en sväng till en helhet.

Upplösningen kan stängas - för att fullborda temat, eller öppna - för att lämna tittaren utrymme för sina egna gissningar om hjältarnas öde. Teknologiskt utför denouement funktionerna att reducera temporytmen och återföra betraktaren till verkligheten.

8) Lagen om "det gyllene snittet"- kompositionens centrum (den mest psykologiskt kraftfulla punkten när det gäller inverkan på betraktaren) är alltid belägen 2/3 från verkets början i förhållande till dess totala längd (volym).

Regissörens idé

(Effektiv analys av arbetet)

1) Superjobb- regissörens idé. Till skillnad från en litterär idé är superuppgiften nödvändigtvis formulerad i en effektiv, verbal, tilltalande form och korrelerar med handlingen från början till slut (d.v.s. den har en positiv orientering - det man kallar betraktaren till). Svarar på frågan varför och varför just jag tar mig an detta material idag. (Förklara varför olika formuleringar behövs.)

2) Majs(term av V. E. Meyerhold) - en sinnlig idé som bestämmer den allmänna känslomässiga känslan av en sak. ("Tre systrar" - "längtar efter ett bättre liv.")

”Säden är verkets essens, dess kärna, uttryckt i en specifik figurativ essens. För att förstå begreppet spannmål måste du förstå, och därför förstå författarens inställning till det avbildade, karaktärerna, för att känna konstnärlig originalitet" V. E. Meyerhold.

Spannmål kan ibland bli titeln på ett verk ("Running", "Dragon", "Duck Hunt",

3) Åtgärd från början - en effektiv kamp för att bevisa superuppgiften.

4) Motverkande åtgärder- en effektiv kamp mot superuppgiften.

Båda raderna måste vara kontinuerliga till slutet av berättelsen, utförda av huvudkaraktärerna och lösas endast i upplösningen. Ibland kan karaktärerna som leder genom- eller motverkande handling saknas - men i det här fallet leds de av författaren själv (text "från författaren", plast- och ljudserier, föreslagna omständigheter, högre makt, författarens genre - i " Generalinspektören, etc.).

5) Kampens föremål- mellan vad och vad en motsättning har uppstått och växer, d.v.s. identifiering av motstridiga idéer som författaren stött på.

Men en dramatisk konflikt uppstår, utvecklas och löses först i sammandrabbning av enskilda karaktärer. Därför, efter att ha hittat de viktigaste motstridiga idéerna, anpassar vi dem, d.v.s. Vi bestämmer vilken av karaktärerna som bär vilken idé eller dess variationer. Det betyder att vi definierar ämnen för kampen.

6) Ämnen i kampen- karaktärer som bär motstridiga idéer i arbetet. De där. Vilken karaktär specifikt fungerar som bärare av författarens idéer och motidéer.

7) Objekt för kamp- det eller de livsprinciper som huvuddeltagarna i konflikten kämpar för. De där. vad är kampen för i idékonflikten och i karaktärskonflikten.

8) Karaktärens slutmål- karaktärens huvudsakliga "jag vill ha", vad han uppnår i kampprocessen, såväl som hans arbete för genom- eller motverkande åtgärder (som ett resultat!).

9) Regissörens genre(intern genre) - arten av händelserna som äger rum och författarens (regissörens) inställning till dem, vilket avgör publikens uppfattning om vad som händer.

10) Atmosfär- verkets luft, d.v.s. hur huvudkaraktärerna andas in ditt föremål. Stämningen bör inte gå utöver författarens avsikt.

Atmosfären kan, precis som luften i verkligheten, vara tät och sällsynt, åska och solig, mörk, kvav, fräsch, varm, sval, etc. Att skapa en atmosfär är enbart en regissörs och kameramans uppgift.

Andrey Kaminsky.

Omfattande analys av prosatext

Verkets skapande historia och dess historiska och litterära sammanhang.

- Verkets kreativa historia(tidpunkten för skapandet av texten; påverkan av historiska händelser och händelser i författarens personliga liv på texten; idén om verket; förändringar i idén, bilder av karaktärer, handling, textstil under arbetet med det, publiceringshistorik för texten, första kritiska bedömningar av texten).

- Utvärdering av ett verk i litteraturkritik(litteraturkritikers syn på texten, polemik, dispyter om arbetet inom litteraturkritiken).

- Verkets historiska och litterära sammanhang:

Verkets plats i författarens verk (i samband med arbetet under en viss period, i samband med verk av denna genre/ämne, inom ramen för hela författarens verk);

Verkets plats i författarens samtida litteratur (till vilken litterär rörelse, riktning hör texten, vilken roll spelade textens genre i tidens litteratur, vilka författare från denna tid berörde samma teman, problem , liknande bilder av hjältar och tomter dök upp);

Verkets plats i samband med litteraturen från flera epoker (vilka tvärgående teman, problem, bilder är typiska för en viss litteratur).

Ideologisk och tematisk plan för texten (huvudämne och sekundärt, särskilda ämnen, frågor, huvudidén för texten).

Ämne- detta är en uppsättning händelser som beskrivs i arbetet och som ställer till problem.

Problem- det här är huvudfrågan som väcker verkets tema. frågor- en uppsättning problem som återspeglas i arbetet. Problem kan vara sociala, ideologisk-politiska, filosofiska, moraliska. Ett ämne kan bli grunden för att ställa olika problem (ämnet livegenskap - problemet med den livegnas inre ofrihet, problemet med ömsesidig korruption, deformation av både livegna och feodala ägare, problemet med social orättvisa).

Aning- huvudtanken med arbetet. Idén speglar författarens lösning på de problem som tas upp i texten, författarens inställning till de avbildade livsfenomenen.

