Un esempio dell'analisi di una poesia può essere utile agli scolari come modello per completare il compito corrispondente nelle lezioni di letteratura. Di norma, tale lavoro causa serie difficoltà agli studenti. Ci sono diverse ragioni per questo: una piccola quantità di opere liriche richiede una lettura particolarmente attenta e ponderata per comprendere l'idea e le idee principali dell'autore. Inoltre, gli studenti spesso non sono in grado di determinare la composizione del verso, la sua idea e l'idea principale. Pertanto, è necessario spiegare in dettaglio agli studenti l'algoritmo per svolgere questo difficile compito.

Problema di scelta

Spesso è difficile per gli scolari determinare quale lavoro intraprendere per l'analisi in una lezione di letteratura. Sfortunatamente, molti sono guidati dal volume dell'opera, credendo erroneamente che un piccolo lavoro lirico sia più facile da studiare. Tuttavia, la scelta di una poesia non dovrebbe essere determinata da questo parametro.

È meglio prendere per l'analisi una poesia chiave nell'opera di un particolare poeta. Quindi per gli studenti che hanno già familiarizzato con le opere letterarie dell'autore in classe, sarà più facile evidenziare gli aspetti più importanti caratteristici dei suoi testi. Ad esempio, nell'opera di A. Pushkin, il tema principale è l'amicizia e l'amore, M. Lermontov - temi amanti della libertà, S. Yesenin - Natura russa, ecc. L'autore e il titolo della poesia sono già in molti modi una sorta di suggerimento per lo studente. Uno studente che ha familiarità con l'opera dell'autore prescelto può determinare approssimativamente dal titolo di cosa tratterà l'opera.

Circa l'autore

Il miglior esempio dell'analisi di una poesia è un'analisi dettagliata delle opere della letteratura classica russa. Puoi scegliere come campione testi d'amore famoso poeta F. Tyutchev. Il suo lavoro "Oh, quanto amiamo mortalmente" è un eccellente esempio di analisi nelle lezioni scolastiche. Il lavoro dovrebbe iniziare con una breve descrizione del lavoro dell'autore. In questo caso, va sottolineato che il poeta è considerato un maestro riconosciuto delle composizioni liriche in miniatura.

Le sue poesie sono intrise di riflessioni filosofiche sul senso della vita, sul destino delle persone, sulle loro esperienze e sofferenze. I testi del poeta si distinguono per il pathos appassionato e l'emotività. Questo esempio di analisi della poesia include anche una piccola menzione di quali circostanze hanno spinto il poeta a creare l'opera in questione.

idea

Il secondo punto dell'incarico consiste nel portare un piccolo sfondo storico su quali eventi nella vita dell'autore hanno portato alla scrittura di questa o quella composizione lirica. Di norma, si tratta di alcuni cambiamenti importanti nella sua vita personale, nel suo lavoro, associati a un forte innalzamento spirituale o, al contrario, a una crisi psicologica.

In questo caso, stiamo parlando del dramma del cuore pesante di Tyutchev, che in realtà ha stipulato un matrimonio civile, che, secondo i concetti del 19 ° secolo, era considerato un atto estremamente vergognoso. La storia della creazione del poema è collegata a questa storia difficile: l'amata del poeta E. Denisyev, per la sua storia d'amore con Tyutchev, è stata perseguitata dalla società secolare, ha subito gravi sofferenze morali. Tyutchev, sentendo acutamente la sua colpa per il tormento della ragazza, le dedicò il lavoro in questione, in cui riversò la sua amarezza e il suo dolore, e le chiese anche perdono per tutto ciò che doveva sopportare per lui. Quindi, la descrizione della storia della creazione del poema è molto importante per comprendere il significato e il contenuto dell'opera.

Struttura

L'analisi della poesia di Tyutchev "Oh, quanto amiamo mortalmente" deve essere proseguita rivelando le caratteristiche della costruzione di quest'opera. Il poeta dedica solo pochi versi ai giorni felici dell'amore. L'intera opera è costruita sul contrasto tra un passato felice e un presente fatidico. Il poeta contrappone l'aspetto della sua amata, la sua gioia e la sincerità dei sentimenti con il suo attuale dolore per la persecuzione del mondo. Quasi ogni quartina è un confronto tra la felicità passata, che il poeta chiama sonno, e il difficile presente. Questa analisi La poesia di Tyutchev riflette le peculiarità dei suoi testi, che si distinguono per passione nell'espressione delle emozioni dell'autore, grande espressione e sentimenti genuini.

Il soggetto dell'opera

A questo punto lo studente deve indicare in poche frasi quali idee si riflettono più spesso nell'opera dell'autore. Con una così breve introduzione, mostrerà la sua conoscenza delle caratteristiche dei testi del poeta in studio e allo stesso tempo farà una breve introduzione alla parte principale dell'analisi.

La trama e la composizione della poesia a questo punto dovrebbero essere al centro dello studente. L'opera in questione, come accennato in precedenza, è costruita sul principio del contrasto: l'autore contrappone l'amore felice al pesante dolore delle censure del mondo. Il tema dell'amore percorre l'intera opera, definendo vocabolario e svolte poetiche. La particolarità del verso è che è pieno di amarezza e dolore. Quest'opera non era una dichiarazione d'amore, come molti altri poeti, ma pentimento e richiesta di perdono.

l'idea principale

Il tema della poesia dovrebbe essere nominato dallo studente con la massima precisione: dopotutto, da lei definizione corretta dipende dall'ulteriore corso del lavoro sull'analisi del lavoro. L'idea di una composizione lirica si esprime al meglio in una frase in modo che lo stesso studente comprenda chiaramente di cosa ha scritto esattamente il poeta (sulla natura, l'amicizia, l'amore, la patria, la poesia, la storia, ecc.). Nel versetto preso in esame da Tyutchev, stiamo parlando del pentimento per il dolore causato all'amato. Pertanto, gli studenti possono dire di avere davanti una poesia d'amore, ma va immediatamente chiarito che il vero tema della poesia è piuttosto il dolore per la felicità scomparsa, che, essendo passata, ha causato tanto dolore all'amato.

Idea

Studiando questo o quel lavoro, gli studenti devono determinarne il significato. Di norma, questo punto causa loro serie difficoltà a causa del fatto che gli studenti confondono l'argomento e l'idea. Quest'ultimo è spesso nascosto nel testo stesso e deve, in senso figurato, essere letto tra le righe. L'idea principale della poesia è che l'autore considerasse fatale la sua storia d'amore con Denisyeva, nonostante avesse portato loro una felicità a breve termine. È indicativo che l'autore incolpa non tanto i rappresentanti dell'alta società che hanno fatto scandalo attorno al suo nome, ma solo se stessa per tutto ciò che è successo. Questo parla della nobiltà dei sentimenti del poeta, della sua responsabilità nei confronti della sua amata donna. Forse la violenta confessione della propria colpa per tutto ciò che è accaduto può essere definita l'idea principale di questo lavoro.

Immagine dell'eroe

La questione di come analizzare una poesia dovrebbe essere considerata con particolare attenzione nelle lezioni di letteratura scolastica, poiché la pratica mostra che questo compito è spesso particolarmente difficile per gli scolari, che a volte trovano più facile lavorare con la prosa che con i testi. Un posto importante nell'analisi è la descrizione attori opere di cui, di regola, non ci sono più di due o tre caratteri. La loro divulgazione aiuta a comprendere il contenuto e il significato dell'opera, poiché i loro pensieri, sentimenti ed esperienze, di regola, fungono da motore della trama. Ci sono due personaggi nel verso in esame: il poeta stesso, nascosto sotto la maschera di un eroe lirico, e la sua amata. L'autore si concentra su quest'ultimo. Il suo stato d'animo, la sofferenza e il tormento morale provocano il reciproco dolore dell'autrice. Pertanto, questi due eroi sono indissolubilmente legati.

L'immagine di Deniseva

Il problema di come analizzare una poesia dovrebbe essere al centro dell'attenzione di un insegnante e di uno studente, poiché un'opera lirica, per la sua specificità, è spesso molto più difficile da analizzare della prosa.

Se, ad esempio, in un grande romanzo o anche in un racconto, l'autore rivela in dettaglio il carattere e l'aspetto dei suoi personaggi, allora in versi il poeta si limita solo a linee separate. L'immagine di Elena Denisyeva è rappresentata solo da alcuni epiteti, che tuttavia ci permettono di vedere in lei una donna sofferente. Il poeta sottolinea che la sua antica bellezza è scomparsa a causa delle esperienze. L'autore si concentra sul fatto che le lacrime hanno prosciugato il suo fascino femminile in lei. E per contrasto, ricorda che durante il periodo del loro felice amore, lei era una vera bellezza: allegra, giovane, allegra.

L'immagine di un eroe lirico

Uno studente che analizza una poesia deve ricordare che c'è un autore in ogni opera lirica. Quest'ultimo o esprime i suoi pensieri per conto di un altro personaggio o si rivolge direttamente ai lettori stesso. Nel saggio in esame, Tyutchev, per proprio conto, esprime le emozioni che lo travolgono, il che raddoppia il valore di questo verso. Non ha, quindi, solo il significato opera d'arte, ma mostra ai lettori anche eventi reali della vita del poeta. Questo lavoro, nonostante il suo pathos, generalmente caratteristico dell'opera di Tyutchev, ha un suono intimo. Dopotutto, in esso il poeta condivide con il lettore il suo dramma personale, che aveva grande influenza per il resto della sua vita. Il fatto che la poesia abbia un carattere personale è indicato da una serie di appelli ai lettori, frasi esclamative, interiezioni. Il poeta è molto sincero nell'esprimere i suoi sentimenti: condivide direttamente il suo dolore, parla di pietà per la sua amata, della sua sofferenza. Dall'esempio in esame, si può vedere che la caratterizzazione dell'immagine dell'eroe lirico consente di sentire lo sfondo emotivo della poesia, di comprenderne il contenuto, la trama e l'idea.

Lingua

Uno degli ultimi punti del piano di analisi del poema è la rassegna dei mezzi espressività artistica con cui l'autore trasmette la sua idea ai lettori. Di norma, i metodi più comuni sono l'uso di epiteti, confronti, metafore. Il vocabolario poetico consente di analizzare meglio la struttura e la composizione delle poesie. Pertanto, gli studenti dovrebbero prestare attenzione a questo punto nello studio di un'opera lirica. Nell'opera in esame, va sottolineata l'abbondanza di epiteti con cui Tyutchev caratterizza l'immagine della sua amata. Quasi ogni quartina contiene un paio di aggettivi con cui il poeta descrive l'immagine di Denisyeva all'inizio di una felice storia d'amore e dopo lo scandalo scoppiato.

Poesie sull'amicizia

Come altri esempi di opere liriche, si possono nominare quelle dedicate agli argomenti più comuni nei testi: natura, amicizia e Patria. A. Pushkin possiede una serie di scritti eccellenti, ricorsi agli amici.

Tutti loro, con tutta la loro diversità, si distinguono per un'idea principale, che dovrebbe essere nominata nell'analisi: l'idea dell'immutabilità di questo sentimento, che attraversa l'intero vita umana. È noto che il poeta attribuiva grande importanza all'amicizia con i suoi compagni universitari, e quindi i suoi testi sono il miglior esempio per descrivere questo argomento. Gli studenti possono scegliere una delle sue opere per l'analisi in una lezione di letteratura scolastica.

Altri esempi

Un altro tema comune nei testi russi è la descrizione della natura e della Patria. In questo caso, le composizioni di S. Yesenin possono essere offerte agli scolari come modello. Nell'analizzare le sue poesie, va sottolineato che la natura russa nell'interpretazione del folclore occupava un posto importante nel suo lavoro.

L'idea principale di tutte le sue poesie è un profondo amore per la Russia. Separatamente, è necessario sottolineare il vocabolario poetico dell'autore. Yesenin apparteneva alla direzione degli Imagists, quindi nelle sue prime opere ci sono epiteti espressivi che creano simboli poetici della vita e della natura contadina. Quindi, un piano per analizzare una poesia nelle lezioni di letteratura scolastica dovrebbe includere i seguenti componenti: breve descrizione la storia della creazione dell'opera, mettendo in evidenza il tema, l'idea, il vocabolario poetico. Inoltre, lo studente deve indicare caratteristiche comuni creatività dell'autore, che si è manifestata in un particolare saggio. L'esempio fornito dell'analisi della poesia può servire da modello per gli studenti.

questioni di analisi ideologica e tematica dell'opera

1) Materiale- situazioni di vita o d'arte, casi, oggetti o oggetti di osservazione e riflessione - i.e. la principale fonte di fantasia, il tessuto dell'opera.

2) Argomento (riguardo a cosa? ) - il problema sollevato dall'autore, motivo principale dell'opera. È formulato da te (con la tua paternità) o è con l'autore nel processo di analisi dell'opera. È importante che la tua formulazione dell'argomento, da un lato, ti sia vicino e ti tocchi, e dall'altro, sia vicino, corrisponda all'essenza del problema sollevato dall'autore e alla sua percezione del mondo, che si leggono dall'opera, biografica e materiali storici eccetera.

3) Idea (riguardo a cosa? ) - cosa, ponendo questo problema, l'autore sta cercando di trasmettere allo spettatore (lettore, ascoltatore, ecc.). Incarna un certo lato della visione del mondo dell'autore. Per l'arte, questo è il principale l'idea principale, l'idea che determina il contenuto dell'opera, i suoi personaggi, i modi della loro esistenza, le relazioni, la scena, il genere, la trama, la drammaturgia e tutti gli altri elementi dell'opera.

4) Drammaturgia- la base, la spina dorsale della trama. La totalità di tutte le relazioni dei personaggi tra loro, con il mondo che li circonda e con la propria persona, così come lo spettatore (lettore) e la realtà. Determina l'emergere, lo sviluppo e la risoluzione dei conflitti principali e particolari dell'opera. Azione drammatica - un'azione con un risultato imprevedibile (a differenza di tutti i giorni), ma naturale secondo una logica superiore. La drammaturgia trae la dialettica degli obiettivi, il loro scontro, da cui nascono nuovi obiettivi. La drammaturgia rimuove la condanna inequivocabile o la giustificazione dell'eroe. La parola d'ordine del dramma è scelta. I personaggi del dramma non ottengono mai ciò che vogliono, ma sempre di più, di meno e persino l'esatto opposto.

5) Conflitto- Principale forza motrice lavori. Il conflitto rivela il carattere, l'essenza dei personaggi. Questo è un organismo drammatico complesso, che si basa sempre su una lotta, uno scontro di interessi (personaggi («Voglio»). La principale differenza tra un conflitto drammatico e un conflitto nella realtà è che le contraddizioni sono sempre aggravate all'estremo. Il conflitto può essere globale (storico, pubblico, statale, ecc.), sociale (tra gruppi sociali, pubblici, industriali) o privato (persone, famiglie, ecc.). Il conflitto drammatico nasce, si sviluppa e si risolve solo nello scontro dei singoli personaggi. Il conflitto è sempre un processo.

Il conflitto drammatico deve portare, oltre all'aggravamento, anche un senso di sorpresa, necessità artistica e autenticità per lo spettatore.

La sensazione di necessità artistica sorge quando gli eventi, le situazioni e le svolte più inaspettati sono causati dalle azioni dei personaggi.

Un senso di autenticità si ottiene dalla precisa motivazione delle azioni dei personaggi.

6) Carattere- un insieme di caratteristiche individualmente uniche formatesi nel corso della vita di una persona, attraverso le quali vengono rivelati il ​​suo atteggiamento e i suoi obiettivi («Voglio» un personaggio).

7) atto- azione, risultato della valutazione della situazione (circostanze), che costringe una persona ad agire attivamente per risolvere la situazione a suo favore.

8) Il personaggio- il soggetto portatore di alcuni elementi dell'intenzione dell'autore, attraverso i quali l'autore rivela una parte dell'idea generale o antiidea di cui ha bisogno, il cui portatore è questo carattere.

9) complotto- storia, sommario, una presentazione di azioni, relazioni ed eventi nell'opera nella loro sequenza (cronologia dello sviluppo del conflitto della trama). Spina dorsale, la base della trama.

10) Complotto- la storia dell'emergere, dello sviluppo e della risoluzione del conflitto in situazioni drammatiche, rivelando l'intenzione dell'autore (il tema e l'idea dell'opera) attraverso i personaggi dei personaggi e le loro relazioni.

11) nota chiave- il motivo principale (immagine, linea, ecc.) che attraversa l'intera opera e serve a svelare il tema principale.

12) Contro tema- un motivo che si oppone a quello principale, contrasta con esso. Lo stesso vale per l'intero lavoro.

13) Motivi aggiuntivi- temi che emergono parallelamente al tema principale dell'opera. Sviluppano il tema principale o contrastano con esso, ampliando la portata della cattura dei fenomeni, del problema principale e della molteplicità dell'idea dell'autore.

14) genere(letterario) - una visione, il punto di vista dell'autore sugli eventi attuali. Ogni genere ha le sue leggi di sviluppo. Uno dei criteri per definire un genere è il modo in cui viene risolto il conflitto principale:

ma) tragedia- porta forte conflitti sociali, i problemi fondamentali dell'esistenza umana (personalità con il destino, società, mondo, dei, ecc.), espressi in una forma tesa di lotta personaggi forti e passioni. Di solito si conclude con la morte fisica del personaggio principale al momento della risoluzione del conflitto principale dell'opera (epilogo).

B) Dramma- termina con la morte o la partenza del protagonista come risoluzione del conflitto principale o dalle circostanze che accompagnano il conflitto principale (leitmotiv).

in) commedia- in finale ha sempre “Happyend”, cioè un lieto fine. Quelli. il conflitto viene risolto dall'inaspettata fortuna di personaggi positivi (non necessariamente il protagonista, ad esempio “Tartuffo”), che porta alla vittoria. Distinguere: commedia dei personaggi e commedia delle posizioni.

sitcom(costruito su situazioni comiche in cui si trovano i personaggi);

commedia dei personaggi(basato su tipi di fumetti o tratti caratteriali).

G) mistero- azione basata su una trama mitologica, risolta con l'aiuto di un miracolo.

e) parabola- l'idea è trasmessa sotto forma di allegoria, allegoria o attraverso un'associazione figurativa. L'idea principale (il significato della parabola) di solito non è mai espressa direttamente e implica una decodifica indipendente da parte dello spettatore (lettore). (Un esempio è la parabola dei talenti.)

e) favola- una versione semplificata della parabola. L'idea viene trasmessa sotto forma di un'allegoria allegorica e l'idea principale viene espressa alla fine o anche all'inizio dell'opera direttamente o quasi direttamente e non richiede conoscenze, cultura o intelletto speciali da parte del percettore per percepirla. (“Quante volte hanno detto al mondo...”).

G) moralità- una versione ampliata e più drammatica della parabola, tuttavia, il modo in cui l'idea dell'autore è presentata è simile a una favola (cioè è espressa quasi direttamente da uno o più personaggi o dall'autore). Un dramma religioso allegorico, i cui personaggi personificavano vari vizi e virtù (Avarizia, Speranza, Gola, Amicizia, Invidia, ecc.)

h) palcoscenico- azione comica-satirica esagerata quotidiana leggera, con situazioni e personaggi portati al grottesco.