3. Innebörden av verkets titel. Titeln på ett verk kan förknippas med både huvudtemat och huvudidén för arbetet; titeln understryker textens centrala bild (bilden av en hjälte eller hjältar, händelser, saker). Ofta har namnet en symbolisk betydelse.

Karaktärssystemet i verket.

Bilder på huvudpersonerna;

Bilder av mindre karaktärer;

Karaktärernas relationer till varandra. Här är det nödvändigt att bestämma konflikterna mellan hjältarna (externa konflikter) och motsättningarna i individuella hjältars själar (inre konflikter).

Bilden av en litterär hjälte: ett porträtt av en hjälte; konstnärliga detaljer, interiör och landskap som indirekta sätt att karakterisera hjälten; beskrivning av karaktär (stabila personlighetsdrag) och momentana tankar och känslor hos karaktären; hjältens tal.

Komposition och handling av verket.

Sammansättning:

- arrangemang av tecken;

Ordningen för rapportering av händelserna i handlingen (tomtsammansättning);

Växling av intrig och extra plot (porträtt, landskap, interiör, lyrisk utvikning) element i berättelsen;

Den semantiska korrelationen mellan verkets delar, teknikerna för upprepning, kontrast och antites i kompositionen;

Drag av konstnärlig tid och rum.

När du analyserar kompositionen bör du vara uppmärksam på den kronologiska omarrangeringen av händelser, till sådana tekniker som fördröjd exponering, kopplingen av klimax och denouement, frånvaron av exposition eller denouement. Det är också nödvändigt att bestämma typen av komposition: kompositionen kan vara vertex, spegel, ring, öppen, koncentrisk.

Komplott:

Berättelser och karaktärer som representerar dem;

Konflikter mellan hjältar, interna konflikter mellan hjältar;

Närvaron och placeringen av handlingselement i texten (exposition, handling, utveckling av handling, klimax, upplösning, epilog)

6. Stilistiska egenskaper text(drag av ordförråd, textsyntax, prosarytm, konstnärliga uttryck).

Relaterad information:

1. III. Slutord från läraren. Slutscenen - arresteringsscenen - innehåller kulmen på romanens filosofiska handling: en person kommer i kontakt med ledande historiska mönster

Inledning………………………………………………………………………………………………...2

1. Idé. Konstnärligt koncept. Ämne. Handlingen i den koreografiska kompositionen…………………………………………………………………………………………………..5

2. Tema för berättelsedanser………………………………………………………………………..13

3. Kreativ process………………………………………………………………...17

4. Dramatiska länkar i ett koreografiskt verk………………….19

Slutsats……………………………………………………………………………………………….25

Referenser………………………………………………………………………27

Ladda ner:

Förhandsvisning:

Inledning………………………………………………………………………………………………...2

1. Idé. Konstnärligt koncept. Ämne. Handlingen i den koreografiska kompositionen…………………………………………………………………………………………………..5

2. Tema för berättelsedanser………………………………………………………………………..13

3. Kreativ process………………………………………………………………...17

4. Dramatiska länkar i ett koreografiskt verk………………….19

Slutsats……………………………………………………………………………………………….25

Referenser………………………………………………………………………27

Introduktion

Balettkonsten har idag fått universell betydelse både som genre och som vetenskap. Balett för samhället som helhet är en förmån klädd i en speciell form av skönhet av en "talande kropp." Det unika i den klassiska dansens språk, som inte förmedlar ord, utan tankar och begrepp, gör balettens dramaturgi inte till en litterär form , men en psykologisk sådan. Balettdramats psykologi är förknippad med de andliga, filosofiska sfärerna av tänkande som påverkar en person figurativt, kreativt, associativt, konstnärligt, estetiskt.

För att förstärka inverkan på betraktarens känslor och känslor, har författaren-regissören sådana hjälpmedel för uttryck som musik, scenografi, ljus, etc., d.v.s. en hel arsenal av ytterligare faktorer och tekniker som förstärker dramaturgin. En baletts (verk) dramatiker kan, till skillnad från andra scenkonstförfattare, genom att demonstrera en uttrycksfull pose eller gest inspirera eller framkalla en hel rad tankar, ett helt figurativt koncept, avslöja innebörden av ett fenomen, en händelse, ersätta en enorm "monolog" med en "replika".

Balett är en symfoni av synliga tankar, uttryckt genom dans, rörelse, komposition, regi och redigering av alla komponenter i en oändligt varierad kombination av dessa krafter.

Varje konstverk i alla dess typer och genrer måste skapa en helhetsbild av det som avbildas.

Ämnet för bilden i ett dramatiskt verk är social konflikt(av en eller annan skala), personifierad i verkets hjältar. För att ett dramaverk ska få ett konstnärligt genomslag måste det skapa en helhetsbild, en helhetsbild av händelsen.

Dramat skapar en bild av en konflikthändelse, en bild av en social sammandrabbning. Den här bilden måste ha tre obligatoriska element, bestämma dess integritet. Först och främst är det nödvändigt att förklara vad som händer, var, varför och varför kollisionen uppstod, för att skildra dess början. Utan detta blir det inte klart.

Det är nödvändigt att visa utvecklingen av kollisionen, dess väsen. Och slutligen är det nödvändigt att visa vad denna utveckling har lett till. "Vad det ledde till" är inte likvärdigt med konceptet "hur det slutade."

Varje händelse i livet kommer att sluta, och särskilt under författarens penna, kanske helt av en slump, och inte som ett resultat denna utveckling, inte som ett resultat av den kamp av motsättningar som manifesterade sig i denna konflikt. Att skapa en helhetsbild av en händelse är ett obligatoriskt konstnärligt krav för ett dramaverk.