E) buffoneria- situazione buffonata enfaticamente esagerata, esagerata con personaggi, azioni e situazioni spesso caricaturali.

a) scherzo- una breve storia satirica con una svolta inaspettata nel finale.

Generi misti:

l) tragicommedia- ha segni sia di tragedia che di tragedia. L'autore sottolinea il fumetto nel tragico e il tragico nel fumetto, cioè si basa sulla relatività dei criteri esistenti di atteggiamento nei confronti delle situazioni, degli eroi, ecc.

m) tragica farsa

m) appassionato di mistero

15)"Segreto" funziona - la base di qualsiasi intrigo.

Tre tipi di segreti: 1. L'eroe lo sa, lo spettatore non lo sa.

2. Lo spettatore lo sa, l'eroe non lo sa.

3. L'eroe non lo sa e lo spettatore non lo sa.

15) Intrigo- situazioni di trama confuse con l'aiuto di colpi di scena complessi, colpi di scena inaspettati nell'azione, intrecci e scontri di interessi dei personaggi, che ti consentono di mantenere l'attenzione dello spettatore (lettore).

ANALISI DELL'EVENTO DELL'OPERA

1) Evento drammatico- una rottura dell'azione che è essenziale per questa trama, che porta a una svolta nello sviluppo del conflitto principale dell'azione drammatica e, di conseguenza, a un cambiamento negli alti e bassi. La catena degli eventi forma una serie efficace di drammaturgia. Costruire una trama sullo schermo è sempre un passaggio da un evento all'altro. L'evento drammatico è sempre processo di evoluzione del tempo. Lo sviluppo drammatico e l'aggravamento di un evento è determinato dalla circostanza principale di questo evento e dalla circostanza principale dell'intera cosa.

2) Circostanza principale- la principale circostanza che spinge tutta l'azione della cosa allo sviluppo e, di conseguenza, al compito più importante.

3) Trovare un nuovo evento: sta succedendo qualcosa di significativo cambiare gli equilibri di potere dei personaggi, guidando l'azione e (o) i loro obiettivi, motivazione delle azioni causate da un cambiamento nella circostanza principale, l'atto dell'eroe, ecc. Dopo il cambio dell'evento, i personaggi non possono più esistere come prima.

4) Prezzo dell'evento- quanto sia significativo per l'intero corso dell'azione e per tutti i personaggi coinvolti nel conflitto - ovvero quanto cambia gli equilibri di potere dei personaggi.

5) Circostanza iniziale- una situazione conflittuale aggravata che sta alla base dell'intera storia della trama. È il suo risultato che lo spettatore vede all'inizio, ed è riportato su di lei nell'esposizione.

6) Evento di origine- un evento senza il quale l'azione della trama non può iniziare. Nell'evento iniziale sta la natura dei sentimenti dell'opera ed è sempre la chiave per la risoluzione del conflitto. L'evento iniziale può verificarsi all'inizio o (più spesso) prima dell'inizio della trama ed essere segnalato dall'autore man mano che l'azione si sviluppa, in qualsiasi luogo. Il chiarimento dell'evento iniziale può anche essere l'epilogo finale dell'azione (detective). L'evento iniziale è generato dalla circostanza iniziale o addirittura si trova in essa.

7) Primo evento (principale) (evento di parità)- un evento che crea un conflitto, un'azione drammatica. Questa è la prima cosa "improvvisamente" importante che unisce i personaggi, spinge la trama all'azione.

8) Evento principale- l'evento principale della trama, che di solito porta il grano del suo turno, rivelando i tratti caratteriali principali dei personaggi principali e l'intenzione dell'autore, il culmine dell'opera.

G. A. Tovstonogov ha individuato 5 eventi: iniziale, principale, centrale, finale e principale, ma poi una classificazione così rigida è stata abbandonata, così come i "pezzi" di Stanislavsky.

Organizzazione di un evento sullo schermo:

1. Affinché lo spettatore capisca che un nuovo evento si è verificato nell'azione, deve essere accentuato, enfatizzato sullo schermo. In questo caso, il nuovo evento diventa anche un “gancio di attenzione”.

2. L'enfasi dovrebbe avvenire solo con mezzi artistici con l'uso obbligatorio di mezzi visivi (a prescindere dalla ricchezza artistica, semantica e quantitativa del testo).

3. La forza dei mezzi artistici utilizzati deve essere strettamente correlata al prezzo dell'evento.

4. Un cambiamento di evento deve necessariamente comportare un cambiamento di ritmo e un cambiamento nel modo di presentare il materiale (metodo di ripresa, tono atmosferico, messa in scena, soluzione sonora, ecc.).

5. La costruzione dell'evento deve portare sempre con sé tutti gli elementi della costruzione dell'architettura: dall'esposizione attraverso il climax al drammatico turno-epilogo.

6. Il turno finale di un evento dovrebbe sempre diventare l'inizio dell'evento successivo allo stesso tempo.

7. In ogni evento, è necessario identificare e formulare il motivo principale - il principale tema sensuale-emotivo, il "seme" dell'evento - che in esso si svilupperà e si intensificherà, risolvendosi al momento della svolta.

L'architettura dell'opera

1) esposizione- di solito (ma non necessariamente) la prima parte dell'opera, in cui vengono presentati i personaggi principali, il luogo e il tempo dell'azione e le circostanze iniziali, l'allineamento preliminare delle forze e le aspirazioni degli eroi dell'opera. Ma oltre a questo, nell'esposizione, lo spettatore deve anche comprendere il genere, il linguaggio e il grado di condizionalità dell'intera cosa e il suo ritmo globale - senza questo, non sarà in grado di iniziare a percepire la trama. Quelli. prima che la storia inizi, lo spettatore deve capire come sarà detto, capisci condizioni di gioco cose in generale.

2) cravatta- l'inizio del conflitto principale, e quindi l'azione, la lotta dei personaggi, generata da un conflitto di interessi e che distrugge la situazione iniziale. Drammatica cravatta a nodo.

In una buona drammaturgia (dopotutto, la sceneggiatura, e in effetti l'intero film, è un'opera di drammaturgia), specialmente un'opera cinematografica, l'esposizione è solitamente combinata con la trama, ad es. la performance si svolge contemporaneamente all'inizio del conflitto, in azione, che consente di catturare immediatamente l'attenzione dello spettatore. Se hai perso l'attenzione in questa fase, sarà più difficile catturarla, più vai avanti. (M. I. Romm ha detto che "la cattiva drammaturgia, di regola, è associata all'esposizione inattiva.")

3) alti e bassi- cambiamenti improvvisi nel destino del personaggio, in contrasto con le sue e (o) aspettative dello spettatore. Perripetia è una catena di eventi che sviluppa conflitti nelle relazioni dei personaggi. La parola perripetia è tradotta dal greco come "un incidente inaspettato". Ogni nuovo evento cambia il rapporto delle forze e dei personaggi “io voglio”, e quindi il loro comportamento. Inoltre, ogni nuovo evento dovrebbe esacerbare il conflitto rispetto al precedente. È questo metodo che consente, da un lato, di attirare l'attenzione del pubblico e, dall'altro (che è il compito principale dell'autore), di considerare il comportamento, e quindi gli obiettivi e i caratteri dei personaggi da diverse angolazioni, per mostrare le loro diverse sfaccettature, così che, utilizzando la percezione sensoriale dello spettatore, per sopportare, insieme a lui, questi eroi, di conseguenza, le loro valutazioni. Quelli. per l'autore di vicissitudini, è un modo per studiare i suoi eroi, osservarli dentro situazioni diverse, e attraverso di loro - e la ricerca natura umana generalmente.

Le vicissitudini assicurano la continuità dell'azione e la crescita del conflitto.

L'aumento del conflitto si ottiene:

a) l'introduzione nel conflitto di forze sempre più attive, personaggi positivi e negativi, sempre più influenti e pericolosi;

b) l'introduzione di nuove circostanze che esacerbano il conflitto, rafforzando le contraddizioni dei personaggi principali;

d) esacerbazione e attivazione del vecchio e introduzione di modi nuovi, più pericolosi e taglienti nella lotta dei personaggi;

e) un aumento del numero dei personaggi coinvolti nella lotta da entrambe le parti - la crescita dell'azione al gruppo e alla massa;

Tutte queste tecniche possono essere utilizzate per esacerbare l'azione, individualmente o insieme.

4) climax- l'aggravamento finale del conflitto, portandolo al suo limite logico, il punto più alto, richiedendo agli eroi di esercitare tutte le loro forze al limite e portando a una svolta nell'intera azione in un'esplosione che trasforma l'intero mondo dei personaggi e l'atteggiamento dello spettatore nei loro confronti. Questa esplosione è chiamata svolta. Spesso (ma non sempre) l'idea dell'opera viene svelata o suona quasi apertamente qui.

5) Fermati- uno stop temporaneo, rallentamento, recessione, come un freno all'azione, una diminuzione della tensione del conflitto prima di una svolta e (o) climax. Questo è sempre un metodo senza problemi per preparare lo spettatore alla svolta principale dell'azione, l'aggravamento finale del conflitto. Dà l'opportunità di rilassare lo spettatore e usare questo rilassamento per un colpo più forte. (Tecnologia "rollback" di Meyerhold: più viene tirata la corda dell'arco, più lontano, più veloce e più potente vola la freccia; più forte è l'oscillazione, più potente è il colpo, ecc.

6) Gira- la risoluzione della trama in modo inaspettato, la rottura di tutte le relazioni e la risoluzione logico-sensuale del conflitto. È qui che si verifica la catarsi ("purificazione") e molto spesso viene rivelata l'idea dell'autore principale: il motivo per cui è stata creata quest'opera.

In questa pausa, vengono rivelati i personaggi essenziali e principali di "Voglio", come se la loro essenza si manifestasse, e la valutazione dell'autore è data, non necessariamente in chiaro, a ciascuno dei personaggi principali. Può cadere, a seconda del compito dell'autore, o al culmine del culmine o all'epilogo della cosa. Turno - dovrebbe sempre portare una spinta massiccia per risolvere l'argomento, non necessariamente completo, ma una potente spinta verso di esso.

7) Disaccoppiamento- la risoluzione del conflitto e la relazione di tutti i suoi personaggi o portandoli a un punto o situazione in cui la lotta diventa priva di significato o inutile, la cessazione della lotta. Scatenare tutti i nodi drammatici dell'azione, le linee di conflitto locali incompiute dell'opera e completare tutte le trame principali dell'opera. A volte combinato con il trasformarsi in uno.

L'epilogo può essere chiuso - per completare il tema, oppure aperto - per lasciare allo spettatore lo spazio per le proprie speculazioni sul destino dei personaggi. Tecnologicamente, l'epilogo svolge le funzioni di rallentare il ritmo e riportare lo spettatore alla realtà.

8) Legge della Sezione Aurea- il centro della composizione (il punto psicologicamente più forte in termini di impatto sullo spettatore) è sempre 2/3 dall'inizio dell'opera rispetto alla sua lunghezza totale (volume).

Intento del regista

(Analisi effettiva del lavoro)

1) super compito- Idea del regista. In contrasto con l'idea letteraria, il compito più importante è necessariamente formulato in una forma efficace, verbale, invocativa e si correla con un'azione passante (cioè ha un orientamento positivo - a cosa chiami lo spettatore). Risponde alla domanda perché e perché esattamente mi impegno a girare questo materiale oggi. (Spiega perché è richiesta una formulazione diversa.)

2) Mais(termine di V. E. Meyerhold) - un'idea sensuale che determina la sensazione emotiva generale di una cosa. ("Tre sorelle" - "desiderio di una vita migliore.")

“La grana-essenza dell'opera, il suo nucleo, espressa in una specifica essenza figurativa. Per il concetto di grano, devi capire, il che significa capire l'atteggiamento dell'autore nei confronti del raffigurato, dei personaggi, di sentire originalità artistica.” V. E. Meyerhold.

Il grano a volte può diventare il titolo di un'opera ("Running", "Dragon", "Duck Hunt",

3) Attraverso l'azione - una linea di lotta efficace per la prova del compito più importante.

4) Azione controcorrente- una linea di lotta efficace contro il super-compito.

Entrambi i versi devono necessariamente essere continui fino alla fine della storia, essere condotti dai personaggi principali e risolversi solo nell'epilogo. A volte possono essere assenti i personaggi che guidano l'azione o la controfigura, ma in questo caso sono guidati dall'autore stesso (il testo "dall'autore", la serie plastica e sonora, le circostanze proposte, il potere superiore, l'autore genere - in "L'ispettore del governo", ecc.).

5) Oggetti di lotta- tra cosa e cosa è sorta e sta crescendo una contraddizione, cioè definizione di idee contrastanti affrontate dall'autore.

Ma il drammatico conflitto nasce, si sviluppa e si risolve solo nel scontro di singoli personaggi. Pertanto, dopo aver trovato le principali idee contrastanti, le personalizziamo, ad es. determiniamo quale dei personaggi è portatore di quale idea o delle sue variazioni. Così definiamo i soggetti della lotta.

6) Soggetti di lotta- Personaggi-portatori delle idee contrastanti dell'opera. Quelli. quale dei personaggi è portatore di idee e contro-idee dell'autore.

7) Il tema della lotta- l'oggetto oi principi della vita per i quali si battono i principali partecipanti al conflitto. Quelli. a cosa serve la lotta nel conflitto delle idee e nel conflitto dei personaggi.

8) Super compito del personaggio- il principale "voglio" del personaggio, ciò che ottiene nel processo di lotta, così come il suo lavoro per un'azione completa o contraria (di conseguenza!).

9) Genere da regista(genere interno) - la natura degli eventi che si svolgono e l'atteggiamento dell'autore (regista) nei loro confronti, che determina la percezione del pubblico di ciò che sta accadendo.

10) Atmosfera- l'aria del prodotto, cioè come i personaggi principali respirano nelle tue cose. L'atmosfera non dovrebbe andare oltre l'intenzione dell'autore.

L'atmosfera, come l'aria nella realtà, può essere densa e rarefatta, fragorosa e soleggiata, scura, soffocante, fresca, calda, fresca, ecc. Creare un'atmosfera è un compito puramente del regista e del cameraman.

Andrei Kaminsky.

Analisi completa del testo in prosa

La storia creativa dell'opera e il suo contesto storico e letterario.

- Storia creativa del pezzo(il momento della creazione del testo; l'influenza degli eventi della storia e degli eventi della vita personale dello scrittore sul testo; il concetto dell'opera; il cambiamento del concetto, le immagini dei personaggi, la trama , lo stile del testo in corso di elaborazione; la storia della pubblicazione del testo; le prime valutazioni critiche del testo).

- Valutazione di un'opera di critica letteraria(punti di vista dei critici letterari sul testo, polemiche, controversie sull'opera nella critica letteraria).

- Contesto storico e letterario dell'opera:

Il posto dell'opera nell'opera dello scrittore (nel contesto dell'opera di un determinato periodo, nel contesto di opere di questo genere/soggetto, nel contesto dell'intera opera dell'autore);

Il posto dell'opera nella letteratura contemporanea dell'autore (quale tendenza letteraria, direzione a cui appartiene il testo, quale ruolo ha giocato il genere del testo nella letteratura dell'epoca, quali scrittori di quest'epoca hanno toccato gli stessi argomenti, problemi , appaiono immagini simili di eroi e trame);

Il posto dell'opera nel contesto della letteratura di più epoche (quali temi, problemi, immagini trasversali per una certa letteratura sono caratteristici dell'opera).

Il piano ideologico e tematico del testo (il tema principale e gli argomenti secondari, privati, i problemi, l'idea principale del testo).

Argomento- questo è un insieme di eventi che sono descritti nel lavoro e che servono a porre problemi.

Problema- questa è la domanda principale posta dal tema del lavoro. Questioni- una serie di problemi riflessi nel lavoro. I problemi possono essere sociali, ideologici e politici, filosofici, morali. Un argomento può diventare la base per porre problemi diversi (il tema della servitù della gleba è il problema della mancanza interna di libertà del servo, il problema della corruzione reciproca, la mutilazione sia dei servi che dei proprietari, il problema dell'ingiustizia sociale).

Idea- l'idea principale del lavoro. L'idea riflette la soluzione dell'autore ai problemi sollevati nel testo, l'atteggiamento dell'autore nei confronti dei fenomeni della vita raffigurati.

3. Il significato del titolo dell'opera. Il titolo di un'opera può essere associato sia al tema principale che all'idea principale dell'opera; il nome sottolinea l'immagine centrale del testo (l'immagine dell'eroe o degli eroi, degli eventi, delle cose). Spesso il nome ha un significato simbolico.

Il sistema caratteriale dell'opera.

Immagini dei personaggi principali;

Immagini di personaggi secondari;

Il rapporto tra i personaggi. Qui è necessario determinare i conflitti tra i personaggi (conflitti esterni) e le contraddizioni nell'anima dei singoli personaggi (conflitti interni).

L'immagine di un eroe letterario: un ritratto di un eroe; dettaglio artistico, interno e paesaggio come modi indiretti di caratterizzare l'eroe; descrizione del personaggio (tratti di personalità persistenti) e pensieri e sentimenti momentanei del personaggio; discorso dell'eroe.

Composizione e trama.

Composizione:

- posizionamento dei personaggi;

L'ordine di segnalazione degli eventi nella trama (composizione della trama);

Alternanza di elementi narrativi di trama ed extratrama (ritratto, paesaggio, interni, digressione lirica);

La correlazione semantica delle parti dell'opera, le tecniche di ripetizione, contrasto e antitesi nella composizione;

Caratteristiche del tempo e dello spazio artistico.

Quando si analizza una composizione, si dovrebbe prestare attenzione al riordinamento cronologico degli eventi, a tecniche come il ritardo dell'esposizione, la connessione tra climax e epilogo, l'assenza di esposizione o epilogo. È inoltre necessario determinare il tipo di composizione: la composizione può essere vertice, specchio, anello, aperta, concentrica.

Complotto:

Trame e personaggi che le rappresentano;

Conflitti tra eroi, conflitti interni di eroi;

La presenza e la disposizione degli elementi della trama nel testo (esposizione, trama, sviluppo dell'azione, climax, epilogo, epilogo)

6. Caratteristiche stilistiche testo(caratteristiche del vocabolario, sintassi del testo, ritmo della prosa, mezzi di espressione artistica).

Informazioni correlate:

1. III. L'ultima parola dell'insegnante. Nella scena finale - la scena dell'arresto - si conclude il culmine della trama filosofica del romanzo: una persona entra in contatto con gli schemi storici principali.