Samtidigt inkluderar sammansättning organiseringen av verkets handling, avslöjandet av material genom handlingen, vilket är ett slags "konfliktens kläder", det vill säga ett sätt att konkretisera den.

Serien av händelser, det vill säga den sekventiella utvecklingen av livsprocessen i dramat, stadierna i dess konflikt, har också sitt förhållande till helheten, detaljerna till det allmänna. Handlingsflödet är en konsekvens av konfliktens utveckling. Begreppet komposition förknippas alltså med konstruktionen av dramatisk handling.

Syfte provarbeteär: studeraett koreografiskt verk vad gäller tema och idé.

Testmål:

Betrakta begreppen "idé", "konstnärligt koncept", "tema", "intrig" och identifiera deras betydelse i processen för ett koreografiskt verk;

Tänk på temat berättelsedanser;

Utöka begreppet "kreativ process";

Studera de dramatiska inslagen i ett koreografiskt verk.

Begreppen "idé", "konstnärligt koncept", "intrig" och deras betydelse i processen för ett koreografiskt verk togs från källan:

Bogdanova G.F. "Grundläggande av koreografisk dramaturgi." Ämnet berättelsedans diskuterades i boken: Zaripova R.S., Valyaeva A.R. "Från idé till handling." Den kreativa processen studerades i boken: Zakharova R.V. "Composing a Dance." Dramatiska länkar i koreografiska verk togs från källan: Bogdanova G.F. "Grundläggande av koreografisk dramaturgi."

Testet, vars struktur bestäms av de tilldelade uppgifterna, innehåller en inledning, avslutning och en referenslista.

1. Idé. Konstnärlig avsikt. Ämne. Handlingen i den koreografiska kompositionen.

Så länge det inte finns något ämne kan författarens arbete med verket inte börja. Tema är ett problem som ställs av livet och uppmuntrar författaren att skapa.

En idé är en lösning på någon fråga, något ämne. Hela processen att skapa ett verk är en process för att avslöja och lösa ett tema och omvandla det till en idé.

En idé är aldrig öppen och aldrig statisk. Det dör så fort det slutar utvecklas eller blir banalt och skadligt.

En fruktbar idé kan leva i årtusenden, den försvinner inte i slutet av verket, utan lämnar med personen och dyker upp varje gång verket tas upp igen.

De idéer som lagts fram av de gamla författarna i Egypten, Grekland, Kina och andra har bestått i mer än tre årtusenden.

Det finns lovande idéer och de som inte har någon utveckling. Det finns idéer som tillfälligt förlorar sin relevans och tycks frysa i historisk glömska, för att sedan få liv igen. Sålunda, i samband med uppkomsten av centrifugalkrafter i Ryssland, blir idéerna om "The Lay of Igor's Campaign" mycket moderna.

Idéer kan vara subjektiva eller objektiva. En subjektiv idé verifieras av objektiva lagar. Det finns fall då författaren, som avser att avslöja ett fenomen, faktiskt kämpar mot ett annat, eftersom den ursprungliga idén är antingen obetydlig eller falsk och inte klarar testet av objektiv lag, det vill säga livet.

Ibland dyker det upp verk med en falsk idé, de förekommer oftast i ofria samhällen. En falsk idé åtföljs vanligtvis av en falsk form. Idéer, som ämnen, kan vara huvudsakliga eller sekundära.

I ett genuint verk finns en kamp av idéer, under vilken huvudtanken antingen vinner eller dör om det var falskt.Idén med en föreställning, pjäs eller manus brukar kallas verkets superuppgift.

En konstnärlig idé är en slags "nyckel" till ett verk eller till separata delar, komponenter, element, till bilder.

Idén i en balettföreställning speglar ett mönster historisk period, tidens ideologi. Påverkar det sociala livet genom konstnärliga bilder.

Idén om en koreodramaturg är alltid föremål för dramaturgins lag och dess fem sektioner: utläggning, handling, utveckling, klimax och upplösning. Det genomsyrar hela verket, alla dess komponenter, både externa och interna - psykologiska. Den innehåller ett antal begrepp utan vilka en uppsats är praktiskt taget omöjlig: tema, handling, typ, typ, metod, stil, etc.

En balettföreställning är ett tänkande som utvecklas i en dialektisk och konstnärlig process och utvecklar en idé.

Idén genomsyrar alla delar av verket och är en undertext i plotkollisioner. Detta är essensen av balett, problemet, dess innebörd, betydelse, författarens koncept.

En idé är en världsbildsprincip som uttrycker filosofiska, sociala, moraliska, politiska aspekter, positioner, tänkande och attityder till världen.

En idé är tankens enhet, en känsla – kunskap och intuition, förväntan, framsynthet och förväntan. Idén förmedlas genom psykologismen i bildernas beteende och deras karaktärers sammandrabbning.

Det avslöjas i processen att utveckla temat och handlingen. I sin renaste form konstnärlig idé bär abstrakt karaktär och har inget konstnärligt värde. Ju mer distinkt kampen mellan motsatta krafter är, desto högre värde har en idé. Sanningen i en idé är i processen, i utvecklingen av handlingen i ett konstverk.

Idén gör det möjligt för författaren att dra moraliska och psykologiska slutsatser, att presentera sina tankar och känslor för tittarens offentliga domstol och samtidigt framkalla, provocera i betraktaren vissa känslor, känslor, tankar, för att framkalla empati, sympati, genom medverkan (av den direkta betraktaren).

I ett verk sprids idén i alla dess delar och element och cementerar liksom kompositionen med sin energi.

En idé har förmågan att självutvecklas, eftersom differentierade i författarens, artisternas, åskådarnas världsbild och deras inställning till verket och till världen.

Konstnärligt koncept.