Introduzione………………………………………………………………………………...2

1. Idea. Intenzione artistica. Argomento. La trama nella composizione coreografica……………………………………………………………………………..5

2. Il tema della trama balla………………………………………………………..13

3. Processo creativo………………………………………………………………...17

4. Collegamenti drammatici in un'opera coreografica…………….19

Conclusione………………………………………………………………………………….25

Riferimenti……………………………………………………………………27

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Introduzione………………………………………………………………………………...2

1. Idea. Intenzione artistica. Argomento. La trama nella composizione coreografica……………………………………………………………………………..5

2. Il tema della trama balla………………………………………………………..13

3. Processo creativo………………………………………………………………...17

4. Collegamenti drammatici in un'opera coreografica…………….19

Conclusione………………………………………………………………………………….25

Riferimenti……………………………………………………………………27

introduzione

L'arte del balletto oggi ha acquisito un significato universale sia come genere che come scienza. Per la società nel suo insieme, il balletto è un vantaggio rivestito di una forma speciale di bellezza di un "corpo parlante".La particolarità del linguaggio della danza classica, che non trasmette parole, ma pensieri, concetti, rende la drammaturgia del balletto non un forma letteraria, ma psicologica. La psicologia del balletto drammatico è collegata alle sfere spirituali e filosofiche del pensiero che influenzano una persona in modo figurato, creativo, associativo, artistico, estetico.

Per aumentare l'impatto sulle emozioni e sui sentimenti dello spettatore, l'autore-regista ha a sua disposizione mezzi espressivi ausiliari come musica, scenografia, luce, ecc., ad es. un intero arsenale di ulteriori fattori e tecniche che migliorano la drammaturgia. Il drammaturgo di un balletto (opera), a differenza di altri autori di arti performative, può ispirare o evocare tutta una serie di pensieri, un intero concetto figurativo, dimostrando una posa espressiva, un gesto, rivelare il significato di un fenomeno, evento, sostituire una enorme “monologo” con una sola “osservazione”.

Il balletto è una sinfonia di pensieri visibili, espressi da danze, plasticità, composizioni, regia, montaggio di tutti i componenti in una combinazione infinitamente diversa di queste forze.

Qualsiasi opera d'arte in tutte le sue forme e generi deve creare un'immagine completa del rappresentato.

L'argomento di un gioco è conflitto sociale(di una scala o dell'altra), personificato negli eroi dell'opera. Affinché un'opera teatrale abbia un impatto artistico, deve creare un quadro completo, un'immagine completa dell'evento.

Il dramma crea l'immagine di un evento conflittuale, l'immagine di uno scontro sociale. Questa immagine deve averne tre elementi obbligatori che ne determinano l'integrità. Prima di tutto, è necessario spiegare cosa sta succedendo, dove, perché e perché è avvenuta la collisione, per descriverne l'inizio. Senza questo, non sarà chiaro.

È necessario mostrare lo sviluppo della collisione, la sua essenza. E, infine, è necessario mostrare a cosa ha portato questo sviluppo. "Cosa ha portato a" non equivale al concetto di "come è finito".

Qualsiasi evento nella vita finirà, e ancor di più sotto la penna dell'autore, può essere del tutto accidentale e non di conseguenza questo sviluppo, non come risultato della lotta delle contraddizioni che si sono manifestate in questo conflitto. Creare un'immagine olistica dell'evento è un requisito artistico obbligatorio per un'opera di drammaturgia.

Allo stesso tempo, la composizione include l'organizzazione dell'azione dell'opera, la divulgazione del materiale attraverso la trama, che è una sorta di "vestito del conflitto", cioè un mezzo per concretizzarlo.

Anche la sequenza degli eventi, cioè lo sviluppo successivo del processo vitale nel dramma, le fasi del suo conflitto, ha una sua relazione con il tutto, i dettagli con il generale. Il flusso dell'azione è una conseguenza dello sviluppo del conflitto. Il concetto di composizione, quindi, è connesso con la costruzione di un'azione drammatica.

scopo lavoro di controlloè: studiolavoro coreografico in termini di tema e idea.

Compiti del lavoro di controllo:

Considerare i concetti di "idea", "intento artistico", "tema", "trama" e individuarne il significato nel processo di un'opera coreografica;

Considera il tema delle danze della trama;

Espandere il concetto di "processo creativo";

Per studiare i legami drammatici in un'opera coreografica.

I concetti di "idea", "concezione artistica", "trama" e i loro significati nel processo di un'opera coreografica sono stati tratti dalla fonte:

Bogdanova G.F. Fondamenti di drammaturgia coreografica. Il tema delle danze della trama è stato considerato nel libro: Zaripova R.S., Valyaeva A.R. "Dall'idea alla storia" Il processo creativo è stato studiato nel libro: Zakharova R.V. "La composizione della danza". Gli elementi drammatici nelle opere coreografiche sono stati presi dalla fonte: Bogdanova G.F. Fondamenti di drammaturgia coreografica.

Il lavoro di controllo, la cui struttura è determinata dai compiti, include un'introduzione, una conclusione, un elenco di riferimenti.

1. Idea. Intenzione artistica. Argomento. La trama nella composizione coreografica.

Sebbene non ci sia un tema, il lavoro dell'autore sull'opera non può iniziare. Il tema è un problema posto dalla vita e che spinge l'autore alla creatività.

Un'idea è una soluzione a qualche domanda, a qualche argomento. L'intero processo di creazione di un'opera è un processo per rivelare e risolvere un tema e trasformarlo in un'idea.

Un'idea non è mai aperta e mai statica. Muore non appena smette di svilupparsi o diventa banale e dannoso.

Un'idea fruttuosa può vivere per millenni, non scompare alla fine del lavoro, ma parte con la persona e appare ogni volta che l'opera viene affrontata di nuovo.

Hanno resistito per più di tre millenni alle idee formulate dagli antichi autori dell'Egitto, della Grecia, della Cina, ecc.

Ci sono idee che sono promettenti e non hanno sviluppo. Ci sono idee che perdono temporaneamente la loro rilevanza e, per così dire, si bloccano nella non esistenza storica, per poi tornare a vivere. Così, in connessione con la comparsa delle forze centrifughe in Russia, le idee de Il racconto della campagna di Igor stanno diventando molto moderne.

Le idee sono soggettive e oggettive. Un'idea soggettiva è verificata da leggi oggettive. Ci sono casi in cui l'autore, intenzionato a denunciare un fenomeno, in realtà si scontra con un altro, perché l'idea originaria o è insignificante o falsa e non resiste alla prova della regolarità oggettiva, cioè della vita.

A volte ci sono opere con un'idea falsa, appaiono più spesso in società non libere. Un'idea falsa è solitamente accompagnata da una forma falsa. Le idee, come i temi, sono principali e secondari.

In un'opera genuina c'è una lotta di idee, durante la quale idea principale o vince o muore se era falso.L'idea di una performance, un'opera teatrale, una sceneggiatura è solitamente chiamata il super-compito del lavoro.

Un'idea artistica è una sorta di “chiave” di un'opera o di singole parti, componenti, elementi o immagini.

L'idea in uno spettacolo di balletto riflette la regolarità del periodo storico, l'ideologia dell'epoca. Influenza la vita sociale attraverso immagini artistiche.

L'idea di un coreografo è sempre soggetta alla legge della drammaturgia e alle sue cinque sezioni: esposizione, trama, sviluppo, climax e epilogo. Permea l'intera composizione, tutte le sue componenti, sia esterne che interne - psicologiche. Comprende una serie di concetti, senza i quali la composizione è praticamente impossibile: tema, trama, genere, tipo, metodo, stile, ecc.

Una performance di balletto è un pensiero che si svolge in un processo dialettico e artistico che sviluppa un'idea.

L'idea permea tutte le parti dell'opera, è un sottotesto nelle collisioni della trama. Questa è l'essenza del balletto, il problema, il suo significato, il significato, il concetto dell'autore.

Un'idea è un principio di visione del mondo, che esprime gli aspetti filosofici, sociali, morali, politici, le posizioni, il pensiero e l'atteggiamento nei confronti del mondo.

L'idea è l'unità del pensiero, il sentimento è la conoscenza, e l'intuizione, l'anticipazione, la preveggenza e l'anticipazione. L'idea è veicolata attraverso lo psicologismo del comportamento delle immagini e lo scontro dei loro personaggi.

Viene rivelato nel processo di sviluppo del tema, della trama. Nella sua forma più pura idea artistica trasporta carattere astratto e non ha valore artistico. Il valore dell'idea è tanto più alto, quanto più distinta è la lotta delle forze opposte. La verità di un'idea è nel processo, nello sviluppo della trama di un'opera d'arte.

L'idea consente all'autore di trarre conclusioni morali e psicologiche, portare i suoi pensieri e sentimenti al pubblico giudizio dello spettatore e, allo stesso tempo, evocare, provocare determinate emozioni, sentimenti, pensieri nello spettatore, evocare empatia, simpatia, attraverso complicità (spettatore diretto).

Nell'opera, l'idea si riversa in tutte le sue parti ed elementi e, per così dire, cementa l'opera con la sua energia.

L'idea ha la capacità di auto-sviluppare, perché. è differenziato nelle visioni del mondo dell'autore, degli interpreti, degli spettatori e nel loro atteggiamento nei confronti dell'opera e del mondo.

Intenzione artistica.

L'idea del coreografo è collegata alla sua visione del mondo. E la scelta di un argomento o di una trama è solo una ricerca di una forma, un'intenzione, un piano, un'idea, un'idea per esprimere il proprio atteggiamento, le proprie opinioni sui problemi della vita.

Un'idea è una rappresentazione, immaginazione, anticipazione di un'idea in forma figurativa. Un certo prototipo dell'opera, provocato dall'immaginazione "dal futuro".

Un'idea è l'inizio del processo creativo. E esternamente - questo può essere espresso sotto forma di schizzi, piani, programmi, applicazioni, schizzi, schizzi, prove, riflessioni, ecc. L'idea e la sua realizzazione sono legate al “sottotesto” dell'opera, cioè con idee che sono motori, guide, guide di "attraverso l'azione" nella trama.

Un'idea può nascere spontaneamente, casualmente, ma può essere nutrita per anni, come se fosse provata dal tempo.

Vari fattori possono fungere da stimolo per un'idea: un pensiero vivido, un fenomeno o un'azione figurativa, un oggetto che provoca associazioni, stress emotivo, un incontro con una persona interessante e altri fattori energetici impulsivi che influenzano la coscienza, il subconscio e psiche.

Nel corso del lavoro sull'incarnazione dell'idea, essa viene concretizzata, raffinata, levigata e talvolta può cambiare radicalmente, il che, tuttavia, non cambia il suo valore originario nell'enorme attività euristica del processo creativo.

Il coreografo, l'autore, nel processo di attuazione dell'idea, ha l'opportunità di chiarire da solo le direzioni principali della ricerca, prevedere le mosse tattiche e strategiche della trama, controllare i risultati successivi nel processo di pratica e logicamente andare secondo il piano.

La capacità del regista di costruire e realizzare la sua idea attraverso i labirinti di vari ostacoli, nel suo sviluppo profondo e globale, esprime la cultura, la visione del mondo, la professionalità dell'autore, la sua bravura.

Argomento

Il coreografo, per esprimere le sue idee, progetta, cerca e trova argomenti che potrebbero interessare il pubblico.

Ciò che è rilevante non è ciò che è moderno in termini di argomento, in termini di trama, ma ciò che porta idee reali, idee di oggi.

La scelta dell'argomento dipende dalla visione del mondo, dall'atteggiamento dell'autore nei confronti dei fenomeni sociali, dall'intelletto, dalla prospettiva, dalla cultura, dalla professionalità, dal modo di pensare, dalla cittadinanza, dalle convinzioni morali ed estetiche, dalle opinioni filosofiche e giuridiche, dalle posizioni ideologiche, politiche e di altro tipo .

Il tema e la piattaforma ideologica del teatro di balletto e del suo repertorio dovrebbero essere in armonia con la tendenza dell'estetica dell'arte della società, sia nel proprio paese che nel mondo.

Il valore estetico dei temi delle opere di balletto sta nell'unità degli eventi valutati realisticamente che si svolgono sul palcoscenico e della loro comprensione artistica, presentazione (forma).

Il tema può essere espresso concettualmente (il tema della rivoluzione, dell'intelligenza, della personalità); metaforicamente (il tema dei "padri e figli", il tema degli "umiliati e offesi", delle persone "superflue", ecc.); nome comune (Amleto, Don Chisciotte, Demone, Don Juan, Khlestakov).

Nell'arte esistono i cosiddetti "temi eterni" in cui vive e si realizza la psicologia del comportamento dei caratteri umani, dei temperamenti, delle passioni inerenti a tutte le età, popoli e paesi: amore, bene e male, vita e morte, denaro , il potere, la libertà, la volontà, la bellezza, la ricerca del senso della vita e tanti altri. altri

"Eternal Themes" è una memoria viva della moralità umana, della moralità, dei rapporti umani, una memoria che l'umanità fissa nelle immagini dell'arte.

I "temi eterni" nell'arte passano da un'epoca all'altra e portano i tratti più generalizzati e stabili del carattere di una persona nel processo di sviluppo storico.

L'uomo è sempre stato interessato all'uomo stesso e alle manifestazioni del suo carattere in quelle o altre circostanze. Nei balletti classici, una persona deve affrontare, come nella vita, concetti eterni come dovere, onore, coscienza, polvere, peccato, eroismo, patriottismo, gelosia, invidia, calunnia, tradimento, vendetta, libertà e molti altri. altri

Nel balletto, tutte queste qualità sono veicolate dal loro linguaggio, dal loro sistema non verbale, dalle loro tecniche coreografiche. “La vera, unica, eterna trama del balletto è la danza” (T. Gauthier).

Contemplando, empatizzando con gli eroi dello spettacolo, nelle anime, nelle menti e nei cuori del pubblico, c'è una sorta di selezione di qualità morali interne, autostima, autoformazione, auto-miglioramento.

I "temi eterni" sono chiamati a spiritualizzare, migliorare, purificare ed elevare l'umano in una persona con la bellezza della forma dell'arte del balletto.

Temi, trame, alti e bassi, collisioni nelle varie produzioni di balletto possono essere molto diversi, presi da epoche, paesi, generi diversi (fiabe, leggende, miti, parabole) e trasferiti ai giorni nostri.

Ma "l'eternità degli argomenti" ecciterà sempre una persona, influenzerà sempre la sua anima viva. La moralità dei "temi eterni", il loro ruolo conoscitivo ed educativo, la spiritualità passano di generazione in generazione e sono alla base delle opere classiche.

Questa è la connessione tra tradizione e innovazione, come una delle leggi fondamentali dell'estetica.

Complotto. Complotto. Contenuto e contenuto.

La trama di un'esibizione di balletto è il suo contenuto, ad es. un insieme di eventi attraverso i quali vengono rivelati i personaggi dei personaggi.

La trama di una composizione coreografica è associata al tipo di pensiero artistico, a una specifica epoca culturale e storica, al metodo creativo, alla posizione civica, ai canoni etici e ai gusti estetici del coreografo.

La trama si rivela attraverso la trama dell'opera, attraverso il principale situazioni di conflitto, collisioni, colpi di scena collegati in un unico sistema figurativo e artistico.

Nella trama, attraverso gli eventi, attraverso le azioni, gli scontri di personaggi, attraverso l'ambiente, avviene la manifestazione delle immagini.

La trama è un certo piano, architettonico, riassunto, libretto. La trama può essere raccontata brevemente ed è quasi impossibile raccontarla di nuovo, perché è più vicino nel significato alla sceneggiatura che alla composizione.

La trama è la base strutturale della composizione, la spina dorsale, il racconto di eventi e particolari. Elementi della trama: nella trama, conflitto, sviluppo, climax e epilogo. Ogni coreografo, lavorando sullo stesso tema, sviluppa la trama a modo suo, attraverso la sua trama.

La trama è un modo di esistenza e di sviluppo della trama, è un conflitto che si muove secondo le proprie leggi interne, tutto è subordinato a un'unica "linea passante": l'idea.

La trama di uno spettacolo di balletto è il suo contenuto, un insieme di eventi, fenomeni, forme che aiutano a rivelare i caratteri dei personaggi. C'è un detto filosofico; "... ogni crisi, anche ogni svolta nello sviluppo, porta inevitabilmente a una discrepanza tra la vecchia forma e il nuovo contenuto."

Il concetto di contenuto include: tema, trama, immagini, collisioni, forma, ecc. Il concetto di contenuto include; orientamento ideologico, significato sociale, visione del mondo dell'autore, significato sociale e valore dell'opera, sua rilevanza, abilità artistica, impatto della bellezza, estetica, psicologismo, sottotesto, orientamento filosofico, ecc. Pertanto, l'estetica del balletto distingue consapevolmente tra due concetti: "contenuto" e "contenuto", perché. il primo tende ai mezzi, ai metodi tecnici, il secondo è legato alla comprensione ideologica ed estetica dell'opera nel suo insieme.

Quindi, l'idea di un'opera è la sua "pre-immagine", "prototipo", "prototipo". Il coreografo, per esprimere le sue idee, progetta, cerca e trova argomenti che potrebbero interessare il pubblico. Temi, trame, vicissitudini, collisioni in varie produzioni di balletto possono essere molto diversi, presi da epoche, paesi, generi diversi.

2. Tema delle danze della storia

L'arte coreografica riflette sia molti aspetti della realtà moderna che il passato di popoli diversi.

Già nell'antichità le persone esprimevano vari stati emotivi con movimenti plastici.

Negli anni, la complicazione delle relazioni tra le persone, il desiderio di spiegare i fenomeni della natura ha portato a una varietà di argomenti, trame, risolte con l'aiuto della plasticità.

Sviluppato il contenuto delle danze e la tecnica della performance. I processi di compenetrazione delle diverse culture si sono ampliati e approfonditi, che non solo hanno offuscato i loro confini, ma hanno anche selezionato, affinato tecnica arte nazionale di ogni popolo.

Il tema del lavoro. “Il processo lavorativo ha scoperto il significato del ritmo. I movimenti soggetti al ritmo hanno dato origine alla danza, una delle prime manifestazioni della cultura.

Le danze antiche, che riflettevano i processi del lavoro, avevano un carattere giocoso. L'apparizione di nuovi tipi di lavoro ha cambiato l'atteggiamento delle persone nei confronti di esso e l'uno verso l'altro, e tutto ciò si è riflesso nella danza. Ad esempio, nella danza Lenok, è stato raccontato come il lino viene seminato, raccolto e frantumato.

Quando inizia a comporre una danza sul tema del lavoro, il coreografo deve ricordare che la plasticità, con l'aiuto della quale viene rivelato il suo contenuto, è di natura associativa, quindi è importante considerare le seguenti regole:

Il processo lavorativo non si riflette completamente nella danza.

Sono coinvolti palcoscenico, momenti chiave ed elementi del processo lavorativo, che lo caratterizzano più chiaramente, non viene fornita un'illustrazione, ma, per così dire, un accenno di esso, un'associazione con esso;

È necessario trovare le specifiche del lavoro, i suoi elementi, che implicano una brillante soluzione scenica per mezzo di una gomma coreografica, consentono di creare un'opera teatrale;

Trova elementi che descrivono il processo del travaglio, permettendoti di complicarli con i movimenti di plasticità coreografica, creare movimenti artistici e fantasiosi, vocabolario caratteristico. Evitare la rivisitazione e l'illustrazione della pantomima;

Trova una struttura compositiva artistica e figurativa che rifletta il contenuto principale della danza: la poeticizzazione del lavoro.