Koreodramaturgens idé hänger ihop med hans världsbild. Och valet av ett tema eller handling är bara ett sökande efter form, avsikt, plan, idé, idé för att uttrycka sin attityd, ens syn på livets problem.

En plan är en representation, fantasi, föregripande av en idé bildlig form. En viss prototyp av ett verk, framkallad av fantasin "från framtiden."

Idén är början på den kreativa processen. Och externt – detta kan uttryckas i form av skisser, planer, program, ansökningar, skisser, skisser, tester, reflektioner m.m. Idén och dess genomförande är relaterat till verkets ”undertext”, d.v.s. med idéer som är drivkrafter, dirigenter, guider för "end-to-end-handling" i handlingen.

En idé kan födas spontant, av en slump, men den kan fostras i åratal, som om den prövades av tiden.

Drivkraften för en plan kan vara olika faktorer: en ljus tanke, ett fantasifullt fenomen eller handling, ett föremål som väcker associationer, emotionell stress, ett möte med en intressant person och andra impulsiva energifaktorer som påverkar medvetandet, undermedvetet och psyket.

Under arbetet med genomförandet av en plan konkretiseras, förtydligas, poleras den och ibland kan den förändras i grunden, vilket dock inte ändrar dess ursprungliga värde i den kreativa processens enorma heuristiska aktivitet.

Koreografen, författaren, i färd med att implementera planen, får möjlighet att klargöra huvudriktningarna för sökningen för sig själv, förutsäga handlingens taktiska och strategiska rörelser, kontrollera nästa resultat i övningsprocessen och logiskt följa den planerade planen.

Regissörens förmåga att konstruera och vägleda sin idé genom labyrinter av alla typer av hinder, och dess djupa och omfattande utveckling, uttrycker författarens kultur, världsbild, professionalism och hans skicklighet.

Ämne

För att uttrycka sina idéer och planer letar en koreograf efter och hittar ämnen som kan intressera publiken.

Det som är relevant är inte vad som är modernt till tema eller handling, utan det som bär på aktuella idéer, idéer av idag.

Valet av ämne beror på världsbilden, författarens inställning till sociala fenomen, på intelligens, synsätt, kultur, professionalism, sätt att tänka, medborgarskap, moraliska och estetiska övertygelser, filosofiska och juridiska åsikter, ideologiska, politiska och andra positioner.

Balettteaterns tema och ideologiska plattform och dess repertoar måste stå i samklang med den estetiska trenden inom samhällskonsten, både i det egna landet och i hela världen.

Det estetiska värdet av balettverkens teman ligger i enheten av realistiskt bedömda händelser som äger rum på scenen och deras konstnärliga tolkning och presentation (form).

Temat kan uttryckas konceptuellt (temat revolution, intelligens, personlighet); metaforiskt (temat "fäder och söner", temat "förödmjukade och förolämpade", "överflödiga" människor, etc.); hushållsnamn (Hamlet, Don Quijote, Demon, Don Juan, Khlestakov).

Inom konsten finns det så kallade "eviga teman" där beteendepsykologi hos mänskliga karaktärer, temperament, passioner som är inneboende i alla århundraden, folk och länder lever och förverkligas: kärlek, gott och ont, liv och död, pengar, makt , frihet, vilja, skönhet, sökandet efter meningen med livet och mycket mer. etc.

"Eviga teman" är ett levande minne av mänsklig moral, etik, mänskliga relationer, ett minne som mänskligheten befäster i konstens bilder.

"Eviga teman" i konsten rör sig från en era till en annan och bär de mest generaliserade och stabila egenskaperna hos en persons karaktär i den historiska utvecklingsprocessen.

Människan har alltid varit intresserad av mannen själv, och manifestationerna av hennes karaktär under dessa eller andra omständigheter. I klassiska baletter möter en person, som i livet, sådana eviga begrepp som plikt, heder, samvete, aska, synd, hjältemod, patriotism, svartsjuka, avund, förtal, svek, hämnd, frihet och många andra. etc.

I balett förmedlas alla dessa egenskaper av dess språk, dess icke-verbala system och dess koreografiska tekniker. "Balettens sanna, enda eviga handling är dansen" (T. Gautier).

Begrundande och empati med karaktärerna i pjäsen, i publikens själar, sinnen och hjärtan, sker ett slags urval av inre moraliska egenskaper, självkänsla, självutveckling, självförbättring.

"Eviga teman" är designade för att förandliga, förbättra, rena och lyfta människan i människan med skönheten i formen av balettkonst.

Teman, intrigar, vändningar, kollisioner i olika balettproduktioner kan vara mycket olika, hämtade från olika epoker, länder, genrer (sagor, legender, myter, liknelser) och överförda till våra dagar.

Men "temans evighet" kommer alltid att hetsa en person, alltid påverka hans levande själ. Moralen för "eviga teman", deras kognitiva och pedagogiska roll, andlighet går från generation till generation och är grunden för klassiska verk.

Detta avslöjar sambandet mellan tradition och innovation, som en av estetikens grundläggande lagar.

Komplott. Fabel. Innehåll och meningsfullhet.

Handlingen i en balettföreställning är dess innehåll, d.v.s. en uppsättning händelser genom vilka karaktärernas karaktärer avslöjas.

Handlingen i en koreografisk komposition är förknippad med typen av konstnärligt tänkande, med en specifik kulturell och historisk era, kreativ metod, medborgerlig position, etiska normer och estetiska smaker hos koreografen.

Handlingen avslöjas genom verkets handling, genom huvudet konfliktsituationer, kollisioner, växlingar, sammankopplade till ett enda figurativt och konstnärligt system.

I handlingen, genom händelser, genom handlingar, sammandrabbningar av karaktärer, genom miljön, manifesteras bilder.