È problematico mostrare il lavoro degli assemblatori di orologi attraverso la danza, ma la "danza dell'orologio" è possibile, come, ad esempio, la curiosa "Danza dell'orologio" è stata messa in scena nel teatro musicale per bambini "Zadumka".

Un coreografo può essere di grande aiuto con il giusto materiale musicale. Il cui schema ritmico e melodico dovrebbe aiutare a rivelare la natura del lavoro e la struttura emotiva: lo stato e l'atteggiamento delle persone al lavoro.

Il tema della vita. La vita è uno stile di vita quotidiano, una sfera non produttiva, che include sia la soddisfazione dei bisogni materiali delle persone (cibo, alloggio), sia lo sviluppo dei benefici spirituali, della cultura, della comunicazione, del tempo libero, dell'intrattenimento.

La vita pubblica, urbana, rurale, familiare, individuale si forma sotto l'influenza della produzione materiale, delle relazioni sociali, del livello di cultura e delle caratteristiche nazionali.

Dobbiamo la nostra conoscenza della vita delle generazioni passate all'arte e ai modelli, in cui erano radicate la visione del mondo delle persone, le norme morali e le fasi spirituali dello sviluppo di varie società, classi e gruppi.

La maggior parte dei balli su argomenti quotidiani rivelano questioni di moralità. Riflettono sempre il contenuto della moralità della società. Innanzitutto questo mondo interiore persona, la manifestazione della sua relazione con le altre persone:

Lealtà al dovere, onore;

Combatti per la libertà, contro il male;

Problemi di partnership, amicizia, amore, relazioni familiari.

I balli su argomenti quotidiani sono risolti in vari generi:

Drammatico, spesso con motivi lirici ("Moldavian Wedding" - ensemble di danza "Jok"; "Given to the Young" - Coro popolare degli Urali; "Lubtrav" - Coro popolare di Omsk; "Coachmen" - Coro popolare del Volga;

Tragicamente, spesso in modo eroico ("Towards the Dawn" - l'ensemble di danza "Birch"; "Khorumi", "Partisans" - lo State Academic Folk Dance Ensemble intitolato a I. Moiseev;

Comico, spesso queste danze sono chiamate "comiche" o recitate ("Yurochka" - l'ensemble di danza della Bielorussia; "Quando i cosacchi piangono" - l'ensemble di canti e balli dei cosacchi del Don; "Oh, sotto la ciliegia" - la danza ensemble dell'Ucraina intitolato a Pavel Virsky;

I problemi sociali più acuti e le esperienze liriche più sottili risultano essere nella sfera degli interessi creativi dei coreografi.

Tema della natura. L'uomo è figlio della natura. Fin dai tempi antichi, l'uomo ha dotato tutto ciò che lo circonda delle sue qualità, in altre parole ha spiritualizzato la natura. Non ha dubitato per un momento che, diciamo, la mente di un orso è simile a quella di un essere umano e l'orso è guidato dalle stesse aspirazioni di un uomo.

Ha spiritualizzato alberi, arbusti, discorsi e fiumi e, infine, forze elementali: vento e pioggia, fulmini e tuoni.

La deificazione, la personificazione della natura ha permesso di riprodurla sulle pareti delle rocce, in modo poetico, creatività musicale e plastica.

Opere d'arte, dove lui, uomo, sembrava diventare un cervo, una betulla, un fiocco di neve, raccontavano non tanto della loro vita, ma delle relazioni e delle esperienze umane.

La personificazione è uno degli esempi di immagini in una fiaba, una favola, un discorso poetico. Guardando natura circostante, una persona ha fatto ricorso alle sue immagini durante la creazione di opere di danza. Nei tempi antichi apparivano danze di caccia che, riflettendo la natura delle attività delle persone, come molte altre cose, acquisivano una colorazione magica.

Colpire un peluche significa colpirlo durante una caccia. Molte danze di caccia sono sopravvissute fino ad oggi, soprattutto tra i popoli del nord e della Siberia della Russia: la danza del tricheco tra i Chukchi e i tedeschi, la danza dell'orso tra i Khanty e i Mansi, in cui la caccia a questi animali è imitato.

Durante il periodo dell'allevamento del bestiame, una persona domava un cavallo, imparava a controllarlo. Nella mente delle persone sorse l'ideale di un pastore, di un cavaliere, prese forma la plasticità della sua immagine.

Con l'aiuto di movimenti figurativi e imitativi, molti popoli hanno creato varie danze di cavalieri, cavalieri ("Danza dei cavalieri baschiri", "Gaucho" - la danza dei pastori argentini).

Oggi è impossibile immaginare uno spettacolo di Capodanno all'albero di Natale senza ballare una lepre, una volpe, uno scoiattolo, un cucciolo, ecc. Ci sono molti balli, il principale figurativo dei quali è il mondo animale: "Cigno", "Gallo", "Oche-cigni", "Libellula e formica" e persino "Danza del bruco".

Immagini poetiche flora presente nelle opere di quasi tutti i popoli. Questi sono già metodi più complessi di ripensamento, personificazione ("Birch", "Golden Rye", "Verbonka", "Crystals").

Immagini polisemantica ancora più complesse. riflettendo i fenomeni della natura ("Blizzard", "La primavera è arrivata", "Fuoco di fuoco - salto").

Quando compone un ballo, il coreografo deve rispondere chiaramente alle domande: perché mette in scena questo ballo? La danza, come altre forme d'arte, dovrebbe evocare sentimenti elevati nel pubblico, educare gusti e ideali etici. Mostrando allo spettatore una certa gamma di fenomeni della vita, il regista trasmette contenuti significativi attraverso la danza, sia che si tratti di una trama su un argomento storico o moderno.

3. Processo creativo

Comporre una danza è un processo complesso e lungo. Il coreografo-autore deve avere il dono, la capacità di trovare e "far crescere" l'idea di una produzione futura, e anche utilizzare abilmente i principi della drammaturgia musicale e coreografica, le tecniche di composizione, ecc.
Il processo creativo è suddiviso condizionatamente in due fasi.: concezione e la sua incarnazione. Il primo è determinato abilità generali(erudizione, visione del mondo, necessità di creatività artistica), il secondo - richiede abilità speciali e abilità, abilità usate consapevolmente.

Il processo creativo di un coreografo si compone di 3 fasi:
1. Raccogliere e riassumere materiale vitale, definire argomenti, idee. C'è il desiderio di svelarli nell'opera: c'è la ricerca di una composizione musicale adeguata, oppure detta già la natura del tema, dell'idea.
2. Modellazione di personaggi, immagini, circostanze proposte, loro interazione. Il generale diventa il particolare. Emerge un'idea, un tema che tendono ad acquisire eventi, personaggi, uno stile, un genere, una logica di relazioni. Il coreografo inizia a pensare dall'immagine e a disegnarla con una visione interiore, ad es. vedi, e solo allora componi.
3. L'incarnazione delle caratteristiche esterne dell'immagine. C'è una trasformazione in colui che ha bisogno di essere ritratto. Il coreografo "entra" nell'immagine nata dalla sua immaginazione, ma questo non esclude il controllo.

La coscienza, per così dire, si divide in due: uno crea un'immagine, vive di essa, l'altro osserva di lato. La forma dell'opera è in fase di creazione.

Naturalmente, ogni fase - raccolta-generalizzazione, modellizzazione, implementazione - non vive in modo indipendente, ma a un certo punto determina il carattere degli altri, introducendo spesso cambiamenti significativi. Qui c'è un'interazione di abilità generali e speciali che modellano il contenuto e la forma in tutte le fasi della creatività.

4. Collegamenti drammatici in un'opera coreografica

Ogni opera drammatica ha un'esposizione, cioè una parte iniziale. L'esposizione è la parte iniziale di un'opera drammatica.

Il suo scopo è informare lo spettatore delle informazioni necessarie per comprendere l'azione imminente dello spettacolo. A volte è importante far sapere allo spettatore in quale paese ea che ora si svolgono gli eventi. A volte è necessario riportare qualcosa di ciò che ha preceduto il conflitto. L'esposizione ha un altro compito.

Con il suo aiuto, per così dire, nel suo spazio, una persona che è venuta in teatro si trasforma in uno spettatore, un partecipante alla percezione collettiva dello spettacolo. Nell'esposizione, lo spettatore ha un'idea del genere dell'opera. L'esposizione dovrebbe suscitare l'interesse dello spettatore per l'imminente azione sul palco.

Il tipo più comune di esposizione è l'esibizione di quell'ultimo segmento della vita quotidiana, il cui corso sarà interrotto dall'emergere di un conflitto.

La drammaturgia ha molto in comune con il racconto popolare e molto probabilmente ne deriva. La drammaturgia ha preso da racconto popolare, come il tuo argomento principale, il suo miracolo principale, un miracolo sociale: la vittoria del bene sul male.

C'è anche molto in comune tra la costruzione di una fiaba e la struttura di un'opera drammatica. In particolare, l'esposizione della maggior parte delle opere teatrali si basa sullo stesso principio dell'esposizione di una fiaba.

"C'era una volta ..." - e all'improvviso c'è " pesce d'oro” o “l'uovo d'oro” di quest'opera è il conflitto che vi verrà rappresentato. Basato su questo, questa specie esposizione - che mostra l'ultimo segmento della vita, durante il quale il conflitto si interromperà.

Un altro tipo di esposizione è un prologo: un appello diretto dell'autore allo spettatore, una breve storia sui personaggi dell'azione futura e sul suo carattere.