Handlingen är en viss plan, arkitektur, sammanfattning, libretto. Handlingen kan kort återberättas, men handlingen är nästan omöjlig att återberätta, eftersom... dess betydelse ligger närmare ett manus än en komposition.

Handlingen är essäns strukturella grund, ryggraden, en berättelse om händelser och detaljer. Delar av en handling: början, konflikt, utveckling, klimax och lösning. Varje koreograf, som arbetar med samma tema, utvecklar handlingen på sitt eget sätt och använder sin egen handling.

Handlingen är ett sätt att existera och utveckla handlingen, det är en kollision som rör sig enligt sina egna interna lagar, allt är underordnat en enda "genomgående linje" - en idé.

Handlingen i en balettföreställning är dess innehåll, en uppsättning händelser, fenomen, former som hjälper till att avslöja karaktärernas karaktärer. Det finns ett filosofiskt talesätt; "... varje kris, även varje vändpunkt i utvecklingen, leder oundvikligen till en diskrepans mellan den gamla formen och det nya innehållet."

Innehållsbegreppet omfattar: tema, handling, bilder, kollisioner, form etc. I begreppet innehåll ingår; ideologisk orientering, social betydelse, författarens världsbild, verkets sociala betydelse och värde, dess relevans, konstnärskap, skönhetspåverkan, estetik, psykologism, undertext, filosofisk orientering, etc. Därför skiljer balettens estetik medvetet mellan två begrepp - "innehåll" och "meningsfullhet", eftersom den första har att göra med medel, tekniska tekniker, och den andra har att göra med den ideologiska och estetiska förståelsen av verket som helhet.

Således är idén med ett verk dess "förbild", "prototyp", "prototyp". För att uttrycka sina idéer och planer letar en koreograf efter och hittar ämnen som kan intressera publiken. Teman, intrig, vändningar och kollisioner i olika balettproduktioner kan vara väldigt olika, hämtade från olika epoker, länder och genrer.

2. Temat för berättelsedanser

Koreografisk konst speglar både många aspekter av den moderna verkligheten och olika folks förflutna.

Redan i antiken uttryckte människor olika känslotillstånd med plastiska rörelser.

Under åren har den ökande komplexiteten i relationer mellan människor, viljan att förklara naturfenomen lett till en mängd olika ämnen och tomter som lösts med hjälp av plastisk konst.

Innehållet i danserna och framställningsteknikerna utvecklades. Processerna för interpenetration av olika kulturer utvidgades och fördjupades, vilket inte bara suddade ut deras gränser utan också valde ut och skärptes Metod varje folks nationella konst.

Temat för arbete. "Förekomstprocessen avslöjade vikten av rytm. Rörelser underordnade rytmen gav upphov till dans - en av kulturens tidigaste manifestationer."

Forntida danser, som speglar arbetsprocesser, hade en lekfull karaktär. Uppkomsten av nya typer av arbete förändrade människors attityder till det och till varandra, och allt detta återspeglades i dansen. Till exempel, i dansen "Lenok" berättades det om hur lin sås, samlas in och krossas.

När man börjar komponera en dans på temat arbete, måste koreografen komma ihåg att den plasticitet med vilken dess innehåll avslöjas är associativ till sin natur, så det är viktigt att ta hänsyn till följande regler:

Förlossningsprocessen återspeglas inte fullt ut i dansen.

Scen, nyckelmoment och delar av arbetsprocessen som tydligast kännetecknar den tas till spel, inte en illustration ges, utan en slags antydan till den, en association till den;

Det är nödvändigt att hitta detaljerna i verket, dess element som kräver en ljus scenlösning med hjälp av koreografiska suddgummi, gör att du kan skapa scenverk;

Hitta element som skildrar arbetsprocessen, så att du kan komplicera dem med koreografiska rörelser, skapa konstnärliga och figurativa rörelser och karakteristiskt ordförråd. Att undvika pantomimberättande och illustrativitet;

Hitta en konstnärlig och figurativ kompositionsstruktur som speglar dansens huvudinnehåll - poetisering av arbetet.

Det är problematiskt att visa klockmontörernas arbete genom dans, men "klockans dans" är möjlig, som till exempel i den musikaliska barnteatern "Zadumka" arrangerades den nyfikna "Dance of the Clock".

Rätt musikmaterial kan vara till stor hjälp för koreografen. Det rytmiska och melodiska mönstret bör hjälpa till att avslöja arbetets natur, och den känslomässiga strukturen bör hjälpa till att avslöja tillståndet och attityden hos människor på jobbet.

Tema i vardagen. Livet är ett sätt att leva Vardagsliv, en icke-produktiv sfär, inklusive både tillfredsställelse av människors materiella behov (mat, bostad) och utveckling av andliga förmåner, kultur, kommunikation, rekreation och underhållning.

Socialt, urbant, landsbygds-, familje-, individuellt liv bildas under inflytande av materiell produktion, sociala relationer, kulturnivå och nationella särdrag.

Vi är skyldiga vår kunskap om tidigare generationers liv till konst och mönster där människors världsbilder, moraliska normer och andliga utvecklingsstadier av olika samhällen, klasser och grupper var fixerade.

De flesta danser på vardagliga teman avslöjar frågor om moral. De speglar alltid innehållet i samhällets moral. Först och främst detta inre värld av en person, manifestationen av hans relationer med andra människor:

Lojalitet mot plikt, heder;

Kämpa för frihet, mot det onda;

Problem med partnerskap, vänskap, kärlek, familjerelationer.

Danser på vardagliga teman utförs i olika genrer:

Dramatisk, ofta med lyriska motiv ("Moldavian Wedding" - dansensemble "Zhok"; "Given to the Young" - Ural Folk Choir; "Lyub-trav" - Omsk Folk Choir; "Coachmen" - Volga Folk Choir;

Tragiskt, ofta på ett heroiskt sätt ("Mot gryningen" - dansensemble "Beryozka"; "Khorumi", "Partisans" - State Academic Folk Dance Ensemble uppkallad efter I. Moiseev;

Komiskt kallas dessa danser ofta "komiska" eller lekfulla ("Yurochka" - dansensemble från Vitryssland; "När kosackerna gråter" - Don-kosackernas sång- och dansensemble; "Åh, under körsbärsträdet" - dansensemble av Ukraina uppkallad efter Pavel Virsky;

Koreografernas kreativa intressesfär inkluderar både de mest akuta sociala problemen och de mest subtila lyriska upplevelserna.

Natur tema. Människan är ett naturbarn. Sedan urminnes tider har människan försett allt omkring sig med sina egna egenskaper, med andra ord, hon andliga naturen. Han tvivlade inte en minut på att, säg, en björns sinne liknar en människas, och en björn styrs av samma strävanden som en person.

Han förandligade träd, buskar, tal och floder, och slutligen elementära krafter - vind och regn, blixtar och åska.

Förgudandet och personifieringen av naturen gjorde det möjligt att återskapa den på klippväggar, i poetisk, musikalisk kreativitet och plast.

Konstverk, där han, en person, tycktes bli ett rådjur, en björk, en snöflinga, berättade inte så mycket om deras liv, utan om mänskliga relationer och upplevelser.

Personifiering är ett av exemplen på bildspråk i en saga, fabel eller poetiskt tal. Tittar på omgivande natur, tillgrep folk hennes bilder när de skapade dansverk. I forntida tider uppträdde jaktdanser, som, som återspeglar den mänskliga aktivitetens natur, liksom många andra saker, fick en magisk konnotation.

Att slå ett gosedjur innebär att slå det under en jakt. Många jaktdanser har överlevt till denna dag, särskilt bland folken i norr och Sibirien i Ryssland: valrossens dans bland tjuktjerna och tyskarna, björnens dans bland Khanty och Mansi, där jakten på dessa djur är imiterad.

Under boskapsuppfödningens period tämjde människan en häst och lärde sig att kontrollera den. I folkets medvetande uppstod idealet om en herde, en ryttare, och plasticiteten i hans bild uppstod och tog form.

Med hjälp av figurativa och imiterande rörelser skapade många folk olika danser av ryttare och ryttare ("Dance of the Bashkir-ryttarna", "Gaucho" - de argentinska herdarnas dans).

Idag är det omöjligt att föreställa sig en nyårsföreställning vid granen utan att dansa en hare, räv, ekorre, valp osv. Det finns många danser, vars huvudbild är djurvärlden: "Svan", "Tuppar", "Gäss-Svanar", "Slända och myra" och till och med "Larvdans".

Poetiska bilder av växtvärlden finns i nästan alla folks verk. Dessa är redan mer komplexa tekniker för omtänkande, personifiering ("Björk", "Golden Rye", "Verbonka", "Kristaller").

Ännu mer komplexa bilder med flera värden. reflekterande naturfenomen ("Snöstorm", "Våren har kommit", "Ognevushka - hoppande").

När man komponerar en dans måste koreografen tydligt svara på frågorna: varför iscensätter han denna dans? Dans ska liksom andra konstformer väcka sublima känslor hos publiken och odla etiska smaker och ideal. Genom att visa åskådaren ett visst utbud av livsfenomen förmedlar regissören ett betydande innehåll genom dansen, vare sig det är en handling på ett historiskt eller modernt tema.

3. Kreativ process

Att komponera en dans är en komplex och lång process. Koreografen-författaren måste ha gåvan, förmågan att hitta och "odla" idén om en framtida produktion, och även skickligt använda principerna för musikalisk och koreografisk dramaturgi, tekniker för att komponera en komposition, etc.
Den kreativa processen är uppdelad i två steg: uppkomsten av idén och dess inkarnation. Den första är bestämd allmänna förmågor(utlärning, världsbild, behov av konstnärlig kreativitet), den andra - kräver speciella förmågor och färdigheter, medvetet använda behärskning.

En koreografs kreativa process består av tre faser:
1. Samla och sammanfatta livsmaterial, definiera teman, idéer. Det finns en önskan att avslöja dem i verket: ett sökande pågår efter en lämplig musikalisk komposition eller så dikterar det redan temat eller idéns natur.
2. Modellering av karaktärer, bilder, föreslagna omständigheter, deras interaktion. Det allmänna förvandlas till det särskilda. En idé, ett tema tenderar att förvärva händelser, karaktärer, en stil, genre och logik i relationer dyker upp. Koreografen börjar tänka utifrån bilden och ritar den inre vision, dvs. se, och först därefter komponera.
3. Utförandet av bildens yttre egenskaper. Det sker en förvandling till den som behöver porträtteras. Koreografen "träder in" i bilden född av hans fantasi, men detta utesluter inte kontroll.

Medvetandet tycks dela sig: den ena skapar en bild, lever efter den, den andra observerar från sidan. Verkets form håller på att skapas.

Naturligtvis lever varje fas - insamling-generalisering, modellering, förkroppsligande - inte självständigt, utan bestämmer i något skede de andras karaktär, vilket ofta introducerar betydande förändringar. Här finns ett samspel av allmänna och speciella förmågor som modellerar innehåll och form i alla stadier av kreativiteten.

4. Dramatiska länkar i ett koreografiskt verk

Varje dramatiskt verk har en exposition, det vill säga en inledande del. Exposition är den inledande delen av ett dramatiskt verk.