In alcuni casi, il prologo esaurisce l'esposizione. Spesso, però, il prologo non fa che aprire l'esposizione, che poi prosegue fino all'inizio del conflitto mostrando il flusso della vita che l'ha preceduta.

In alcune commedie c'è un diverso tipo di prologo, il cosiddetto prologo teatrale. In questi casi, tutte le funzioni dell'esposizione sono svolte da una piccola scena eseguita prima dell'inizio dello spettacolo.

A volte un gioco inizia con un'inversione, cioè mostrando come finirà il conflitto prima che inizi l'azione. Questa tecnica è spesso utilizzata dagli autori di opere piene di azione, in particolare di gialli.

Il compito dell'inversione è affascinare lo spettatore fin dall'inizio, mantenerlo in ulteriore tensione con l'aiuto di informazioni pre-pubblicate sulla fine del conflitto rappresentato. A volte l'esposizione è combinata con la trama.

cravatta

Il concetto di "impostazione" include l'impostazione del conflitto principale dell'opera, il cui sviluppo è l'oggetto dell'immagine nell'opera.

Nella trama inizia il movimento del conflitto: un'azione drammatica. A volte il conflitto principale dell'opera non compare immediatamente, ma è preceduto da un sistema di altri conflitti.

Sviluppo

Lo sviluppo può essere diverso, può andare nella lotta di due o più piani. Lo sviluppo può essere indipendente, senza lotta, un pensiero che subisce lo sviluppo. Quando c'è uno sviluppo del pensiero, c'è anche la drammaturgia.

climax

Il metodo più comune per lavorare sulla drammaturgia coreografica è il percorso dal particolare al tutto, dal confronto dei singoli elementi linguistici in un motivo plastico al confronto crescente delle immagini (eroi recitanti, personaggi) nell'intera opera.

In primo luogo, il coreografo fa un elenco generale di ciò che dovrebbe accadere sul palco in ordine. Quindi, in questo elenco protocollo di situazioni drammatiche e degli eventi che ne derivano, determina l'azione di ogni singolo eroe (personaggio).

Costruisce la logica dello sviluppo di ogni specifica immagine (eroe, personaggio) approssimativamente secondo il seguente schema: azione - motivo, azione - comportamento, azione - carattere, azione - collisione, azione - evento.

Questo metodo di lavoro pone al centro delle ricerche creative l'esplicitazione in ogni molecola di un'azione musicale e di danza (in un dettaglio artisticamente figurativo, in un motivo plastico) degli elementi di confronto e portandoli a una dimensione concreta, tangibile, emotivamente ricca lotta.

Il dettaglio artistico e figurativo è il mezzo più efficace per esporre l'idea coreografica, l'elemento più importante nella creazione della drammaturgia dell'opera. La capacità di creare dettagli luminosi, artistici e figurativi, in cui i lati pittorici ed espressivi sono indissolubilmente fusi, è un indicatore dell'abilità del maestro di ballo.

Sono i dettagli che creano l'immagine coreografica del palcoscenico.

Nel culmine, in primo luogo, viene espressa l'idea coreografica, concepita dal coreografo nella forma in cui la immagina, e in secondo luogo, viene evidenziata la posizione di visione del mondo che ha spinto il coreografo a esprimere questa idea.

Per un coreografo, lavorare sul climax è forse il momento più cruciale. E poiché il culmine è anche l'apice del confronto sempre crescente tra i personaggi principali, le cui posizioni di partenza sono dichiarate all'inizio dell'opera, la responsabilità del coreografo aumenta molte volte. Ha bisogno di mostrare tutte le abilità e abilità per distribuire i momenti chiave (dell'impatto) attraverso l'intera prospettiva della struttura drammatica dell'opera, in tutti gli strati (nei dettagli artistici e figurativi, nei motivi plastici, nelle azioni degli eroi -personaggi, in episodi-parti separati). Per essere in grado di scegliere le circostanze, dotare gli eroi (personaggi) di relazioni, saturare il loro confronto effettivo con sentimento, ritmo, mescolare suoni, colori, soluzioni plastiche insieme, mettere tutto questo su un flusso di intrighi e farlo funzionare per un climax.

Il confronto tra i principali protagonisti (personaggi) inizia a manifestarsi dal primo evento drammatico (il primo fatto della collisione), ma si rivela in modo più completo nell'ultimo evento culminante.

Il climax è la più alta ondata di confronto tra i principali personaggi recitanti (personaggi). Questa è un'esplosione che provoca un cambiamento massimo nell'equilibrio tra di loro. Si tratta di un'azione che ha raggiunto il suo pieno sviluppo, un evento che cambia finalmente gli equilibri delle forze contrapposte nell'opera.

Tra il primo e l'ultimo evento drammatico, si sviluppa non solo l'intrigo nelle azioni dei personaggi principali (personaggi), ma anche tutta la ricchezza dell'opera, la sua atmosfera, i personaggi, il vocabolario della danza, la varietà delle circostanze proposte, la logica della sviluppo, ecc.

In questo senso, il climax funge da criterio per l'arte di un'opera, un criterio con cui si può analizzare l'opera in ordine inverso. Ecco perché il climax deve essere luminoso, convincente, deve dare unità e integrità artistica all'opera.

Interscambio.

L'epilogo in un'opera drammatica è il momento della risoluzione del conflitto principale, la rimozione della contraddizione conflittuale, che è la fonte del movimento dell'opera.

L'esito del conflitto è possibile solo se viene preservata l'unità di azione, viene preservato il conflitto principale iniziato nella trama. Da ciò deriva l'esigenza: questo esito del conflitto deve essere contenuto come una delle possibilità per la sua risoluzione già nella trama.

Nell'epilogo, o meglio, in conseguenza di esso, si crea una situazione nuova rispetto a quella avvenuta nella trama, che si esprime in un nuovo rapporto tra i personaggi. Questo nuovo atteggiamento può essere molto vario.

Il finale

Il finale è il completamento emotivo e semantico dell'azione dell'opera. Emotivamente - questo significa che stiamo parlando non solo del risultato semantico, non solo della conclusione del lavoro.

Se in una favola la morale è espressa direttamente - "la morale di questa favola è questa", allora in un'opera drammatica il finale è una continuazione dell'azione, l'ultimo accordo.

Il finale conclude l'opera con una drammatica generalizzazione e non solo completa questa azione, ma apre le porte alla prospettiva, al collegamento di questo fatto con i fenomeni sociali più ampi. Il finale è, per così dire, una verifica della drammaturgia dell'opera nel suo insieme. Se gli elementi principali della sua composizione vengono violati, se l'azione iniziata come principale viene sostituita da un'altra, il finale non funzionerà.

Spesso l'autore conclude il lavoro con l'aiuto di un surrogato di finale. Non tutti i finali con un pretesto o l'altro sono definitivi, possono servire come completamento emotivo e semantico dell'opera. Il tipo più comune di surrogato finale è la "punizione" dell'autore con l'eroe.

Così, al centro di ogni opera teatrale si trova una struttura fondamentale costituita da questi tre elementi: l'inizio della lotta, il corso della lotta e il risultato della lotta.

L'inizio della lotta si rivela all'inizio del conflitto principale. Il corso della lotta si rivela attraverso azioni specifiche e scontri dei personaggi - attraverso i cosiddetti alti e bassi che compongono il movimento generale dell'azione dall'inizio del conflitto fino alla sua risoluzione.

Conclusione

In un'opera coreografica, la cosa principale non è l'oggetto visibile, ma l'anima delle immagini, l'essenza di questo o quel fenomeno.In una forma e con mezzi realistici, può trasmettere il super-reale, il fantastico, il favoloso, il mitico.L'opera ha un linguaggio universale, il linguaggio delle immagini visive con un proprio “dizionario”, “sintassi”, segni convenzionali e una propria “grammatica”.

La drammaturgia del balletto è vita nell'azione scenica, perché sulla carta non c'è e non può esserci la drammaturgia di un testo di danza.Solo quando l'incarnazione scenica dell'idea, della forma, del contenuto ottiene un aspetto finito.La composizione di un'opera drammatica è un concetto complesso.

È considerato un fenomeno universale, legato a tutti gli elementi del dramma: al tema, all'idea, al conflitto, alla trama, a ogni immagine, a ogni atto, a qualsiasi scena, spunto, osservazione.

La composizione è un modo per raggruppare la materia che compone il tessuto di un'opera. Quest'ultimo intendeva A. Pushkin quando diceva che la cosa più importante in un'opera d'arte è il piano: il rapporto tra le parti e il tutto, i dettagli rispetto al generale. Infatti, l'ordine in cui le parti sono distribuite rispetto al tutto determina la composizione.

La composizione realizza il contenuto ideologico del dramma, ne sviluppa i problemi. Dal modo in cui viene costruita la logica dello sviluppo dell'azione, come è consentita, non risolta, la contraddizione viene rimossa, si può giudicare la posizione dell'autore, l'idea principale dell'opera.

Da ciò possiamo concludere che la composizione serve come espressione concreta dell'idea in atto. Quindi, la composizione è determinata dal contenuto.

Riflette certi modelli di drammaturgia di un particolare epoca storica, i suoi soggetti sociali. Se espandiamo questa formula, allora possiamo dire che la danza è una miniatura musicale e coreografica, la cui idea si esprime in una chiara costruzione drammatica, con la sua esposizione, trama, culmine e finale.

Ideologica, concisione, originalità dell'idea e sua attuazione, modernità e intelligibilità dei mezzi espressivi, virtuosismo e spiritualità della performance: queste sono le caratteristiche che dovrebbe avere un numero di danza.

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