Dess syfte: att ge tittaren den information som behövs för att förstå pjäsens kommande handling. Ibland är det viktigt att låta tittaren veta i vilket land och när händelserna äger rum. Ibland är det nödvändigt att kommunicera något som föregick konflikten. Utställningen har också ytterligare en uppgift.

Med dess hjälp så att säga i dess rum förvandlas en person som kommer till teatern till en åskådare, till en deltagare i den kollektiva uppfattningen av pjäsen. Utställningen ger betraktaren en uppfattning om verkets genre. Expositionen ska väcka tittarens intresse för den kommande handlingen på scen.

Den vanligaste typen av utställning är att visa den sista delen av vardagen, vars gång kommer att avbrytas av konfliktens utbrott.

Dramaturgin har mycket gemensamt med folksagorna och kommer med största sannolikhet från dem. Dramaturgin tog från folksaga, som hans huvudämne, dess främsta mirakel, ett socialt mirakel - det godas seger över det onda.

Det finns också mycket gemensamt mellan konstruktionen av en saga och uppbyggnaden av ett dramatiskt verk. Framför allt bygger utställningen av de flesta pjäser på samma princip som utställningen av en saga.

"Det var en gång..." - och plötsligt " guldfisk"eller "guldägget" i detta verk är konflikten som kommer att avbildas i det. Baserat på det här, den här typen utställningar - som visar den sista perioden av livet, vars förlopp kommer att avbrytas av konflikten.

En annan typ av utläggning är prologen - författarens direkta adress till betraktaren, kort historia om karaktärerna i den framtida handlingen och dess karaktär.

I vissa fall tömmer prologen expositionen. Ofta öppnar dock prologen bara utläggningen, som sedan fortsätter tills konflikten börjar med att visa livets flöde som föregår den.

I vissa pjäser finns en annan typ av prolog, den så kallade teaterprologen. I dessa fall utförs alla funktioner i expositionen av en liten scen som spelas före föreställningens början.

Ibland börjar en pjäs med en inversion, det vill säga visar hur konflikten kommer att sluta innan handlingen börjar. Denna teknik används ofta av författare till actionfyllda verk, i synnerhet deckare.

Inversionens uppgift är att fängsla betraktaren redan från början, att hålla honom i ytterligare spänning med hjälp av förutgiven information om vilket mål den avbildade konflikten kommer att leda till. Ibland kombineras utställningen med handlingen.

Början

Begreppet "plott" inkluderar handlingen för verkets huvudkonflikt, vars utveckling är föremålet för bilden i verket.

I början börjar konfliktens rörelse - dramatisk handling. Ibland dyker huvudkonflikten i ett verk inte upp omedelbart, utan föregås av ett system av andra konflikter.

Utveckling

Utvecklingen kan vara olika, den kan ske i kampen mellan två eller flera planer. Utveckling kan vara självständig, utan kamp, ​​en tanke som genomgår utveckling. När det sker tankeutveckling finns det också dramaturgi.

Klimax

Den vanligaste metoden att arbeta med koreografisk dramaturgi är vägen från detaljer till helhet, från att jämföra individer. språkliga inslag i ett plastiskt motiv för den växande konfrontationen av bilder (skådespelarhjältar, karaktärer) i hela verket.

Först gör koreografen en allmän lista över vad som ska hända på scenen i ordning. Sedan, i denna protokolllista över dramatiska situationer och händelser som uppstår från dem, bestäms handlingen för varje enskild hjälte (karaktär).

Han bygger logiken för utvecklingen av varje specifik bild (hjälte, karaktär) ungefär enligt följande schema: handling - motiv, handling - beteende, handling - karaktär, handling - kollision, handling - händelse.

Denna arbetsmetod placerar i centrum för kreativitet söker klargörandet i varje molekyl av musikalisk och danshandling (i en konstnärligt-figurativ detalj, i ett plastiskt motiv) av konfrontationselementen och för dem till en konkret påtaglig, känslomässigt rik kamp .

En konstnärlig och figurativ detalj är det mest effektiva sättet att visa en koreografisk idé, det viktigaste inslaget i att skapa dramaturgin i ett verk. Förmågan att skapa ljusa, konstnärliga och fantasifulla detaljer, där visuella och uttrycksfulla aspekter är oupplösligt sammansmälta, är en indikator på koreografens skicklighet.

Det är detaljerna som skapar den sceniska koreografiska bilden.

Vid klimaxen uttrycks för det första den koreografiska idé som koreografen upptäcker i den form han föreställer sig den, och för det andra lyfts fram den ideologiska position som fick koreografen att uttrycka denna idé.

För en koreograf är arbetet med klimax det kanske mest avgörande ögonblicket. Och eftersom klimaxen också är höjdpunkten för den ständigt växande konfrontationen mellan huvudkaraktärerna, vars utgångspositioner anges i början av verket, ökar koreografens ansvar mångdubbelt. Han behöver visa alla färdigheter och förmågor för att fördela nyckelmoment (påverkan) genom hela perspektivet av verkets dramatiska struktur, i alla lager (i konstnärliga och figurativa detaljer, i plastiska motiv, i hjältekaraktärernas handlingar , i enskilda avsnitt-delar). Kunna välja omständigheter, ge hjältarna (karaktärerna) relationer, mätta deras effektiva konfrontation med känsla, rytm, blanda ihop ljud, färg, plastlösningar, lägga allt detta i intrigernas genomströmning och få det att fungera för klimax.

Konfrontationen mellan huvudkaraktärerna (karaktärerna) börjar dyka upp från den första dramatiska händelsen (det första faktumet av kollisionen), men det avslöjas mest fullständigt i den sista klimathändelsen.

Klimaxen är den högsta vågen av konfrontation mellan huvudkaraktärerna (karaktärerna). Detta är en explosion som orsakar en maximal förändring i balansen mellan dem. Detta är en handling som har nått full utveckling, en händelse som slutligen förändrar förhållandet mellan motstående krafter i verket.

Mellan den första och sista dramatiska händelsen utvecklas inte bara intriger i huvudkaraktärernas (karaktärernas) handlingar, utan också hela verkets rikedom, dess atmosfär, karaktärer, dansvokabulär, olika föreslagna omständigheter, utvecklingslogik, etc. avslöjas.

I denna mening fungerar klimaxen som ett kriterium för ett verks konstnärskap, ett kriterium med vars hjälp man kan analysera verket i omvänd ordning. Därför måste klimaxen vara ljus, övertygande och ge verket enhet och konstnärlig integritet.

Upplösning.

Upplösningen i ett dramatiskt verk är ögonblicket för lösningen av huvudkonflikten, avlägsnandet av konfliktmotsättningen, som är källan till verkets rörelse.

Lösningen av konflikten är möjlig endast om handlingens enhet bevaras, huvudkonflikten som började i början bevaras. Detta innebär kravet: detta resultat av konflikten måste innehållas som en av möjligheterna för dess lösning redan i början.

I denouementen, eller bättre att säga, som ett resultat av den, skapas en ny situation i jämförelse med den som ägde rum i början, uttryckt i en ny relation mellan hjältarna. Denna nya attityd kan vara ganska varierande.

Den slutliga

Finalen är det känslomässiga och semantiska fullbordandet av verkets handling. Känslomässigt betyder det att vi inte bara talar om det semantiska resultatet, inte bara om slutsatsen från arbetet.

Om moralen i en fabel uttrycks direkt - "denna fabels moral är detta", så är slutet i ett dramatiskt verk en fortsättning på handlingen, sista ackordet.

Finalen avslutar verket med en dramatisk generalisering och fullbordar inte bara denna handling, utan öppnar dörren till perspektiv, till kopplingen av detta faktum med bredare sociala fenomen. Finalen är så att säga ett prov på verkets dramaturgi som helhet. Om de grundläggande elementen i dess sammansättning kränks, om handlingen som började som den huvudsakliga ersätts av en annan, kommer slutet inte att fungera.

Ofta avslutar författaren ett verk med en ersatzfinal. Inte varje slut, under en eller annan förevändning, är en final och kan fungera som en känslomässig och semantisk avslutning på ett verk. Den vanligaste typen av ersatzfinal är författarens "vedergällning" med hjälten.

Grunden för varje dramaverk är alltså en grundläggande struktur bestående av dessa tre element: kampens början, kampens gång och kampens resultat.

Början av kampen avslöjas i början av huvudkonflikten. Kampens gång avslöjas genom specifika handlingar och sammandrabbningar av hjältarna – genom de så kallade växlingarna som utgör den allmänna handlingsrörelsen från konfliktens början till dess lösning.

Slutsats

I ett koreografiskt verk är det viktigaste inte det synliga föremålet, utan bildernas själ, essensen av det här eller det fenomenet.Den kan förmedla det superverkliga, fantastiska, saga och mytiska i en realistisk form och medel.Verket har ett universellt språk, ett språk av visuella bilder med sin egen "vokabulär", "syntax", konventionella tecken och sin egen "grammatik".

Balettens dramaturgi är livet i scenisk handling, eftersom det på pappret inte finns och kan inte finnas dramaturgin i en danstext.Först med skedegenomförande får idén, formen, innehållet en färdig form.Kompositionen av ett dramatiskt verk är ett komplext koncept.

Det anses vara ett universellt fenomen, relaterat till alla delar av drama: tema, idé, konflikt, handling, varje bild, varje akt, varje scen, cue, scenriktning.

Komposition är ett sätt att gruppera materialet som utgör tyget i ett verk. Det senare var vad A. Pushkin menade när han sa att det viktigaste i ett konstverk är planen: delars förhållande till helheten, detaljer till det allmänna. Faktum är att den ordning i vilken delarna är fördelade i förhållande till helheten bestämmer sammansättningen.

Kompositionen inser dramats ideologiska innehåll och utvecklar dess problematik. Genom hur logiken i handlingens utveckling är konstruerad, hur motsägelsen löses, inte löses och hur motsägelsen tas bort, kan man bedöma författarens position, verkets huvudidé.

Av detta kan vi dra slutsatsen att kompositionen tjänar till att konkret uttrycka en idé i handling. Så sammansättningen bestäms av innehållet.

Det speglar vissa mönster av specifik dramaturgi historiska eran, hennes sociala ämnen. Om vi ​​utökar denna formel kan vi säga att dans är en musikalisk och koreografisk miniatyr, vars idé uttrycks i en tydlig dramatisk struktur - med sin egen utläggning, handling, klimax och final.

Idealism, koncisitet, originalitet av konceptet och dess genomförande, modernitet och förståelighet av uttrycksfulla medel, virtuositet och andlighet av prestanda - det är de egenskaper som ett dansnummer bör ha.

Bibliografi

1. Bogdanov G.F. Grunderna i koreografisk dramaturgi: handledning. – 2:a upplagan, tillägg. – M.: MGUKI, 2010.
2. Balett: uppslagsverk. M.: Sov. uppslagsverk, 1981.
3. Vanslov V.V. Artiklar om balett. L., 1980.
4. Vakhromeev V.V. Elementär musikteori. M., 1975.
5. Zaripov R.S., Valyaeva A.R. Från idé till handling. Novosibirsk, 2009.
6. Zakharov R.V. Komposition av dans. Sidor med undervisningserfarenhet. M., 1983.
7. Katysheva D. Frågor i teorin om drama: handling, komposition, genre.
8. Sheremetyevskaya. N. Dans på scenen. Moskva "Konst" 1985